2024年7月13日 (土)

「ブルー きみは大丈夫」邦題がミスリードを引き起こす

のっけから言ってしまうと邦題が良くないと思います。
原題は「IF」ですが、これは「Imaginary Friend(空想上の遊び友達)」の略で、「If(もしも)」との掛け言葉になっています。
主人公の少女ビーは、一時的に祖母の家にやってきますが、その時不思議な生き物(?)たちを見かけます。
それらは本作に登場する人物たちのイマジナリーフレンドで、彼女はその姿が見えるのです。
邦題のブルーもそのようなイマジナリーフレンドの一人(?)なのですが、主人公ビーのIFではありません。
「きみは大丈夫」という言葉はブルーが発するものですが、これもビーに向かって言われた言葉ではありません。
その姿形から「となりのトトロ」のトトロを思い浮かべてしまいますが、そのような重要な役回りではないのですね。
本作の主人公ビーは幼い頃母親を失い、そしてまたもしかすると病気で父親も同じように失ってしまうのではないか、という恐ろしさを感じています。
彼女は幼い頃、彼女と遊んでいたイマジナリーフレンドのことをすっかり忘れていますが、なぜか彼らが見えるようになったのです。
これは憶測ですが、父親を失うかもしれないという不安が、彼女を母親を失った幼子のような気持ちに戻し、そのため彼らが見えるようになったのではないでしょうか。
登場するイマジナリーフレンドたちは、物語が進むにつれ、登場人物たちのかつての相棒であったことがわかります。
彼らは人間たちが忘れてしまっていても、傍らで見守っていたのですね。
ビーたちはイマジナリーフレンドとかつての人間の友達を再開させようと奮闘します。
そこで湧き上がってくる疑問がビーのイマジナリーフレンドは誰なんだろう、ということ。
そここそが本作のラストの趣向なのですが、「ブルー」という邦題がそういうことに目を向けさせにくくしてしまいます。
多くの人はこの邦題を見て、途中まで見るまではブルーこそがビーのイマジナリーフレンドなのではないかと思うのではないでしょうか。
物語だけを見るとそのようなミスリードはさせるような構成にはなっていないのですが、邦題が悪さをしています。
この邦題は誤った方向にミスリードさせる可能性があります。
このミスリードによってラストの趣向が分かりにくくなっているような気がしました。
勿体無い。

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2024年4月12日 (金)

「変な家」なんでヒットしている?

本作は公開開始から観客動員数で4週連続でトップとなっています。
小説の方もベストセラーとなっていて興味はあったのですが、まだ未見です。
自分が想像していたよりもヒットしているので、気になって鑑賞してきました。
感想から言ってしまうと、なんでこんなにヒットしているのかよくわからないというのが本音です。
主人公たちが入手したある家の間取りをよくよく見ると通常の家にはないような設計が施されている。
その違和感の裏を探っていくと、この家に住んでいた家族の秘密が次第に明らかになっていくという仕立て。
間取りからミステリーが始まっていくというのはユニークな発想で、そこが私も原作に対する興味がおきたポイントでした。
映画に関しては前半は間取りからのミステリーはあり新しさは感じたものの、後半に関しては昭和の時代によくあった山村の怪奇談のような展開となり、既視感というか古臭さすら感じました。
前半の間取りから展開していく謎は、小説には向いているかもしれないですが、映画にはあまり向いていないような気もします。
これは「ある閉ざされた雪の山荘で」のレビューでも書いたのですが、映画ならではの見えすぎることによって小説で想像力で補われた曖昧な部分が見えてしまうことにより、謎があまり効いていないようにも見えました。
映像がとても説明的になってしまうのですよね。
映画の展開が原作と同じかどうかはわからないのですが、映画として成立させるためにB級ホラー的な展開になったのでないかと思えます。
昨今の原作改変問題というのもありますが、改変しても面白くなっていれば、個人的には良しというスタンスなのですが、本作についてはB級ホラーとして見ても、相当陳腐な感じがします。
ところどころで絡んでくる斉藤由貴さんのキャラクターは、怪しげではあるのですが、都合よく使われていて、なぜこの人はこんなことをしているのか、なんでここにいるのかと、冷静に考えると、結構無理があったりもするのですよね。
なんでこの映画、ヒットしているのだろう・・・?

