「ランボー ラスト・ブラッド」 原点への回帰

「ランボー」シリーズの最新作「ランボー ラスト・ブラッド」です。

最終作とは言いません。

今までも何度となく最終作っぽかったことがありますからね（笑）。

とは言いながら、本作はサブタイトルに「LAST BLOOD」あるように第一作「ランボー（RAMBO FIRST BLOOD）」と対になるところがあるかと思います。

第一作ではランボーはベトナムから帰還したばかりの兵士でしたが、国のために戦ってきたにも関わらず保安官たちに迫害され、結果的に一人だけで軍隊と戦うことになります。

彼が戦うのは、自分と仲間が命をかけて国を守ってきたという想いを、全て否定されたと感じたからでしょう。

つまりは彼は存在してきた意義、生きてきた理由を奪われたわけです。

その後の「ランボー」シリーズでは彼はヒーローとして、その当時の「アメリカの敵」と戦います。

彼が戦う理由は用意はされていますが、初回作のように自分の生きる意味を問うような戦いではなかったと言えます。

しかし、本作においては再び彼が生きてきた意味を賭けた戦いをします。

前作後、ランボーは故郷に帰り、そこで知人とその孫娘と暮らしていました。

その娘をランボーは実の娘のように愛しみ、育てます。

しかし、彼女はメキシコの人身売買組織に拐われ、薬漬けにされた上に、最後は殺されてしまいます。

ランボーは老年において生きる意味を見つけていたその娘を奪われたのです。

彼は再び自分が存在していた意義を失ったのです。

本作において人身売買組織を迎え撃つランボーには容赦はありません。

それだけに彼の内面の怒りを感じます。

見ている私の方も前作を観た後から今までの間に娘を授かりました。

それこそ目の中に入れても痛くない、ということを実感していますが、自分の娘がこのような目にあったらと考える、血が凍るような思いです。

怒りで何も見えなくなるかもしれない、とも思います。

それだけに子供の存在は自分が生きる意味を与えてくれるものだとも思います。

彼の戦いは、本作において第一作と通じるような自己の存在を賭けたものに回帰しました。

そういう意味においては本作は上手にシリーズを締め括ったと言えるかもしれません。

「リチャード・ジュエル」 現代にも通じる問題

クリント・イーストウッド監督の40本目（！）の監督作品。

1996年のアトランタオリンピックの際にあった爆破事件に関わる実話が元となっている。

タイトルとなっているリチャード・ジュエルはオリンピックの警備員であったが、担当していた公園で不審物を発見する。

警察と協力して、一般市民を避難させようとするものの、不審物は爆発し、多くの市民が死傷してしまう。

当初ジュエルは爆発物を発見し、市民を守ろうとした英雄として扱われたが、FBIが彼を犯人として疑い始めてから、メディアも彼を犯人扱いを始める。

彼が犯人であるという具体的な証拠はないのにも関わらず、彼と家族と担当弁護士以外の世間は、彼が犯人であるという心象となってしまう。

所謂冤罪なのだが、捜査機関とマスコミという巨大な権威の前では彼らの力はあまりにも小さい。

本作の舞台となっている時代は20数年前であるのだが、これは今の時代の日本にも通じるテーマである。

今の時代にも冤罪はある。

捜査機関の思い込みによる捜査、自白の強要など。

取り調べの可視化などの改革は進んできてはいるものの、欧米に比べるとまだ緒についたばかり。

ゴーン被告の逃亡は問題があるが、彼が日本の司法制度に対して批判しているところはいくつか頷けるものもある。

またマスコミに関しても最近はより一層無責任な報道が多くなっているような気がする。

以前は裏どりなど情報の信憑性を確認する作業がまだされていたような気がするが、最近は未確認なまま報道することも多いように思う。

メディアリンチという言葉が出てくるのもわかる気がする。

そしてジュエルの時代になかった要素として出てきているのが、ネットの普及による一般市民による無責任な噂の拡散だ。

記憶に新しいところで言うと、あおり運転の同乗者の「ガラケー女」であるとして全く関係のない女性が特定され、SNS上で拡散されたという事件があった。

これも不確実な情報による思い込みから端を発する。

今までの冤罪は捜査機関、マスコミなどのパワーを持つものたちによるものであったが、一般市民がネットと言うパワーを持ち始めた現代において、自分たちも同じように冤罪を生み出してしまうこともあるかもしれないという課題意識を持たなくてはいけないと思う。

