「ノマドランド」 自分の生き方を自分で決める

この作品をみようと思った理由は二つあります。

一つ目は監督がMCUの公開予定作「エターナルズ」の監督を務めるクロエ・ジャオであるということ。

私はこの監督については全く知らず、どんな作風の人なのかが見てみたかったのです。

もう一つは「スリー・ビルボード」の演技が素晴らしかったフランシス・マクドーマンドが主演しているということ。

彼女の演技は演技とは思えないリアリティを感じさせてくれるのですよね。

本作で描かれるノマドとは、季節ごとの仕事を求めてアメリカ中を旅する高齢労働者のことです。

例えば、クリスマスシーズンには消費が進み、物流が激増するので、アマゾンの拠点での臨時の仕事が増えるため、そこに彼らは集まってくるのです。

彼らの多くは今世紀初頭の経済危機により、車上生活を余儀なくされた者たちです。

日本で言えばなんとなくホームレスのようなイメージを持ってしまいますが、本作を見ているとそれとはまたちょっと違う存在なのだなと感じました。

マクドーマンドが演じる主人公ファーン自身は「ホームレスではなく、ハウスレス」だと言っていました。

Houseは建物としての家、Homeは人が住む場所としての家という違いがあります。

建物としての家は持っていないが、住む場所（ヴァン）は持っているというところでしょうか。

車上生活というのは狭い日本ではなかなか考えられません。

しかし、アメリカではトレーラーで暮らすというのは昔からありました。

劇中でも言われていましたが、彼らのような生き方は幌馬車でフロンティアを目指すアメリカの開拓民のようでもあります。

彼らは経済的な問題からそのような生活をすることになりましたが、それを前向きに捉えて生きている人もいます。

例えばスワンキーという人物は、自然の中で生き、自分の行きたいところに旅をするという生き方を愛しています。

彼女は結局、旅先で病気のために亡くなってしまいますが、本望であったでしょう。

デヴィッド・ストラザーンが演じるデヴィッドは、若い時に家族を顧みなかったことに負い目を感じていることで、ひとり車上生活を送っていました。

しかし、あるとき息子が彼を探し出し、自分の家で暮らすように誘います。

結果、彼は息子家族と一緒に暮らすようになり、再びホームを手に入れました。

本作ではスワンキーのような生き方が良い、またデヴィッドのような生き方が良いといった結論は出しません。

そこにあるのはそれぞれが自分の生き方を選択するということです。

これはとても自由でアメリカ的であると思いました。

それではファーンはどうだったのでしょうか。

彼女は愛する夫に先立たれ、それでもその思いを断ち切れず、ひとりで彼と過ごした街で暮らしていました。

しかし、企業城下町であるその町は不況により閉鎖され、彼女は住む家をなくしてしまいました。

彼女の車上生活は自分で選んだものではなく、そうせざるを得なかったということだったのだと思います。

終盤、彼女は「思い出に縛られすぎた」と言います。

それは夫への思いを大切にしていたため、自分の新しい人生を楽しむということができなかったということなのだと思いました。