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2024年4月 3日 (水)

「FLY! / フライ!」イルミネーションらしさとは?

ミニオンズのイルミネーションが送るオリジナルアニメーション「FLY!/フライ!」です。
ディズニー、ピクサーなどブランドで売れるアニメーションスタジオがありますが、イルミネーションも新興でありながらブランド名で売れるようになってきましたね。
同じようにブランドで客を呼べるこれらのスタジオですが、作風は違います。
ディズニーは長年培われてきたストーリーテリングですし、ピクサーはやはりユニークな目の付け所と切り口、頭一つ抜き出た映像のクオリティですが、イルミネーションはそれらとは異なります。
イルミネーションの作品はいずれもスラップスティックなおかしさを持っています。
これは私のような世代だとある種の懐かしさもあり、子供の頃見ていた昔のアメリカのアニメーション(「トムとジェリー」や「チキチキマシン猛レース」とか)のドタバタギャグと同じような匂いを感じるのですね。
本作でもニューヨークの場面で、ハトが何度も何度も車にぶつかってしまうというギャグありましたが、ここでは私も娘もゲラゲラと笑ってしまいました。
この子供もゲラゲラ笑うというような要素は最近のディズニーやピクサーではあまりないですよね。
そういう点では、イルミネーションの作品は小さな子供が笑って楽しく見れるという点で他のスタジオとは異なる独自のポジションを築いているとも言えるかと思います。
とはいえ、ストーリーについてもシンプルにわかりやすいけれども、飽きないように組み立てられていると思います。
本作は安全安心のために自分のテリトリーから踏み出せなかった主人公が、冒険に踏み出して自分自身を解放して喜びを見つけていく物語です。
ピクサーは心の奥深くまで沁みるように考え抜かれているもので、小さな子供だとその意図まではわからないかなとも思うのですが、本作などはわかりやすいテーマなので、子供にもしっかりメッセージは届くかなと思います。
大人的には少々物足りなさも感じますが、子供と一緒に楽しむにはイルミネーションの作品はぴったりかもしれないですね。
吹き替え版で見たのですが、主人公の声を担当していた堺雅人さんが非常にうまくてびっくり。
演技も非常に上手い方ですが、声の演技も素晴らしいですね。

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2024年1月31日 (水)

「パウ・パトロール ザ・マイティ・ムービー」小さくても活躍できる!

「パウ・パトロール ザ・ムービー」から2年を経ての続編となります。
前作はちょうど娘がNetflixでシリーズを夢中になって見てたので、劇場版も一緒に観にいきました。
今は娘も小学生なので「パウ・パトロール」は卒業してい他のですが、劇場で予告編を見たところ「行きたい!」となり、本作も一緒に鑑賞です。
「パウ・パトロール ザ・マイティ・ムービー」ではメンバーの一人、チェイスが主人公の扱いでしたが、本作では女性メンバー、スカイが主人公です。
前作レビューの時に他のメンバーのエピソードも見たいと書いたのですが、その通りになりました。
また本作で大きく変わっている点は、パウ・パトロールメンバー自身が、それぞれ特殊能力を得たということですね。
今までは特殊なメカ・アイテムを使って人々を助けていたパウ・パトロールでしたが、この変化によりスーパーヒーローもののような要素が入ってきたと思います。
今までの知恵と勇気でなんとかする感じも嫌いじゃなかったので、万能感のあるスーパーヒーローになった時、話が変質するのではないかと危惧もしました。
前作ではチェイスが幼い頃のトラウマを克服していく様が描かれており、子供向けのアニメでありながら、キャラクターをちゃんと掘っている印象がありました。
本作では主人公は体が小さいスカイとなり、彼女の抱えるコンプレックスがテーマとなります。
彼女は生まれつき小柄で、そのため引き取り手もなかったというコンプレックスがあります。
パウ・パトロールに加わり、活躍の場を得られていますが、それでも他のメンバーに対して小柄なことにより、できないことも多々あるわけです。
本作では彼女がそのコンプレックスを事件を通じて克服していく様が描かれます。
自分自身を認められるようになっていくのですね。
前作でメンバーに加わった女性メンバーであるジャネットにもスポットは当たっており、他のメンバーに比べてスキルがない彼女が、彼女らしいチームへの貢献の仕方を見つけていきます。
その点で、キャラクターをしっかり描きたいという前作のポリシーはしっかり受け継がれているなと思いました。
小柄だったことをマイティ化することにより安易に解決するようには見せてほしくなかったのですが(それが冒頭で書いた危惧)、そこは制作者側も意識して、安易であると捉えられないよう丁寧に描かれているように感じました。
マイティ化したことにより、アクションシーンは前作よりも一層派手になって見応えは増したと思います。
主人公をスカイにしたことにより、空中戦なども描けるようになったことも派手さに貢献しているかもしれません。
基本子供向けのアニメーションではありますが、ストーリー的にも子供でもわかるメッセージがあり、一緒に見るアニメとして良質に出来上がっていると思います。