そういう意味で本作で描かれている課題は現代にも通じるものであり、さらには全く人ごとではないということ、つまりは被害者にも加害者にもなりうるということを自覚しなくてはいけないと感じた。

「ルパン三世 THE FIRST」 もっとワクワクする冒険が見たかった

劇場版の「ルパン三世」は23年ぶりだとか。

3DCGの作品としての久しぶりの登場となります。

私の世代としては「ルパン三世」と言ったら、夕方に再放送されていたのを何度も何度も観た第１シリーズ、いわゆる緑ジャケットのルパンですね。

映画だと「ルパンVS複製人間」と「カリオストロの城」まで。

今回久しぶりに観たら、声優さんも随分と変わっていました。

石川五エ門を演じていた井上真樹夫さんも先日亡くなってしまいました・・・。

逆に次元大介だけ変わらないのは（小林清志さん）すごいと思いました。

ずいぶんおじいさんぽい声になっていましたが。

今回の監督は山崎貴さんで、今年は「ドラゴンクエスト」に引き続き、３DCG作品の監督が続いています。

「ドラゴンクエスト」については最後の「ドラゴンクエスト」ラリからぬ展開で物議を起こしましたが、今回の「ルパン三世 THE FIRST」については、非常に手堅く「ルパン三世」らしい作品として仕上げたように思いました。

逆に言えば、何か新しさを感じるようなところはあまりなかったとも言えます。

ゲストの女性キャラであるレティシアは、現代らしい行動的な女性としては描かれてはいますが、財宝の秘密のキーを持っていて、ルパン側も敵側も追う人物としては「カリオストロ」のクラリスに通じるものがあるかと思います。

ラストシーンなども「カリオストロ」を彷彿させますね。

銭形警部が率いるのは埼玉県警ですし、ルパンはフィアット使いますし、お宝頂戴した時のカードも「カリオストロ」へのオマージュでしょうか。

ですので全編既視感のようなものを感じました。

私が観たことがある劇場版は、「複製人間」にしても「カリオストロ」にしてもTVシリーズとはちょっと違う、今までのルパンとは異なる側面を体験させてくれたものでした。

そういう意味では今回の作品からはそのような新しいルパンを発見できるということはなかったように感じます。

これはかなり欲張りであるということはわかっているのですけれどね。

冒険し過ぎてあまりに外し過ぎてしまうと、これは「ルパン三世」じゃないというように言われてしまうこともわかります（「スターウォーズ」の最新作が色々言われているように）。

それでもルパンであるなら、もっとワクワクするような冒険を見せてもらいたかったと思いました。

「ロケットマン」 本当の自分

クイーンの自伝的映画「ボヘミアン・ラプソディー」が昨年大ヒットしたという記憶は新しいですが、本作はエルトン・ジョンの半生を描く作品です。

監督はデクスター・フレッチャー。

「ボヘミアン・ラプソディー」はブライアン・シンガーが監督としてクレジットされていますが、最終盤で解雇されていて、最後の仕上げをしたのはデクスター・フレッチャーなのですよね。

