「ナイブズアウト/名探偵と刃の館の秘密」 今時珍しい「本格」ミステリー

クラッシックな趣のあるミステリー映画です。

最近だとケネス・ブラナー監督の「オリエンタル急行殺人事件」がありますが、このタイプの本格ミステリーは少ないですよね。

私はアガサ・クリスティーのミステリーが好きで、ほとんどを読んでいるので、この手の作品は思わず見にいってしまいます。

舞台となるのは現代なのですが、雰囲気は非常にクラッシックです。

監督のライアン・ジョンソンはアガサ・クリスティーのようなミステリーが撮りたいということでこの作品を企画したらしく、まさにその狙いがしっかりと映像に現れています。

本作の名探偵はブノワ・ブラン。

最後の紳士探偵と劇中で言われていますが、確かにこのような人物は現代にはなかなかいないですね。

しかし、この人物を違和感なく存在させているのは、主演のダニエル・クレイグならではでしょう。

007の印象が強いですが、本作ではアメリカの強い南部なまりのあるキャラクターを抑制しながらも、名探偵らしい存在感をもって演じていました。

綺麗な英語を喋るイメージがあったのですが、さすが役者さんで南部なまりもとてもうまく、そのため新しいブノワというキャラクターを定着できています。

多少自信家なところはポアロを彷彿とさせるところがありますが、新しい名探偵キャラクターの誕生ですね。

この作品は好評だということで、第二作も作られるということで、またブノワの活躍を期待したいところです。

ミステリー映画なのでネタバレになるようなことは書けないのですが、印象的なキャラクターについて２、３記したいと思います。

一人はマルタという看護師。

彼女は本作で起こる事件のキーパーソンとなりますが、特徴的なのは「嘘をつくと必ず吐いてしまう」ということ。

「必ず」がポイントです。

つまり彼女は人間嘘発見機のようなものなのですね。

彼女を嘘をつかせずに、自分に有利にことを進めることができるのか。

探偵も犯人も頭を悩ますポイントになります。

あクリスは代表的なキャラクターであるキャプテン・アメリカから、善良な人というイメージが強いですが、本作では放蕩息子役を演じています。

一族からも使用人からも嫌われている人物ですが、果たして彼は皆が思う通りの人物なのか、それともその通りなのか。

彼のパブリック・イメージと相まって、ランサムがどのような人物であるのかもキーとなります。

トリックは今らしいハイテクな要素は用いておらず、あくまでスタンダードなものの組み合わせです。

目新しくはありませんが、なんでもありではない、納得性はあります。

雰囲気だけでなく、そういう点でも非常にクラッシックな作品として仕上げれています。

興行も評価も高いようですが、今のような時代にこのような作品が受け入れられるのも嬉しいですね。

「七つの会議」 サラリーマンは侍

＜ネタバレありますのでご注意ください＞
「半沢直樹」も「下町ロケット」も「陸王」も見ていません（珍しいですよね）。
なのでこれらの作品がどのようなトーンで作られているのか知りません。
割と演技が濃ゆい感じであったというのは聞いていますが。
本作「七つの会議」はそれらの作品と同じ著者である池井戸潤さん原作で、監督も池井戸ドラマの演出を手がけた福澤克雄さんです。
なので他の池井戸ドラマと同じようなトーンなのでしょうか。
確かに本作の出演者の演技は濃い、というより暑苦しい。
かなり誇張した表現だと思いましたが、ストーリーが展開していく中で、ふとこれは現代的な衣装をまとった時代劇なのだ、と思い、合点がいきました。
エンドロールで八角が、日本のサラリーマンとは江戸時代の侍と同じだと語ります。
昔は侍は藩に仕え、そして藩は侍を守る。
現代は、藩が会社になっただけ。
なるほど日本のサラリーマンの体質にはそういうところはありますよね。
特に40代以上のサラリーマンには。
本作に登場する架空の大手家電メーカーのゼノックスの社長は御前と呼ばれています。
まさにこれは殿様のようなものです。
ある藩で不正が執り行われていて、それに関わった者、それを探った者は次々に亡き者とされる。
過去に藩と色々とあった昼行灯も事件に巻き込まれて、不正に気づく。
それを正そうと殿様に直訴したが、結局は握りつぶされてしまう。
しかし幕府も藩の不正に気づき・・・。
こうやって書いてみるとまさに本作のストーリーはそのまま時代劇としていけそうです。
逆に返せば、時代劇的なストーリーだからこそ、池井戸作品はこれほどまでに多くの人に支持されているのかもしれません。
日本人のDNAに組み込まれているような侍の精神構造が、作品の中にあるのでしょう。
池井戸作品は、不正などによって虐げられた人々が、最後の最後に逆転勝ちすることの爽快感が受けているのだと思います。
これは絶対的な権力で支配されていた人々が物語の中だけでも、胸が空く思いを持ちたいと思っていた時代に芸能がそういう思いをすくっていたことに通じるかもしれません。
池井戸作品が喝采をもって受け入れられるというのは、今の時代もそういう見えない権力によって人々が虐げられていると人々が感じているということなのでしょうか。
そうかもしれませんよね。
いくら不正があっても政治は変わらない。
大きな企業の不正が次々と明らかになっています。
何も変わらないという閉塞感、鬱屈した感じが現代社会にはあると思います。
だからこそ、池井戸作品が受け入れられる。
このような物語が古臭い、それこそ前時代的なったときこそが、よりよい時代になっているということなのかもしれないですね。