彼女にとって車上生活はそのような思いを振り切るためのモラトリアムであったのではないでしょうか。

彼女自身も自由を感じ、魅力を感じてきているノマド生活を続けるのか、または惹かれるところもあるデヴィッドと暮らすような道を選ぶのかはわかりません。

いずれにしても、彼女は自分の生き方を自分で選んでいくのだろうと感じました。

マクドーマンドとデヴィッド・ストラザーン以外の出演者は皆、本当にこのようなノマド生活をしている人なんだということ。

なので、本作はノンフィクション的なリアルさを持っているのでしょうね。

「1/2の魔法」 前へ向かって

本作は3月に公開予定だったピクサーの新作ですが、コロナ感染拡大の影響で公開が延期に。

ようやく8月になって公開となりました。

パンフレットを買ったら「ムーラン」の広告が載っていましたが、こちらも元の公開日の4月の日付が。

公開延期が決定前に、もう刷っていたのだろうなあ・・・。

「ムーラン」は劇場公開はしないことが決定してしまい、残念（ディズニープラスで見れるようになったけどプレミアム料金で2980円かかるらしい・・・。高くない？）。

さて本作の話。

予告を見たときの印象としては、父と子の絆を描いたファンタジーかなという感じでした。

毎回、ユニークな切り口でありながらエモーショナルな作品を提供をしてきたピクサーにしては、オーソドックスな路線できたなと感じました。

16歳になった時、主人公のイアンは亡くなった父が残してくれた魔法の杖を母親から渡されます。

杖に添えてあった父親のメモには亡くなった人を復活させることができる呪文が書いてありました。

イアンと兄のバーリーはその呪文を試しますが、復活したのは父親の下半身だけでした。

全身を復活させるのには「不死鳥の石」が必要で、また呪文の効果は次の日の日没まで。

二人は父親を復活させるために冒険の旅に出ます。

主人公イアンは何事にも自信がない少年です。

冒険の旅の中で、兄の助けもありながら次第に魔法使いとして自信をつけていきます。

この物語はイアンの成長物語でもあります。

兄のバーリーは調子が良くて、ドジなところもあり、しばしばイアンの足を引っ張ります。

しかし、弟を思う気持ちは本物でした。

ただイアンは急速に子供から大人に成長していく一方、そんな調子の良い兄を疎んじる気持ちも芽生えてきてしまいます。

旅の途中で二人は喧嘩別れをしてしまいますが、イアンはバーリーの本当の気持ちを知ることとなります。

父親が亡くなったとき、イアンはまだ赤ん坊で全く記憶はありません。

しかし、バーリーは父親が亡くなった時の気持ちをずっと忘れてはいませんでした。

父親が失われるという恐ろしさのため、ちゃんとお別れの挨拶ができなかったことが、ずっと彼の中にわだかまりとして残っていたのです。

原題の「Onward」とは「前へ向かって」という意味があります。

これはずっと心にわだかまりを持っていて前へ進むことができなかったバーリーが、やっと父親に別れを告げることができることにより、前へ進むことができたという話でもありました。