2作連続でイギリスの大ミュージシャンを題材にしている作品を作っています。

エルトン・ジョンを演じるのは「キングスマン」シリーズで主演を務めているタロン・エガートン。

そう言えば、「キングスマン2」でエルトン・ジョンが本人役で出演していましたね。

タロン・エガートンがエルトンを演じるのは運命だったのかも。

エルトン・ジョンの本名はレジナルド・ドワイト。

レジナルドは音楽の才はありましたが、内気な少年でもありました。

そんな少年がド派手な衣装を着て、どうしてサービス精神あふれるステージを見せてくれるエルトン・ジョンになったのか。

少年時代のレジナルドは父親にも母親にも愛されませんでした。

ずっと自分の居場所を見つけることができなかった少年だったのです。

唯一彼が自分自身を解放できるのが、音楽でした。

音楽を通じて親友と呼べる人物と出会うことができ、そして才能を発揮することで多くの人に認められることができた。

内向的で癇癪持ちな男が、ステージに上がると別人のようなパフォーマンスを見せるという描写が本作ではいくつもありました。

才能を認められれば、なりたい自分になれると彼は言われます。

レジナルドは、自分の理想の姿であるエルトン・ジョンという人間を無意識に演じていたのかもしれません。

しかし、それが本当の自分であるのか。

彼は次第にエルトン・ジョンという人物を演じることに疲れていってしまったのかもしれません。

だから酒や薬に手を出し、その葛藤から逃れようとした。

「自分探し」という言葉が以前、流行りました。

しかし自分とは、探して見つかるものなのでしょうか。

そもそも本当の自分ってなんなのでしょうか。

理想の自分と現状の自分のギャップはあるかもしれません。

ただ理想の自分が、本当の自分なのかというとよくわかりません。

レジナルドは理想の自分こそが本当の自分だと思っていたのかもしれません。

普通の人は理想の自分になるというのはなかなか難しい。

才能も必要ですし、もちろんお金も必要でしょう。

でも彼はそれを得てしまった。

理想の自分になることができた。

けれどそれが本当の自分であったのか。

結局すべてを吐き出して、まっさらになって初めて彼は自分自身を見つめることができたのかもしれませんね。

「ライオン・キング」 映像は新しいが、物語は・・・

実写と見まごうばかりのCGによって制作された”実写版”「ライオン・キング」。

ここまでくると実写、アニメというのは垣根がなくなってきているなという感じがしますね。

実際は実写的に表現されたアニメーションであるとは思います。

動物の表情や動きは本物よりはデフォルメされて、人間的なエモーションが演出されていますから。

表現の技術的な進化を感じさせる作品であると思います。

それに対して物語については現代的な新しさはあまり感じられませんでした。

ディズニーはこのところ昔のアニメーションの実写化した作品をリリースしています。

最近では「美女と野獣」、「アラジン」などが挙げられると思います。

これらは昔のアニメーションをただ実写化したというだけでなく、より現代の多様な価値観に配慮したものとなっています。

特に女性の描写ですね。

昔のディズニー映画といえばプリンセスですが、彼女たちはどちらかといえばか弱く、男性を待ち、選ばれる者として描かれていました。

しかし最近のディズニー作品の女性たちは自らの意思をしっかりと持ち、そして行動をします。

「アナと雪の女王」のエルサとアナなどもそうでした。

ですので、「美女と野獣」のベルにしても、「アラジン」のジャスミンにしても、アニメよりもさらに強い意志を持ち、行動力のある女性として描かれています。

「アラジン」のレビューでも書きましたが、実写版で新たに書かれた曲である「Speechless」はその象徴でしょう。

ですので、本作もそのような様々な価値観が込められた現代的な作品になっているかと思いましたが、基本的に物語はアップデートはされていないように感じたので物足りなさを感じたのです。

どうしても青年が王になっていく姿を描く物語ですので、男目線になってしまうのは致し方がないところではあるとは思うのですが。

ですので女性に関してはどうしても男性を支える立場という描かれ方になってしまいます。

その姿はやや昔の女性観のように見えました。

最近のディズニーの作品は多様な価値観を大事にしてきているように感じていたので、本作についてはその点があまり感じられなく、少々物足りなさを感じました。

「ラプラスの魔女」 これは三池作品なの？

タイトルの「ラプラスの魔女」は、フランスの数学者ラプラスが未来の決定性を表現し、のちに「ラプラスの悪魔」と呼ばれた概念からきています。
これはある瞬間における全ての物質の状態が全てわかり、それを解析できる能力があるのであれば、未来が予測できるというものです。
唱えられた19世紀には概念的なものでしたが、今の時代でしたらどうでしょうか？
様々な事象をデータ化することができ、それを解析できるコンピュータもある。
未来予測はできそうでしょうか？
けれどそれは原理的には無理です。
「ラプラスの悪魔」の概念はいわゆるニュートン物理学に基づくものです。
しかし、現在では不確定性原理により、粒子の場所と運動量を両方とも特定することは不可能とされています。
ですので、どうしても絶対的に確実な未来予測はできません。
特に気象などという様々な要因が絡まる事象では、特定の場所や時間に何かが起こると予想するのは難しいでしょう（「この辺りにこういうことが起こりそう」ということまでは言えるかもしれませんが）。
ですので、未来予測ができるという話には個人的には少々入りづらかったところがありました。
ま、フィクションなのであまりその辺突っ込んでもしょうがないのですけれども。