「ナミヤ雑貨店の奇跡」 自分の人生の意味

こちらは試写会で鑑賞しました。
原作は東野圭吾さんですが、未読です。
まずは見終わった時の感想ですが、脚本がパズルように絶妙なバランスで組み立てられているなということです。
本作は誰か一人の主人公の物語というよりは、何人かの登場人物の人生が絡み合いながら描かれるアンサンブルになっています。
そして現代や過去のエピソードが重なり合いながら描かれるので、かなり複雑な構成です。
けれどもそれでもちゃんとわかるように組み立てらているのですよね。
一緒に行った方は「原作読んでいるから自分はわかったけど、未読で理解できた？」と言いました。
途中ちょっと戸惑うことはありましたが、十分理解できます。
原作からはカットされていたり、加えられたところもあるようですが、２時間強でよく収めたなという感じがしますね。
脚本は斉藤ひろしさんで、この方は「黄泉がえり」を書いた方なので、複雑な物語をわかりやすく構成するのが上手な方なのだなと思いました。

先に書いたように原作は読んでいません。
東野圭吾さんの作品をたくさん読んでいるわけではないのですが、映画化された作品を中心に少し読んだことがあります。
彼の作品に共通しているのが、自己犠牲ということなのではないかなと思います。
自己犠牲というと重々しいのですが、自分の人生がどこか誰かのためになっていると感じられる人生というのは、とても幸せなことだということです。
自分の人生というものは自分のものではあるのですが、自分だけで自分の人生ができているわけではありません。
誰かの人生の影響を受けるし、誰かに影響も与える。
どうせ生きて死んでいくのであれば、誰かの人生に良い影響を与えることができたのならば、いい人生であると言えるかもしれません。
自分だけのための人生は虚しさが残るかもしれませんね。
本作の登場人物たちは、結果色々ですが、共通しているのは自分が誰かのために良い影響を与えられて、そして自分の行為が誰かのために役立ったということを実感することができたということだと思います。
悲劇的な結末を迎えた人もいれば、幸せな人生を送った人もいる。
まだまだ人生これからの人もいる。
けれど誰かによって生かされて、誰かを生かしているということに気づくことができた。
これは幸せなことですよね。
自分の人生が何か意味がある、と思えるから。
人生が虚しいと感じてしまうのは、自分がいる意味を感じられないからかもしれません。
どんなに小さなことでも人の役に立てるということは、自分の人生を豊かにすることなのだなと改めて感じました。

「22年目の告白 −私が殺人犯です-」 フィンチャー的なエッジ

知人のオススメがあったので、見にいってきました。
最初から最後まで緊迫感があり、またストーリーも二転三転あったので、飽きることなく見ることができました。
見終わった後、パンフレットを見て知ったのですが、本作の原案は韓国の映画なのですね。
確かにずっと緊張感が続く感じは韓国の犯罪・事件ものの作品に通じるものがあります。
なんというのですかね、いけないものを見せられてしまいそうな緊張感とでもいうのでしょうか。
入江悠監督の作品は今までは「ジョーカー・ゲーム」しか見たことがありません。
「ジョーカー・ゲーム」はこれといって評価する点があまりなかった記憶があります。
ハリウッドのアクションムービーのようなものを作ろうとして失敗してしまったようなイメージです。
しかし、本作は見ごたえがあり、またモダンなエッジが効いていて良かったですね。
韓国映画とか、デイビッド・フィンチャーのような緊張感があります。
こういう緊張感が出せる監督はあまり日本には他にはいないような気がしますので、今後の作品に期待です。