もちろん主人公イアンもそんな兄の気持ちを理解し、父親に合う機会を兄に譲るということで思いやりのある大人に成長します。

「1/2の魔法」は主人公イアンだけの成長の物語だけではなく、バーリーとイアンの兄弟の成長物語なのです。

一見、一人の少年の成長物語かと思わせておきながら、実は兄弟二人の成長物語であったという構成は非常に巧みであり、エモーショナルであったなと感じました。

この辺りはさすがピクサーといった感じを受けました。

「ナイブズアウト/名探偵と刃の館の秘密」 今時珍しい「本格」ミステリー

クラッシックな趣のあるミステリー映画です。

最近だとケネス・ブラナー監督の「オリエンタル急行殺人事件」がありますが、このタイプの本格ミステリーは少ないですよね。

私はアガサ・クリスティーのミステリーが好きで、ほとんどを読んでいるので、この手の作品は思わず見にいってしまいます。

舞台となるのは現代なのですが、雰囲気は非常にクラッシックです。

監督のライアン・ジョンソンはアガサ・クリスティーのようなミステリーが撮りたいということでこの作品を企画したらしく、まさにその狙いがしっかりと映像に現れています。

本作の名探偵はブノワ・ブラン。

最後の紳士探偵と劇中で言われていますが、確かにこのような人物は現代にはなかなかいないですね。

しかし、この人物を違和感なく存在させているのは、主演のダニエル・クレイグならではでしょう。

007の印象が強いですが、本作ではアメリカの強い南部なまりのあるキャラクターを抑制しながらも、名探偵らしい存在感をもって演じていました。

綺麗な英語を喋るイメージがあったのですが、さすが役者さんで南部なまりもとてもうまく、そのため新しいブノワというキャラクターを定着できています。

多少自信家なところはポアロを彷彿とさせるところがありますが、新しい名探偵キャラクターの誕生ですね。

この作品は好評だということで、第二作も作られるということで、またブノワの活躍を期待したいところです。

ミステリー映画なのでネタバレになるようなことは書けないのですが、印象的なキャラクターについて２、３記したいと思います。

一人はマルタという看護師。

彼女は本作で起こる事件のキーパーソンとなりますが、特徴的なのは「嘘をつくと必ず吐いてしまう」ということ。

「必ず」がポイントです。

つまり彼女は人間嘘発見機のようなものなのですね。

彼女を嘘をつかせずに、自分に有利にことを進めることができるのか。

探偵も犯人も頭を悩ますポイントになります。

あクリスは代表的なキャラクターであるキャプテン・アメリカから、善良な人というイメージが強いですが、本作では放蕩息子役を演じています。

一族からも使用人からも嫌われている人物ですが、果たして彼は皆が思う通りの人物なのか、それともその通りなのか。

彼のパブリック・イメージと相まって、ランサムがどのような人物であるのかもキーとなります。

トリックは今らしいハイテクな要素は用いておらず、あくまでスタンダードなものの組み合わせです。

目新しくはありませんが、なんでもありではない、納得性はあります。

雰囲気だけでなく、そういう点でも非常にクラッシックな作品として仕上げれています。

興行も評価も高いようですが、今のような時代にこのような作品が受け入れられるのも嬉しいですね。

「七つの会議」 サラリーマンは侍

＜ネタバレありますのでご注意ください＞
「半沢直樹」も「下町ロケット」も「陸王」も見ていません（珍しいですよね）。
なのでこれらの作品がどのようなトーンで作られているのか知りません。
割と演技が濃ゆい感じであったというのは聞いていますが。
本作「七つの会議」はそれらの作品と同じ著者である池井戸潤さん原作で、監督も池井戸ドラマの演出を手がけた福澤克雄さんです。
なので他の池井戸ドラマと同じようなトーンなのでしょうか。
確かに本作の出演者の演技は濃い、というより暑苦しい。
かなり誇張した表現だと思いましたが、ストーリーが展開していく中で、ふとこれは現代的な衣装をまとった時代劇なのだ、と思い、合点がいきました。
エンドロールで八角が、日本のサラリーマンとは江戸時代の侍と同じだと語ります。
昔は侍は藩に仕え、そして藩は侍を守る。
現代は、藩が会社になっただけ。
なるほど日本のサラリーマンの体質にはそういうところはありますよね。
特に40代以上のサラリーマンには。
本作に登場する架空の大手家電メーカーのゼノックスの社長は御前と呼ばれています。
まさにこれは殿様のようなものです。
ある藩で不正が執り行われていて、それに関わった者、それを探った者は次々に亡き者とされる。
過去に藩と色々とあった昼行灯も事件に巻き込まれて、不正に気づく。
それを正そうと殿様に直訴したが、結局は握りつぶされてしまう。
しかし幕府も藩の不正に気づき・・・。
こうやって書いてみるとまさに本作のストーリーはそのまま時代劇としていけそうです。
逆に返せば、時代劇的なストーリーだからこそ、池井戸作品はこれほどまでに多くの人に支持されているのかもしれません。
日本人のDNAに組み込まれているような侍の精神構造が、作品の中にあるのでしょう。
池井戸作品は、不正などによって虐げられた人々が、最後の最後に逆転勝ちすることの爽快感が受けているのだと思います。
これは絶対的な権力で支配されていた人々が物語の中だけでも、胸が空く思いを持ちたいと思っていた時代に芸能がそういう思いをすくっていたことに通じるかもしれません。
池井戸作品が喝采をもって受け入れられるというのは、今の時代もそういう見えない権力によって人々が虐げられていると人々が感じているということなのでしょうか。
そうかもしれませんよね。
いくら不正があっても政治は変わらない。
大きな企業の不正が次々と明らかになっています。
何も変わらないという閉塞感、鬱屈した感じが現代社会にはあると思います。
だからこそ、池井戸作品が受け入れられる。
このような物語が古臭い、それこそ前時代的なったときこそが、よりよい時代になっているということなのかもしれないですね。