観に行こうと思ったきっかけは、監督が三池崇史さんだったからです。
三池さんは個人的には好きな監督なのですが、最近の作品ではあまりこれはいいと思った作品がなかったのですよね。
最近の数作品は三池監督らしくはあるのですが、どうも映画としてとっ散らかってしまっている感じを受けてしまっていました。
やりすぎと言われるくらいやってしまうというのが三池監督らしさではあるので、暴走とまとまりのバランスは難しいところではあるのですが。
さて本作ですが、観終わってみると、逆に三池監督らしさというのはほとんど感じられず、寂しい感じがしました。
言ってしまうとなんなのですが、監督名を聞かなければ誰の作品かわからなかったような印象です。
三池監督の作品は名前を聞いていなくても、観れば三池作品であることがわかる印がついてように感じるくらい個性が強いと思うのですが、それがほとんど抑えられていました。
ミステリーですので、あまり監督の個性を出しにくいということもあるのかもしれませんが、そうなるとあえて三池監督を起用した意図も良くわかりません。
主役は櫻井翔さんが演じる青江という地球化学の教授ですが、これも大変存在感がありません。
観客とともに不可能な事象を解き明かして行くというナビゲーターの役割なので致し方ないのかもしれませんが、ラストくらいにもなると、本当にそこにいるだけという感じになってしまいます。
クライマックスの場面では、他の人物たちに焦点が行ってしまっているのでナビゲータ役としても終了してしまっている感がありますね。
主人公なのに。
監督の件も、主役の件も何かチグハグな感じがする作品となっていました。
三池さんにはもっと個性が出せる作品をやってもらいたいです。

「レディ・プレイヤー1」 情報の洪水の中での宝物

初めて本作の予告を観た時、非常にびっくりしました。
デロリアンが爆走していて、アイアン・ジャイアントが大暴れしている！
なんじゃこりゃ！と。
それでもってスピルバーグ監督作品って・・・。
そして、実際に本編を観てみると、出るわ、出るわ。
キングコングにTレックス、チェストバスターにビートル・ジュースにガンダム、メカゴジラ！！
「オレはガンダムで出る！」って、日えー。
80年〜90年に若かりし頃を過ごした自分としては、ど真ん中の映画やアニメをネタとしたアイテムがエピソードが満載。
全く気づかなかったネタもいくつもありそうです。
使っている曲も有名な曲ばかり。
版権の許諾が非常に大変だったろうなあと想像するわけですが、これができるのはやはりスピルバーグだからでしょうねえ。
スピルバーグはまさに80年代以降のクリエーターではカリスマ中のカリスマ。
彼以降のクリエーターは少なからず彼の影響を受けていると考えていいでしょう。
そのカリスマから、映画の中に自分のキャラクターやアイテムを使いたいと言われたら、イエスと言いますよね。
彼くらいの大御所でしたら、作品に対してもリスペクトをしてくれて、大切に扱ってくれそうですし。
お話の筋自体はそれほど新しいものではありません。
自分たちの世界を支配しようとする組織に対し、アウトサイダーたちが協力してその支配に対して戦う。
しかし、先ほど書いたようなネタの情報量が半端ない。
それを追いかけて行くだけで大変。
また映像のスピードも速いし、画面上の情報量も多い。
その情報を処理する速度が要求されるので、観る方も疲れます。
私は普通の劇場で観たのですが、IMAXで３Dとかだったら、ぐったりしちゃうのじゃないかなあ。
情報処理力が要求されるということでは非常に現代的ではあります。
あと何度も確認で観てしまうといったフリークの方も出るかもしれないですね。
溢れそうになるほどの情報量があるというのは、現代的かもしれません。
インターネットには見切れないほどの情報があります。
人々はその情報のシャワーをまさに浴びています。
シャワーを浴びている中で、本当に大切なことは何かを見失ってしまうということはままあることです。
主人公は戦いの中で、本当に大切なこととは何かということを見つけられたのだと思います。
先ほどお話としてはよくあるパターンと書きましたが、この物語は主人公が冒険と試練を重ねた上で、宝物を得るというパターンでもあります。
主人公が手にしたのは、リアルの世界での本物の友情と愛情でした。
情報過多の中で、本質が見極めにくい世の中で、自分が本当に感じられる愛情こそが宝物なのかもしれません。