前にも書いたのですが、藤原竜也さんはこういった日常ではない役柄が似合いますね。
藤原さんの演技はナチュラルというよりは、芝居的な演技だと思います。
日常的ではない役柄は下手に演じると、設定自体が嘘くさく感じられてしまうものですが、藤原さんが演じると（あえて言いますが）オーバーな演技により、しっかりと定着できる感じがするのですよね。
割と力技で定着させるイメージなのですが、なかなかこういったことができるタイプの役者さんはいないような気がします。

「日本のいちばん長い日」 若者と老人の視野、または理想と現実

終戦の日の近辺になると太平洋戦争に関する作品が公開されますよね。
あの時期の頃の記憶を持っている人が少なくなっているので、こういう機会に公開される映画を観ることは忘れないようにするためにもいいかもしれません。

本作でいうとまず触れたいのが、本木雅弘さんが演じる昭和天皇でしょう。
昭和天皇が本作のようにしっかりと多くの場面で描かれるのも珍しいのではないでしょうか。
昭和天皇は独特のしゃべり方をされましたが、本木さんはそれを非常にうまく再現されていたと思います。
顔立ちはそれほどにているわけではないのですが、イントネーションを聞くと昭和天皇らしく見えてくるのがさすがですね。
なかなか緊張感のある役柄ではなかったでしょうか。
今回の昭和天皇像で新鮮であったのは、いわゆる御前会議などでのご発言だけではなく、戦争の終結の仕方について悩まれるときに発するお言葉に、現人神である天皇というお立場とは異なり、人として国民のことを心配し、慮るお人柄が出ていたように思います。
このようなお人柄が出てくる描写は今までの作品ではあまりなかったように思いますので、新鮮でした。

戦争ともなると、始めるよりも終わらせるほうがよほどにエネルギーがかかるものなのですね。
末期になれば日本が到底アメリカなど連合国に勝つということは、政治家であっても、軍人であっても誰もが心中ではわかっていたことだったのでしょう。
しかし、政治家には政治家の、軍人には軍人の、そしてそれぞれにまた様々な派閥があり、そういったややこしい関係の中で、戦争をどう終わらせるのかが、この映画で語られています。
これはどういう視野で物事を見ているか、どれくらい先を見据えて考えているかということであるのでしょう。
玉音放送が流れる日の早朝、青年将校による御所での反乱があったのは知られています。
彼らもアメリカに勝てるとは思っていなかったでしょう。
しかし、何もせずに負けるというのは彼らは許せなかった。
それは若さゆえ、エリートゆえのプライドがその根っこにあったのかもしれません。
ある意味、彼らは現実主義者ではなく、理想主義者であったのかもしれません。
彼らの視点でなかったことは、一矢報いたあとのことを想像していなかったことでしょう。
一矢報いたあとは、自決を選ぶということであったのかもしれませんが、その後については思いが及ばなかったのは惜しむべきことです。
対して鈴木貫太郎総理や昭和天皇は、負けたあとの日本のことを考えていました。
自らのプライドなどというものはなく、広く日本国民が生きながらえていくためにはどうするべきなのかと悩んでいたのだろうと思います。
その間に立ったのが、本作でも主役的な位置づけにある阿南陸軍大臣でした。
彼にも長期的かつ広い視座がありました。
どのように戦争を終わらせるべきかを考えていたと思います。
しかしながら、青年将校たちが信じる理想主義のこともわかる。
その理想主義があるからこそ、装備にも劣る日本軍が戦えてきたことを阿南は知っているからです。
理想と現実の狭間のなかで、どのようにランディングさせていくか阿南陸相は苦悩するのです。
この物語は太平洋戦争終結のときの裏にあったエピソードを紹介しています。
そのなかの若者の理想主義・近視眼的な視点、年長者の現実主義・長期的広域的視座のようなものはこのエピソードに限られず、ありますよね。
普通に会社の仕事のなかでも、視野が狭かったり、先を見据えていなかったりすることは、上司にも指摘されることがありますから（それでも若い頃よりは成長していて、今の若い子たちの視野の狭さは自分でも指摘したりする）。
そういえば本作の原田監督は「突入せよ『あさま山荘』事件」も作ったのでした。
あの映画の安保闘争などもまさに視座の狭さ、未来への見通しのなさ、徹底した理想主義であることを描いているのかもしれません。
若者の視野狭窄的な視点は悪いところばかりではありません。
間違っていることもあるかもしれませんが、進んでいこうとする気持ちは純粋ですし、またエネルギーもある。
どのように方向付けられるかが必要なのだと思います。
その方向付けに影響を与えられるのが、年長者の経験による広いものの見方なのかもしれません。