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2023年12月30日 (土)

「PERFECT DAYS」木漏れ日

2023年最後に鑑賞したのはヴィム・ヴェンダース監督、役所広司主演の「PERFECT DAYS」です。
ヴィム・ヴェンダースの作品は久しぶり。
主人公の平山は公衆便所の清掃を生業としている男。
平山は非常に几帳面に仕事を行い、毎日規則正しく暮らしています。
彼の1日は早朝の近所の箒の音で始まり、几帳面に布団をたたみ、缶コーヒーを一本買って仕事場に向かいます。
いくつかのトイレを丁寧に掃除をし、昼間は決まった神社で木漏れ日を見ながらコンビニのサンドイッチを食します。
仕事が終わった後は、銭湯で風呂を浴び、その後行きつけの一杯飲み屋で食事をし、そして帰宅後は古本屋で買った小説を読んでから就寝。
本作はこのような規則正しい平山の生活を追っていきます。
何も起こらない映画、と言えるかもしれません。
平山がどのような人生を送ってきたかは本作では語られませんが、何かから逃げてきて、今のような生活に行き着いたように思えます。
何も起こらないというのは、彼にとって幸せで完璧な日々なのでしょうか。
タイトルロールの後に「木漏れ日」という言葉がスクリーンに映し出されます。
その意味も書いてあって、木の葉が重なり合って変化する光であって、同じものはないとありました。
この木漏れ日は劇中でも何度も触れられていて、平山は昼休みに木漏れ日の写真を撮るのが日課となっていました。
平山の繰り返される日常も一見、同じように見えながらも、全く同じではありません。
突然同僚が辞めてしまったために二人分の仕事をしなくてはならず、疲れ切って夜帰った後は、いつもの通り明日の準備をする前に眠ってしまったり。
同僚が好意を寄せる若い女の子に、突然ほおにキスをされたり。
突然、姪が訪れて、彼女を仕事に連れて行ったり。
同じように繰り返される日々の中にも木漏れ日のような変化があります。
お休みの日には必ず行きつけのバーに顔を出しますが、そこのママの元夫が末期の癌だと知った時、彼は繰り返す日常も終わることがあるということを突きつけられます。
どういう生き方が完璧なのか、それはその人自身が決めること。
同じような暮らしの中でも、木漏れ日のような変化が彩りを加えます。
穏やかだけど完璧な日々。
それも終わる時が来る。
それを思いながら、平山は微笑み、そして涙を流したのでしょうか。

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2023年11月 7日 (火)