「リメンバー・ミー」 家族の絆

最近は数々３Dアニメーションを作るスタジオが増えてきていて、公開数も多いですが、やはりピクサーの作品は別格な感じがします。
卓越した美しい映像の素晴らしさも一段上のような気がしますが、やはりそれだけにとどまらず、非常にエモーショナルであることがピクサーらしいんですよね。
一言で言えば、必ず心を揺さぶられるところがあるということ。
ピクサーの映画が大人にも子供にも楽しめるというのは、そういうエモーショナルな部分も格別であることからだと思います。
本作は家族の絆を描く物語です。
こう書くと陳腐な感じに聞こえるのですが、誰でも何かしら自分の中に経験があるところを感じられると思います。
若い頃は家族の絆とかいうと、何かこそばゆいというか、斜に構えて見ていたところがあるのですよね。
けれど、子供ができたり、最近父を亡くしたりなんていうことがあったりすると、家族というものを考えたりするようになります。
息子と父というのは、成人になって独立してしまうとなかなかしっかりと話す機会はないものだと思います。
別段不仲というわけでもなかったのですが、それぞれが独立して自分の生活があると改めて話をすることもなかったのですよね。
照れ臭かったのもありますが。
しかし、いざ突然亡くなってしまうと、父親は自分に対してどう思っていたのだろうかと考えたりもしました。
いい息子であったのだろうかなどと。
死んだ人と話をしてみたいという人の気持ちもわからなくはなかったしもします（以前は想像もつかなかった）。
そういう意味では、本作の主人公ミゲルは死者の国に行き、記憶にもなかった先祖と一緒に冒険をします。
先祖が何を考え、何を感じていたか、それを知ります。
それは得難い経験ですよね。
そういう思いがあると、それを何かしら繋げていきたいと思うのだと思います。
繋げていきたいという気持ちが絆なのでしょう。
自分の子供にも何か自分なりに思いを残してあげたいと思いますし。
本作のココが父親を思っていた気持ちのように、娘にも思ってもらえたら嬉しいなと。
ココが最後に父親の思い出を語る場面では思わず涙が出てしまいました。

日本語版を見たのですが、ミゲルを演じていた子の歌がうますぎてびっくりしました。
まだ１３歳だとか。
凄すぎです。

「ローガン」 人としてのローガン

ヒュー・ジャックマンのウルヴァリンが観れるのは、本作が最後になるそう。
タイトルが「ウルヴァリン」ではなく「ローガン」であるのは、ヒーローであるウルヴァリンではなく、人としてのローガンそのものを描こうという制作サイドの意思の表れであろうか。
「X-MEN」シリーズは大勢のヒーローが出てきて、舞台装置も派手にという見せ方が多くの人々に受け、現在のアメコミ映画全盛のきっかけを作った。
しかし、本作はそういった余計な要素を削り、ローガン一人を深く描けるような舞台設定となっている。
時は今よりも未来。
ミュータントたちの多くはいなくなり、ローガン自身もアダマンチウムの影響により、かつてのような治癒能力がなくなりかけていた。
そのためローガンは若々しさを失い、中年のような姿となっている。
ローガンはかつては獣であった。
持って生まれたヒーリングの力、そして人間によって埋め込まれたアダマンチウムによる戦闘能力により、人間とは異なる存在となり、多くの迫害を受けた。
生き残るために彼は多くの人々を傷つけた。
彼は孤独であった。
獣であった。
しかし、プロフェッサーXに出会い、多くのミュータントの仲間を得ることができた。
彼は信頼、愛といった人間らしい感情を再び手に入れ、家族のような存在を得ることができた。
しかし、それも人間たちの攻撃により失われていってしまう。
彼のヒーリング能力は彼だけを生かしてしまい、愛する人々は先に逝ってしまうことをただ見送るだけとなってしまった。
やはり彼は孤独であった。
おそらく失ってしまうだけであるならば、もう人を愛するようなことはすまいと彼は思ったのであろう。
人との関係を持たず、隠遁しているような生活を送るのは彼のそういう気持ちの表れである。
唯一、彼が関係を持っているのはかつて彼を導いてくれたプロフェッサーXことチャールズ・エグゼビア。
彼はローガンにとっての擬似的な父親であるのだろう。
しかし、そういった彼は謎の少女ローラに出会う。
彼女はかつてのローガンのようであった。
自分に手を出す者どもを全て斬り殺す。
彼女も獣。
ローガンは彼女に自分と同じものを見出した。
それもそのはず、彼女はローガンの遺伝子によって能力を移植された人工的なミュータントであったのだ。
チャールズの言葉もあり、ローラと一緒に逃避行を続けるローガン。
彼の中でかつて味わったことない感情が芽生えていく。
ローラを逃がすために、彼は治癒能力が失いかけている肉体で敵と戦う。
彼の戦いはまるで子を命がけで守ろうとする獣のようだ。
そして致命的な傷を負ったローガンは、ローラの腕の中で「そうか、こういうことなのか」とつぶやき、息をひきとる。
ローガンは初めて、人間として親として、大事な存在を手に入れることができた。
もうただ己のために戦う獣ではなかった。
本当の家族を手に入れることができた。
かつて味わったことのない気持ちをローガンは感じることができたのであろう。
自分が親になったとうこともあったためか、すごくこの場面ではぐっときてしまった。
子供のためであればなんでもするという気持ちはやはり親は持つものだ。
その感情はとても深く強い。
それをローガンは最後に味わうことができた。
本作はヒーローウルヴァリンを描いた作品ではない。
人間ローガンを描いた作品である。