「ナイト ミュージアム/エジプト王の秘密」 ラリーの成長物語

人気シリーズ第3弾、こちらも見逃していたので帰国の飛行機の中で鑑賞しました。
これまでのシリーズはアメリカの自然史博物館やスミソニアン博物館が舞台となっていましたが、今回はイギリスのロンドンの大英博物館にところを移しています。
魔法が宿る石板の力によって、夜になると博物館の展示物が動き出し、冒険が繰り広げられるというシリーズの見せどころは３作ともに共通しています。
テーマパークのようなアトラクション的な楽しさ、また博物館で感じるワクワク感はシリーズ当初より大切にキープしてあって、子供でも大人でも楽しめる作品になっています。
そういうシリーズの魅力はほとんど変えていないのですが、改めて考えると、このシリーズは主人公のラリーの成長物語とみることができますね。
ラリーは一作目ではただの冴えない警備員、そして二作目では父親としての自覚を持つようになりました。
三作目では、博物館の企画を任されるようになっていたり、子供に対しても将来についてきちんと考えるように言ったりする立派な父親になっています。
自分を理解してくれ、一緒になって頑張れる仲間もできた（展示物たちのことね）。
でも彼の元々やりたいこと（教師になること）をかなえることはできていません。
それは仲間たちと過ごす時間が楽しく満ち足りたものであったからかもしれません。
しかし魔法の石版に変調が現れ、仲間たちに死が訪れるかもしれない危機に直面します（そもそも生きていると言えるのかどうかはあれだが）。
石板を正常に戻すための冒険の結果、ラリーは仲間たちと別れなくてはいけなくなります。
けれどそれによってラリーは本来の自分のやりたいことに踏み出すことができます。
自然史博物館の仲間たちもそれを望んでいたのでしょう。
ラストで再び自然史博物館の仲間たちが動き出し、パーティナイトを繰り広げる様をラリーは博物館の外から見守ります。
ラリーが慣れ親しんだ場所から踏み出し、そこを大切に思いつつも、自分の新しい一歩を歩んで行こうとする気持ちが伝わってきました。
ラリーの成長が感じられるシーンでありました。

「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第7章」 劇場版へのプロローグ

1992年の「機動警察パトレイバー2 THE MOVIE」は様々な意味で先見性、予見性を持った作品であったと思う。
作品上舞台となったのは2002年で、首都東京は（本作にも登場する）柘植らのクーデターにより、混乱に陥る。
公開された1992年の日本はまだバブルと呼ばれる時期でした。
日本は、特に東京は繁栄を極めていると、人々が思っていた時代です。
そのようなときに「機動警察パトレイバー2」は、その繁栄、平和が欺瞞に満ちたものであると指摘したのです。
現実の世界では、舞台となった時代とほぼ同じ時期に9.11.が起こります。
世界の中でも有数の大都市が「戦争」と呼べるような状態になったことに、世界中の人々が驚愕しました。
「戦争」というものは自分から遠く離れたところで起こるものであるという漠然とした認識に先進国の人々が思っていたところで、あのような事件を目撃し、自分たちが認識していた平和というものがいかに脆いものであるかということを突きつけられたのです。
まさにその衝撃は、「機動警察パトレイバー2」で柘植がしたかったことであったのかもしれません。
人々が享受している平和がいかにもろく、幻影的なものであるかということを。
東西冷戦終結後、世界は次第に不安定になっていきました。
「機動警察パトレイバー2」の劇中でも触れられているPKO派遣のあたりから、次第に日本にも世界の情勢、戦争というものが影響を与えるようになり、最近では自衛隊についての議論も起こっています。
東アジアでも様々な問題があり、１９９２年の頃よりも武力衝突というものがやや現実味を帯びているような気がします。
そのような点で「機動警察パトレイバー2」は予見性を持った作品でありました。