「ナミヤ雑貨店の奇跡」 自分の人生の意味

こちらは試写会で鑑賞しました。
原作は東野圭吾さんですが、未読です。
まずは見終わった時の感想ですが、脚本がパズルように絶妙なバランスで組み立てられているなということです。
本作は誰か一人の主人公の物語というよりは、何人かの登場人物の人生が絡み合いながら描かれるアンサンブルになっています。
そして現代や過去のエピソードが重なり合いながら描かれるので、かなり複雑な構成です。
けれどもそれでもちゃんとわかるように組み立てらているのですよね。
一緒に行った方は「原作読んでいるから自分はわかったけど、未読で理解できた？」と言いました。
途中ちょっと戸惑うことはありましたが、十分理解できます。
原作からはカットされていたり、加えられたところもあるようですが、２時間強でよく収めたなという感じがしますね。
脚本は斉藤ひろしさんで、この方は「黄泉がえり」を書いた方なので、複雑な物語をわかりやすく構成するのが上手な方なのだなと思いました。

先に書いたように原作は読んでいません。
東野圭吾さんの作品をたくさん読んでいるわけではないのですが、映画化された作品を中心に少し読んだことがあります。
彼の作品に共通しているのが、自己犠牲ということなのではないかなと思います。
自己犠牲というと重々しいのですが、自分の人生がどこか誰かのためになっていると感じられる人生というのは、とても幸せなことだということです。
自分の人生というものは自分のものではあるのですが、自分だけで自分の人生ができているわけではありません。
誰かの人生の影響を受けるし、誰かに影響も与える。
どうせ生きて死んでいくのであれば、誰かの人生に良い影響を与えることができたのならば、いい人生であると言えるかもしれません。
自分だけのための人生は虚しさが残るかもしれませんね。
本作の登場人物たちは、結果色々ですが、共通しているのは自分が誰かのために良い影響を与えられて、そして自分の行為が誰かのために役立ったということを実感することができたということだと思います。
悲劇的な結末を迎えた人もいれば、幸せな人生を送った人もいる。
まだまだ人生これからの人もいる。
けれど誰かによって生かされて、誰かを生かしているということに気づくことができた。
これは幸せなことですよね。
自分の人生が何か意味がある、と思えるから。
人生が虚しいと感じてしまうのは、自分がいる意味を感じられないからかもしれません。
どんなに小さなことでも人の役に立てるということは、自分の人生を豊かにすることなのだなと改めて感じました。

「22年目の告白 −私が殺人犯です-」 フィンチャー的なエッジ

知人のオススメがあったので、見にいってきました。
最初から最後まで緊迫感があり、またストーリーも二転三転あったので、飽きることなく見ることができました。
見終わった後、パンフレットを見て知ったのですが、本作の原案は韓国の映画なのですね。
確かにずっと緊張感が続く感じは韓国の犯罪・事件ものの作品に通じるものがあります。
なんというのですかね、いけないものを見せられてしまいそうな緊張感とでもいうのでしょうか。
入江悠監督の作品は今までは「ジョーカー・ゲーム」しか見たことがありません。
「ジョーカー・ゲーム」はこれといって評価する点があまりなかった記憶があります。
ハリウッドのアクションムービーのようなものを作ろうとして失敗してしまったようなイメージです。
しかし、本作は見ごたえがあり、またモダンなエッジが効いていて良かったですね。
韓国映画とか、デイビッド・フィンチャーのような緊張感があります。
こういう緊張感が出せる監督はあまり日本には他にはいないような気がしますので、今後の作品に期待です。