「ラ・ラ・ランド」 ミュージカルの力

以前はミュージカル映画をあまり好きではなかった。
映画の中で進んでいたドラマの途中で、突如出演者たちが歌い始めるのが、奇妙であるような感じがしたのだ。
劇中で歌うということを描くミュージカルはリアリズムとは対極の表現だと思う。
リアリズムの視点で言えば、日常の生活の中で突然歌いはじめる者などいるわけがない（いたら相当にアブナイ）。
ミュージカルは、人の行動としてはとっても不自然なことをしているわけだ。
そういう視点で自分にとってミュージカルは馴染みにくいジャンルだったわけなのだが、現在はそのような印象は持っていない。
というよりミュージカル映画は好きなジャンルになっている。
いつごろからかと思い返すとおそらく「シカゴ」あたりからだと思う。
それまで個人的にミュージカル映画の印象は古臭いイメージがあったのだが、「シカゴ」は映画的な派手なゴージャスな画作りで自分の中でイメージを一新した。
食わず嫌い的なハードルがなくなって素直に観れるようになると、意外にもミュージカルの劇中歌とはストレートにキャラクターの気持ちを伝えることができるものだということがわかってきた。
普通のセリフとしていうとかえって大仰に感じたりしてしまう言葉でもミュージカルならば言えてしまえるし、心情もストレートにそのまま口にすることができる。
だから人の気持ちを素直にまっすぐに描きたい物語はミュージカルに向いていると言える。
その視点において、本作「ラ・ラ・ランド」はミュージカルの良さを存分に発揮していると思う。
この映画は凝ったストーリー展開で観客を魅了するタイプの映画ではない。描かれているのは人が人を愛しているときの幸せな気持ちや、別れの後の切なさというとても普遍的なこころ。
セブとミアの二人が出会ったときの対立、愛し合い幸せに満ちた日々、すれちがいと挫折、その時々の気持ちが二人の歌にのせて表現されている。
歌を通じて二人の幸せや、切なさが素直に心に響いてくる。
このダイレクトに心に響かせることができるのが、ミュージカルの力なのだろう。
二人が出会い、愛し合い、そして別れるプロセスは誰しも経験したことがあるような典型的な恋愛だと思う。
だからこそその時々に感じた気持ちは観客の心の中にしまわれていて、セブやミアの素直な気持ちがのった歌に揺さぶられるのだろうと思う。
「ラ・ラ・ランド」はミュージカルでなければ陳腐な恋愛ドラマになっていたかもしれないが、ミュージカルとして作られたことにより、多くの観客の共感性を得られる作品になることができたのだろう。