「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第7章」　は実写版「パトレイバー」の総集編、および春に公開される劇場版のプロローグという位置付けでした。
そして今度公開される劇場版は上記の「機動警察パトレイバー2 THE MOVIE」の続編的な位置付けであるということがわかります。
そもそも「THE NEXT GENERATION パトレイバー」のエピソードはOVA版、テレビアニメ版の中でも有名なエピソードをアップデートしたものが多いです。
その集大成として「機動警察パトレイバー2」のアップデートをしようということでしょうか。
「機動警察パトレイバー2」は公開された時点で未来への予見性を持った作品でした。
その予見のいくつかが現実味を帯びてしまった現代において、新劇場版はどのように平和や戦争をとらえ、新たに予見をすることができるのかが期待が高まりますね。

南雲さんがシルエットとはいえ、登場したのに驚き。
劇場版の予告では、南雲さんの声（榊原良子さん）も流れていましたよね。
ここまできたら後藤さんも出してほしい。

前作「THE NEXT GENERATION パトレイバー　第６章」の記事はこちら→

「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第3章」 太田莉奈さんに惚れる

実写版の「パトレイバー」の第3弾、「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第3章」を観てきました。
このシリーズ、前回のレビューでも書いたように総監督の押井守さんのテイストが強く出ています。
episode4は特車二課近くのコンビニでの立てこもり事件の話。
似たような話、アニメ版でもなかったかな・・・？
実写版については、あのイングラムの実写が見れるということが映画を観ることのモチベーションでありました（今もそうですが）。
しかし、第１章、第２章と観てもうひとつモチベーションが。
それはカーシャ役の太田莉奈さんを観ること〜。
この方、もうたいへんに美しいですよね。
見るだけで眼福です。
今回のepisode4はカーシャが大活躍する話ですので、それだけで満足しました。
以前の回でもカーシャはAKを使った銃剣術のカタを見せていましたが、今回はその銃剣術を実戦で披露です。
銃剣術の動きというのはあまり見たことがなかったのですが、すごいものですね。
小銃を銃として、槍として、棒として、あらゆる使い方をする。
最後のキメはトンファーのように使ってトドメをさしていましたよね。
いや〜、カーシャの銃剣術はもう一度見たいです。
事件解決後の、タバコを吸っている姿もかっこいい。
惚れます。
episode5は「パトレイバー」シリーズではお馴染みの怪獣もの。
舞台となる熱海は監督の押井さんが住んでいるところです。
そして劇中やエンディングで出ていた犬のイラストはおそらく押井さんが飼っていた愛犬の絵だと思います。
確かそのワンちゃんは亡くなったと聞いています。
「パトレイバー」ネタとしては、劇中ラジオのパーソナリティーを務めていたのは声優の冨永みーなさんと古川登志夫さん。
これはオリジナルで泉野明、篠原遊馬を演じていたお二人です。

episode6は怪獣編の続き。
ガッ○もどきの怪獣が出てくるようですが、その正体は・・・？
イングラムVSガッ○の対決はあるのか・・・？
期待して待ちたいと思います。