前にも書いたのですが、藤原竜也さんはこういった日常ではない役柄が似合いますね。
藤原さんの演技はナチュラルというよりは、芝居的な演技だと思います。
日常的ではない役柄は下手に演じると、設定自体が嘘くさく感じられてしまうものですが、藤原さんが演じると（あえて言いますが）オーバーな演技により、しっかりと定着できる感じがするのですよね。
割と力技で定着させるイメージなのですが、なかなかこういったことができるタイプの役者さんはいないような気がします。

「日本のいちばん長い日」 若者と老人の視野、または理想と現実

終戦の日の近辺になると太平洋戦争に関する作品が公開されますよね。
あの時期の頃の記憶を持っている人が少なくなっているので、こういう機会に公開される映画を観ることは忘れないようにするためにもいいかもしれません。

本作でいうとまず触れたいのが、本木雅弘さんが演じる昭和天皇でしょう。
昭和天皇が本作のようにしっかりと多くの場面で描かれるのも珍しいのではないでしょうか。
昭和天皇は独特のしゃべり方をされましたが、本木さんはそれを非常にうまく再現されていたと思います。
顔立ちはそれほどにているわけではないのですが、イントネーションを聞くと昭和天皇らしく見えてくるのがさすがですね。
なかなか緊張感のある役柄ではなかったでしょうか。
今回の昭和天皇像で新鮮であったのは、いわゆる御前会議などでのご発言だけではなく、戦争の終結の仕方について悩まれるときに発するお言葉に、現人神である天皇というお立場とは異なり、人として国民のことを心配し、慮るお人柄が出ていたように思います。
このようなお人柄が出てくる描写は今までの作品ではあまりなかったように思いますので、新鮮でした。

戦争ともなると、始めるよりも終わらせるほうがよほどにエネルギーがかかるものなのですね。
末期になれば日本が到底アメリカなど連合国に勝つということは、政治家であっても、軍人であっても誰もが心中ではわかっていたことだったのでしょう。
しかし、政治家には政治家の、軍人には軍人の、そしてそれぞれにまた様々な派閥があり、そういったややこしい関係の中で、戦争をどう終わらせるのかが、この映画で語られています。
これはどういう視野で物事を見ているか、どれくらい先を見据えて考えているかということであるのでしょう。
玉音放送が流れる日の早朝、青年将校による御所での反乱があったのは知られています。
彼らもアメリカに勝てるとは思っていなかったでしょう。
しかし、何もせずに負けるというのは彼らは許せなかった。
それは若さゆえ、エリートゆえのプライドがその根っこにあったのかもしれません。
ある意味、彼らは現実主義者ではなく、理想主義者であったのかもしれません。
彼らの視点でなかったことは、一矢報いたあとのことを想像していなかったことでしょう。
一矢報いたあとは、自決を選ぶということであったのかもしれませんが、その後については思いが及ばなかったのは惜しむべきことです。
対して鈴木貫太郎総理や昭和天皇は、負けたあとの日本のことを考えていました。
自らのプライドなどというものはなく、広く日本国民が生きながらえていくためにはどうするべきなのかと悩んでいたのだろうと思います。
その間に立ったのが、本作でも主役的な位置づけにある阿南陸軍大臣でした。
彼にも長期的かつ広い視座がありました。
どのように戦争を終わらせるべきかを考えていたと思います。
しかしながら、青年将校たちが信じる理想主義のこともわかる。
その理想主義があるからこそ、装備にも劣る日本軍が戦えてきたことを阿南は知っているからです。
理想と現実の狭間のなかで、どのようにランディングさせていくか阿南陸相は苦悩するのです。
この物語は太平洋戦争終結のときの裏にあったエピソードを紹介しています。
そのなかの若者の理想主義・近視眼的な視点、年長者の現実主義・長期的広域的視座のようなものはこのエピソードに限られず、ありますよね。
普通に会社の仕事のなかでも、視野が狭かったり、先を見据えていなかったりすることは、上司にも指摘されることがありますから（それでも若い頃よりは成長していて、今の若い子たちの視野の狭さは自分でも指摘したりする）。
そういえば本作の原田監督は「突入せよ『あさま山荘』事件」も作ったのでした。
あの映画の安保闘争などもまさに視座の狭さ、未来への見通しのなさ、徹底した理想主義であることを描いているのかもしれません。
若者の視野狭窄的な視点は悪いところばかりではありません。
間違っていることもあるかもしれませんが、進んでいこうとする気持ちは純粋ですし、またエネルギーもある。
どのように方向付けられるかが必要なのだと思います。
その方向付けに影響を与えられるのが、年長者の経験による広いものの見方なのかもしれません。