「北極百貨店のコンシェルジュさん」欲望の反対側にある場所

絵本のようなシンプルなタッチでほのぼのとした印象のアニメーションです。
最近のアニメーションとは異なっていて、こういうのもホッとしますね。
舞台となるのは動物向けの百貨店で、主人公はそこの新米コンシェルジュの秋乃。
このデパートでさまざまなエピソードが繰り広げられるわけですが、上映時間は1時間10分。
最近の映画の中では異例の短さですが、そのように感じさせないほどエピソードは密度がありました。
本作はジャンルで言えばお仕事ムービーで、新米コンシェルジュの秋乃が次第に成長していく様を微笑ましく見ることができます。
秋乃は色々つまづいて落ち込むことはあるけれど、基本的に仕事には前向きで一生懸命。
彼女がお客様を思う気持ちは本物で、彼女の頑張りを見ていると自分も仕事を頑張らなきゃという気持ちにさせてくれます。
同僚のコンシェルジュたちの仕事っぷりも見事で、まさにプロという感じ。
仕事に前向きに挑む気持ちにさせてくれる良作です。
絶滅した動物のための百貨店ということで本作はファンタジーではありますが、なぜこのような設定なのだろう?と途中で思いました。
しかし、その答えは終盤にありました。
この百貨店のオーナーが「ここは欲望の反対側にある場所」というようなことを言っていました。
本作で幸せそうに買い物をする動物たちは全て人間に絶滅させられました。
人の欲によって滅ぼされたのです。
そしてデパートという場所は、欲しいものがなんでも手に入る、欲望が叶うところです。
我欲で動物たちを滅ぼしてしまった人間が、絶滅した動物たちのために奉仕するのが、北極百貨店。
けっこうなアイロニーではあります。
物語の中でカスハラ的なお客様に困らせられるエピソードがあります。
経験の浅い秋乃は土下座をして場を納めようとしますが、ベテランのコンシェルジュは毅然とした対応をします。
お客としてリスペクトしながらも、他の人の幸せな気持ちまで奪うことは認められない。
我欲ではなく、皆が幸せな気持ちになることを大切にする。
本当はそうあるべきで、そうであれば世界はもっと平和なのだよな、と思いました。

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2023年10月15日 (日)

「ホーンテッドマンション」記憶にございません

ディズニーランドのアトラクション「ホーンテッドマンション」の映画化作品。
映画になるのは今回が実は2回目で1回目はエディ・マーフィ主演だということなのですが、さっぱり観た記憶はありません。
ディズニーランドのアトラクション自体は子供でも楽しめる程度の怖さなので、本作もその雰囲気は引き続き持っていると思います。
ただ「アダムス・ファミリー」のようなホラーコメディと言えるほどコメディでもなく、エッジが立っているわけでもないので、あまり記憶に残る作品ではありません。
正直言わせていただきますと、前半はすっかり眠気に誘われてしまい、あまりに記憶にございません。
実はこの2作目は当初ギレルモ・デル・トロが脚本・監督を務めることになっていたそうで。
彼の脚本はファミリー向けにしては怖すぎる(そりゃデル・トロだったらそうだろう)ということで、却下になったようですね。
デル・トロ版、ちょっと見たい気がします。
そっちの方が記憶に残るような気がします。

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2023年9月17日 (日)

「映画 プリキュアオールスターズF」友情は永遠

今年で「プリキュア」シリーズは20周年。
娘と一緒に見るようになってからもう5年です。
「仮面ライダー」と「スーパー戦隊」はずっと前から見ているので、それに「プリキュア」が加わり、ニチアサは1時間半テレビの前に座ります。
「プリキュア」を見るようになって感じるのは、このシリーズは女児向けではありますが、描いているのは友情や、夢、願いなどの前向きな想いだということ。
プリキュアたちは強い敵と戦い傷つくこともありますが、彼女たちを支えているのは、そのポジティブな想いです。
それはずっと変わりません。
タイトルにある「F」の意味は友情(Friends)であり、絆は永遠(Forever)ということのようです。
思い返せば「プリキュア」シリーズの第1作は「ふたりはプリキュア」です。
第1作目からプリキュアは複数であり、ですから彼女たちの友情がテーマであったわけです。
仲が良くとも意見がぶつかることもある。
けれどもお互いの絆があるからこそ頑張れる。
相手を思いやれる。
まさにその「プリキュア」シリーズが大事にしているポジティブな想いをテーマに作った20周年記念作品なわけですね。
20周年ということで、本作には歴代のプリキュアたちが登場します。
なぜかプリキュアたちは異世界に突然送り込まれてしまいます。
いつもの仲間たちの行方は知れず、そして他の歴代のプリキュアのメンバーと出会います。
彼女たちは戸惑いながらもいつもと違うメンバーとチームを組み、何か秘密がありそうな城を目指します。
彼女たちはその旅の中で、別れてしまったメンバーたちとの友情を改めて強く持ち、そして新しいメンバーとの絆も深めていきます。
プリキュアの敵となるのは唯一にして全ての存在で一度プリキュアたちに勝っています。
それの力は究極的であり、全てのプリキュアたちの力を合わせても敵いません。
プリキュアたちはそれぞれパワーを持っていても完璧な存在ではありません。
得意なことも不得意なところもありますし、性格も様々です。
けれど違った人間が集って想いを一つにすることにより、それぞれの力を活かし、増幅することができます。
考えてみると「プリキュア」の必殺技は、メンバーが力を合わせて繰り出すものが圧倒的に多いです。
誰かの力だけで勝つことはほとんどない。
力を合わせているからこそ勝てる。
最後の決戦でもプリキュアたちは何度も倒れます。
そこにフラッシュバックのように映し出されるのは、かつて彼女たちが通ってきた友情、絆の記憶。
その想い。
一緒に通ってきた記憶があるから、相手を大切に思える。
それが彼女たちに力を与える。
まさに周年企画にふさわしい「プリキュア」の根幹のテーマを真正面に捉えた作品となっていたと思います。
映像的にも最初からバトルは炸裂していましたし、作画は少々荒っぽいところもなくはなかったですが、よく動く。
アクションのキレも物語のテンポもよく、コンパクトにまとめ上げていたと思います。
一緒に行った娘は早速2回目を見たいと言い出しています。
映画を見に行って驚いたのは、小さな男の子二人兄弟で見にきていた子がいたこと。
最新のスカイプリキュアでは初のレギュラー男の子プリキュアが出てきていますが、男の子のファンもいるのですね。
でも、テーマは友情、勇気ですから男の子が見ても元気が出る作品ですよね。
こういう子もどんどん増えてくると思います。