「THE NEXT GENERATION パトレイバー 第2章」　の記事はこちら→

「ノア 約束の舟」 まさに狂信的な

「ブラック・スワン」のダーレン・アロノフスキーの新作が「ノアの方舟伝説」を題材にすると聞いた時、意外な気がしました。
劇場でかかっていた特報や予告編を観ていても、スペクタクル大作のようなテイストに見えたので、アロノフスキーっぽくないなと。
でも本作を観ていると、今までの彼の作品にも通じる「らしさ」がしっかりと出ていてように感じました。
もちろん、大作らしいスペクタクル場面は見応えありますが、アロノフスキー作品としての「らしさ」は別のところにあるように思えます。
「ノアの方舟伝説」は多くの人に馴染みのある旧約聖書の創世記にあるエピソードです。
アダムとイブが善悪の知識の実を食べて楽園を追放された後、人間は地上に殖えていきました。
しかし、人は堕落し悪がはびこることなりました。
それを見た神は、大洪水で人々を滅ぼそうとしますが、「ヤハウェに従う無垢な人」であるノアとその家族は生き延びさせようと方舟の建設を命じました。
本作はこの「方舟伝説」を大スペクタクル映画として映像化しているわけですが、アロノフスキーらしさが出ているのは主人公ノアの人物の描き方だと思います。
僕の今までのノアのイメージとは、「善良」「無垢」といったものでした。
人々が悪徳に染まる中、ノアは善良であり、無垢であるから（簡単な言葉でいうと心がきれいだから）こそ神によって救われたと、思っていました。
しかし本作で描かれるノアは、ただ単に善良であり無垢である人物ではありません。
彼は神のお告げを信じ、そのためはそれこそ何でもやります。
そのためには人も殺します。
この人物には単純な善良さはありません。
僕はノアに今までのアロノフスキー作品「レスラー」「ブラック・スワン」の主人公に共通するものを感じました。
ノアの行動は「狂信的」と言ってもいいかもしれません。
神のお告げのためであれば、息子が好感を持った女性も見殺しにし、自分の孫ですら手にかけようとする。
狂っている、と言われても仕方がないほどです。
しかし、「レスラー」にしても「ブラック・スワン」にしても主人公は「狂っている」と思えるほどに自分が信じ、賭けたいものがあったのですよね（それぞれレスリングであり、バレエ）。
「レスラー」の主人公ランディはレスリングに己の命すら賭けます。
「ブラック・スワン」の主人公ニナはバレエに自分の精神を賭けていると言っていいでしょう。
自分自身をかけるほどに入れ込む彼らの姿は、関係ない者から見れば「常軌を逸している」、「狂っている」ているように見えます。
神をただ信じるノアも「狂っている」かのよう。
彼が信じる神のためであれば、己の生命はもちろん、自分の家族の命ですら捧げようとする。
上でノアを「ヤハウェに従う無垢な人」と書きましたが、「無垢にヤハウェに従う人」のほうがこの作品のノアに合っているかもしれません。
自らを破滅に導くにも関わらず「狂おしく」何かに入れ込むことができる人を描くことに、アロノフスキーは惹かれるのでしょうか。
ラストは割とヒューマンな終わり方だったところがちょっとアロノフスキーっぽくない気がしましたが、作品を仕上げるにあたり映画会社ともめたという話も聞きますので、このあたりのことかな？

「ブラック・スワン」の記事はこちら→
「レスラー」の記事はこちら→

「ニード・フォー・スピード」 物語に無理がある

「ワイルド・スピード」のようなカーアクション映画が好きなんですよね。
子供の頃は「キャノン・ボール」とか好きだったなぁ。
ですので、なんとなく同じニオイのする本作「ニード・フォー・スピード」を観に行ってきました。
しかし、ツッコミどころが多すぎて、首をかしげてしまいました。
まぁ「キャノン・ボール」もツッコミどころはあるですけれどね、Mr.Booとか出ている時点で、あれは作風だとわかりますから。
一番のツッコミどころはそもそもこの物語のスタートのところ。
主人公トビーと彼の弟分のピート、そしてトビーのライバルであるディーノが、同じスーパーカー、アゲーラでストリートレースを繰り広げます。
トビーが先行したため、焦ったディーノの無謀なドライビングによりピートの車と接触。
ピートのアゲーラは横転炎上し、その上、橋から落下し、ピートは死んでしまいます。
クラッシュを誘発させたディーノは現場から逃亡し、さらにはそこにはいなかったとアリバイ作りをし、レースをしていたのはトビー車とピート車の２台だけであったいうことにしてしまいます。
そのため残ったトビーが逮捕され、収監されてしまいます。
しかし、映画とは言ってもこれはないでしょう。
あれだけのクラッシュしているわけですから、タイヤ痕は３台分ばっちり残っているはずで、これを２台しかなかったというのは無理がある。
ディーノたちの証言だけで２台しかいなかったっていうことになるって、警察はどんだけ無能なの？ってツッコミをいれたくなります。
ディーノにしたって、罪を逃れたいんだったら車は廃車にしなきゃ。
なにを後生大事にとっておくのだろう・・・？
それを発見したトビーもトビー。
いくらレースに出る車がないからって、証拠の車でレースに出場するかなぁ。
証拠になる車で出場して、ちょっとでもぶつけたら、その車体に刻まれている事故の証拠などもなくなっちゃうのに。
っていうように物語の作りや登場人物の行動にとっても無理があって、そこばかりが気になります。
いくらレースシーンが迫力があったとしてもこれではダメ。

あと登場する車がスーパーカーすぎて、自分的に全く馴染みがなくて燃えなかったです。
「ワイルド・スピード」に登場するクラスの車の方が、馴染みがあっていいですね。