「ナイト ミュージアム/エジプト王の秘密」 ラリーの成長物語

人気シリーズ第3弾、こちらも見逃していたので帰国の飛行機の中で鑑賞しました。
これまでのシリーズはアメリカの自然史博物館やスミソニアン博物館が舞台となっていましたが、今回はイギリスのロンドンの大英博物館にところを移しています。
魔法が宿る石板の力によって、夜になると博物館の展示物が動き出し、冒険が繰り広げられるというシリーズの見せどころは３作ともに共通しています。
テーマパークのようなアトラクション的な楽しさ、また博物館で感じるワクワク感はシリーズ当初より大切にキープしてあって、子供でも大人でも楽しめる作品になっています。
そういうシリーズの魅力はほとんど変えていないのですが、改めて考えると、このシリーズは主人公のラリーの成長物語とみることができますね。
ラリーは一作目ではただの冴えない警備員、そして二作目では父親としての自覚を持つようになりました。
三作目では、博物館の企画を任されるようになっていたり、子供に対しても将来についてきちんと考えるように言ったりする立派な父親になっています。
自分を理解してくれ、一緒になって頑張れる仲間もできた（展示物たちのことね）。
でも彼の元々やりたいこと（教師になること）をかなえることはできていません。
それは仲間たちと過ごす時間が楽しく満ち足りたものであったからかもしれません。
しかし魔法の石版に変調が現れ、仲間たちに死が訪れるかもしれない危機に直面します（そもそも生きていると言えるのかどうかはあれだが）。
石板を正常に戻すための冒険の結果、ラリーは仲間たちと別れなくてはいけなくなります。
けれどそれによってラリーは本来の自分のやりたいことに踏み出すことができます。
自然史博物館の仲間たちもそれを望んでいたのでしょう。
ラストで再び自然史博物館の仲間たちが動き出し、パーティナイトを繰り広げる様をラリーは博物館の外から見守ります。
ラリーが慣れ親しんだ場所から踏み出し、そこを大切に思いつつも、自分の新しい一歩を歩んで行こうとする気持ちが伝わってきました。
ラリーの成長が感じられるシーンでありました。

「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第7章」 劇場版へのプロローグ

1992年の「機動警察パトレイバー2 THE MOVIE」は様々な意味で先見性、予見性を持った作品であったと思う。
作品上舞台となったのは2002年で、首都東京は（本作にも登場する）柘植らのクーデターにより、混乱に陥る。
公開された1992年の日本はまだバブルと呼ばれる時期でした。
日本は、特に東京は繁栄を極めていると、人々が思っていた時代です。
そのようなときに「機動警察パトレイバー2」は、その繁栄、平和が欺瞞に満ちたものであると指摘したのです。
現実の世界では、舞台となった時代とほぼ同じ時期に9.11.が起こります。
世界の中でも有数の大都市が「戦争」と呼べるような状態になったことに、世界中の人々が驚愕しました。
「戦争」というものは自分から遠く離れたところで起こるものであるという漠然とした認識に先進国の人々が思っていたところで、あのような事件を目撃し、自分たちが認識していた平和というものがいかに脆いものであるかということを突きつけられたのです。
まさにその衝撃は、「機動警察パトレイバー2」で柘植がしたかったことであったのかもしれません。
人々が享受している平和がいかにもろく、幻影的なものであるかということを。
東西冷戦終結後、世界は次第に不安定になっていきました。
「機動警察パトレイバー2」の劇中でも触れられているPKO派遣のあたりから、次第に日本にも世界の情勢、戦争というものが影響を与えるようになり、最近では自衛隊についての議論も起こっています。
東アジアでも様々な問題があり、１９９２年の頃よりも武力衝突というものがやや現実味を帯びているような気がします。
そのような点で「機動警察パトレイバー2」は予見性を持った作品でありました。