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2023年9月10日 (日)

「バービー」自分らしく生きる

オープニングでいきなり「2001年宇宙の旅」のパロディだったので驚きました。
有名なこのシーンはモノリスが影響を与えることにより、人類が類人猿から進化したことを表しています。
獲物の骨で遊んでいる間に、それを「道具」として扱うことに目覚め、放り投げた骨が宇宙船にオーバーラップしていく場面は映画史に残る名シーンです。
本作においては、無心に人形でおままごとをして遊ぶ少女たちが、それらの人形を「2001年」の類人猿の骨のように叩き壊すというパロディになっています。
おままごとというのは、赤ちゃんをお世話をする母親をロールプレイしている遊びともいえます。
人としてはこの行為は自然ではあるのですが、人形遊びの人形を与えるということは、子供に良き母親になるようにという役割を与えているともいえます。
現代は様々な生き方があり、多様な価値があるというコンセンサスがあり、ステレオタイプは役割期待は押し付けになります。
少女たちがこの押し付けの役割期待を破壊し、新たな生き方を見つけ出すということを象徴しているこのシーンは極めて現代的です。
そのような彼女らに影響を与えているのは、なんとバービー。
これらはバービーという人形のコンセプトを表しています。
かつてのバービーは理想的な白人女性のアイコンのような存在でしたが、現在のバービーは様々な人種のバージョンがあり、また彼女たちはいろいろな職業のバージョンがあります。
「何にでもなれる」というのがコンセプトで、女性たちの多様性のある価値観、生き方を認めるものとなっています。
このような価値観で作られているバービーランドは、バービーたちにとって理想の国です。
彼女は自分の好きなこと、やりたいことを自由に選択し、生きています。
女性が解放されている世界です。
バービーには彼女の彼氏という立場でケンという人形がいます。
彼は実は何者ではなく、バービーの彼氏という立場しかありません。
彼はそれに疑問を持たず、バービーと一緒にいることだけで幸せを感じていました。
この価値観は何かを感じさせませんか。
これはかつて女性に押し付けられていた価値観です。
よき妻であれ、よき母親であれ。
ケンに押し付けられたのは、よき彼氏であれです。
ケンはバービーと共にリアル世界に行き、まだ男性至上主義が罷り通っている世界を見、衝撃を受けます。
自分が何ものであるのかという疑問を初めて持ったのです。
これはかつて女性が相対した疑問です。
現実世界で、女性登用を進めようという流れがありますが、女性というだけで優遇されるという状態も起こっている時があります。
これは本来的には問題の捉え方として間違っていて、女性だから男性だからというのを抜きにして、その人だからということを評価するべきであるのです。
ケンがバービーたちに叩きつけたのは、女性の楽園が全ての人にとっての楽園ではなかったということです。
かつて女性ばかりがステレオタイプな役割を押し付けられていました。
それが次第に改善されつつあるものの、まだまだ道途上であることも確かです。
しかし、究極的に目指すべきなのは、女性であろうと男性であろうと関係なく自分らしく生きられる世界です。
非常にセンシティブで議論を呼ぶ話題ですが、それをユニークな世界観とコメディタッチで、ソフトにくるみつつ、しかしエッジは効かせて、うまく表現した作品であると思いました。
バランス感覚がしっかりしていないと崩壊しそうな恐れもありますが、非常に巧みにまとめられていたと思います。

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2023年3月12日 (日)

「フェイブルマンズ」映画の力

スピルバーグ初の自伝的作品と宣伝されている作品で、鑑賞する前は彼が映画に魅せられ、両親らに見守られながら、その道を歩んでいくという家族のハートウォーミングな作品かと勝手に思っていました。
冒頭だけはそのようなテイストのように感じられもしましたが、何か不穏な雰囲気が最初から漂います。
父親も母親も二人とも子供たちのことを愛しています。
彼らは正反対の性格、価値観を持っており、それで互いに惹かれ合い愛し合ってもいますが、何か根本のところでは通じきれていない感じもします。
二人の関係の微妙な危うさが最初から漂っているのです。
母が時折見せる乾いたような顔、父親の親友であるボビーに対して見せる屈託のない笑顔、愛する妻を敬うように接する父親、そして彼の顔に浮かぶ不安そうな表情。
それらは普段の生活ではあまりに何気なく、それゆえ誰も気づかないようなものです。
しかし、後半で主人公のサミーが自身で言うように「カメラはありのままを写す」のです。
些細なこともフィルムは定着させる。
それは残酷な真実も定着させる。
結果、サミーが偶然に撮影してしまった母親の真実の気持ちを写し込んだフィルムは、彼の家族を崩壊させてしまいます。
このように先ほどあげた「カメラはありのままを写す」という言葉は真実であり、それは暴力的とも言える力を持っていますが、またそれだけではありません。
映画には撮影するということのほかに、編集するという要素もあるのです。
カメラはそのまま写すかもしれませんが、編集には人の意思が入ります。
ストーリーを、人の感じ方をコントロールすることができるのです。
後半のプロムの場面で、サミーは撮影した卒業ムービーを披露します。
そこの中ではサミーを目の敵にしていた男子生徒ローガンはまるで英雄のように描かれます。
皆はローガンのことを喝采しますが、彼自身は屈辱を感じてしまいます。
自分自身がフィルムの中で描かれたほどではないことを彼はわかっていて、そうであることをサミーもわかっていることに気づいたわけです。
サミーが「あえて」そのように編集したことに侮辱を感じたのですね。
編集により人の感じ方をコントロールする、ということもまた暴力的な力を感じます。
母親の事件、そしてプロムの出来事を通じ、サミーは映画の持つ暴力性に気づいたのだと思います。
終盤で彼はフォード監督に映画監督なんて心がボロボロになる仕事なのに、それでもやりたいのかと問われます。
しかし、彼はやりたいと言います。
彼は両親の血を強く引き継いでいます。
母親は「心を満たさなければ、別の自分になってしまう」と言い残し、家族の元を離れました。
父親も自分の仕事に意義を強く持ち、そのために家族を犠牲にしてしまいます。
この一族は自分らしくしか生きられない、という血を持っているのでしょう。
中盤で登場するおじさんは「芸術と家族」の板挟みに合うかもしれないと予言をしました。
まさにサミーはその予言通りの道を歩みます。
母親は彼の元を去る時に「自分らしく生きるように」と言い残しました。
その言葉通り、彼は自分がやりたいことをやっていくという修羅の道を歩み始めたのです。
本作はスピルバーグの自伝的な作品ということで、描かれてた出来事は本当に彼の人生に起こったことかどうかは私はよくわかりません。
しかし、彼が映画というものをどう捉えているかということについて非常によく伝わってきました。
それは私が想像していたものよりも、非常に激しいものであったことに驚きを感じました。
この目線で彼の作品を見直したら、違ったように見えてくるかもしれません。

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