「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第7章」　は実写版「パトレイバー」の総集編、および春に公開される劇場版のプロローグという位置付けでした。
そして今度公開される劇場版は上記の「機動警察パトレイバー2 THE MOVIE」の続編的な位置付けであるということがわかります。
そもそも「THE NEXT GENERATION パトレイバー」のエピソードはOVA版、テレビアニメ版の中でも有名なエピソードをアップデートしたものが多いです。
その集大成として「機動警察パトレイバー2」のアップデートをしようということでしょうか。
「機動警察パトレイバー2」は公開された時点で未来への予見性を持った作品でした。
その予見のいくつかが現実味を帯びてしまった現代において、新劇場版はどのように平和や戦争をとらえ、新たに予見をすることができるのかが期待が高まりますね。

南雲さんがシルエットとはいえ、登場したのに驚き。
劇場版の予告では、南雲さんの声（榊原良子さん）も流れていましたよね。
ここまできたら後藤さんも出してほしい。

前作「THE NEXT GENERATION パトレイバー　第６章」の記事はこちら→

「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第3章」 太田莉奈さんに惚れる

実写版の「パトレイバー」の第3弾、「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第3章」を観てきました。
このシリーズ、前回のレビューでも書いたように総監督の押井守さんのテイストが強く出ています。
episode4は特車二課近くのコンビニでの立てこもり事件の話。
似たような話、アニメ版でもなかったかな・・・？
実写版については、あのイングラムの実写が見れるということが映画を観ることのモチベーションでありました（今もそうですが）。
しかし、第１章、第２章と観てもうひとつモチベーションが。
それはカーシャ役の太田莉奈さんを観ること〜。
この方、もうたいへんに美しいですよね。
見るだけで眼福です。
今回のepisode4はカーシャが大活躍する話ですので、それだけで満足しました。
以前の回でもカーシャはAKを使った銃剣術のカタを見せていましたが、今回はその銃剣術を実戦で披露です。
銃剣術の動きというのはあまり見たことがなかったのですが、すごいものですね。
小銃を銃として、槍として、棒として、あらゆる使い方をする。
最後のキメはトンファーのように使ってトドメをさしていましたよね。
いや〜、カーシャの銃剣術はもう一度見たいです。
事件解決後の、タバコを吸っている姿もかっこいい。
惚れます。
episode5は「パトレイバー」シリーズではお馴染みの怪獣もの。
舞台となる熱海は監督の押井さんが住んでいるところです。
そして劇中やエンディングで出ていた犬のイラストはおそらく押井さんが飼っていた愛犬の絵だと思います。
確かそのワンちゃんは亡くなったと聞いています。
「パトレイバー」ネタとしては、劇中ラジオのパーソナリティーを務めていたのは声優の冨永みーなさんと古川登志夫さん。
これはオリジナルで泉野明、篠原遊馬を演じていたお二人です。

episode6は怪獣編の続き。
ガッ○もどきの怪獣が出てくるようですが、その正体は・・・？
イングラムVSガッ○の対決はあるのか・・・？
期待して待ちたいと思います。

「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第2章」　の記事はこちら→