「ジョジョ・ラビット」 偏見

第二次世界大戦中のドイツ、少年ジョジョにとってヒトラーはアイドルであった。

彼はファシズムがなんたるかを理解して、ヒトラーを好きになっているわけではない。

大人を含めて世の中が彼に熱狂していたから、ジョジョも熱に浮かされているようにヒトラーを崇拝していたのだろう。

冒頭のナチスの熱狂を表すシークエンスにビートルズなどの音楽を当てているのはうまいアプローチだと思った。

こちら側がビートルズに熱いコールを送ったのと同じように、彼らは「ハイルヒトラー」と声を上げたのだ。

ナチスというと、人間とは違う生き物ほどに違う人々にも思えてくるが、彼らも同じ人間であるということが伝わってくる。

おそらく戦時の日本も同じようなところがあったのだろう。

あまりに大きな熱狂の渦の中にいると、それ以外のものが見えなくなってくる。

同調圧力もあるだろうし、そもそもその他の選択肢の情報が入ってこないので、価値観が単一になってしまう。

ジョジョはそういう熱狂の中で成長してきたので、ヒトラーを崇拝してしまうのも無理もない。

彼にとっての唯一の社会であるヒトラー・ユーゲントでジョジョをいじめる少年たち、また教官のミス・ラームなどはファシズムの思想で凝り固まっているので尚更だ。

ジョジョは気が弱く優しい少年なので、心の奥底ではナチスの思想には共鳴していないのだが、そのような社会の中で馴染めない自分の方が悪いと思ったのだろう。

その結果、イマジナリー・フレンドとしてのアドルフを生み出したのだ。

しかし、彼の唯一無二の価値観を揺るがすのが、壁の中に隠れていたユダヤ人の少女エルサとの出会いだ。

ジョジョが教わってきたユダヤ人像とは全く異なる、賢く美しい少女に彼は惹かれていく。

彼の価値観が次第に綻んでいくのだ。

また熱狂の中にあっても、その渦の中に飲み込まれず自分が信じる視点に立っている者もいる。

ジョジョの母ロージーもその一人だ。

彼女は人知れずエルサを匿い、そして秘密裏にナチスに対しての抵抗運動をしていた。

あの時代のドイツというと全ての人がナチスの思想に支配されているというように思ってしまいがちだが、そうでない人もいたということだ。

よく考えてみれば、日本でも少なからず戦争に反対していた人がいたわけで、ドイツでも同じような人々がいたというのは当たり前なのだ。

しかし、彼らにとっては生きにくい時代であったということは変わらない。

結局ロージーは悲劇的な結末を迎えるようになってしまう。

ジョジョの世界観はエルサとの出会い、そして愛する母との別れによって決定的に変わる。

守りたいものを守りきれなかった経験を経て、彼の中に守りたいものを守ろうという勇気ができたのだ。

感銘を受けたキャラクターがもう一人いる。

ジョジョが所属しているヒトラー・ユーゲントの教官の一人であるキャプテンKだ。

彼はやる気があるのだかないのだかわからない男だが、陰ながらジョジョのことを気にかけている。

彼自身もナチスの思想に共感していないように見えるが、適当な感じを装って生きにくい世の中で生きていっているように感じる。

彼は何度かジョジョのピンチを救うが、最後は彼を救うために「ナチスとして」殺されてしまう。

皮肉的ではあるが、とてもカッコいい男だと思えた。

ナチスがユダヤ人をある種の枠をはめた見方で見て、迫害していたのと同じように、現代の我々もあの時代のドイツ人が全てナチスであったように思いがちである。

しかし、それは実は人々をある型にはめて見ているということでは同じであるということに気づく。

どうしても人はステレオタイプに捉えがちである。

それが偏見なのだが、それはかなり意識しないとなかなか自分がそのようなフィルターで見ているということに気づかない。

本作はコメディようなところもあるが、そういう人間の本質に気づきを与えてくれる作品であると思う。

「屍人荘の殺人」 現実と非現実のバランス

まったくの予備知識を持たずに鑑賞しました。

基本的にはミステリーもの、特に名探偵ものが好きなので。

探偵者でよくある舞台設定としては、雪山の山荘や孤島など、外部の人が出入りできない場所、いわゆるクローズドサークルがあります。

タイトルからして「屍人荘」がクローズドサークルの舞台となるのだろうと想像はできましたが、そのような状況を作る方法が奇想天外で非常に驚きました。

後から思えば、それもタイトルに書いてあったのですけれども。

不思議なバランスで作られている作品です。

事件が起こり、それがどのように実行されたか、そして犯人が誰なのかということの謎解きでは、とてもオーソドックスに物理的に可能な可能性をロジカルに解いていきます。

この辺のアプローチは古典的な探偵小説のような趣があります。

非常に現実的で曖昧なものが入る余地があまりないように感じられます。

けれどもその推理劇が展開している場所が作られているのは非常に非現実的な理由によるものです。

ここについてはSFサスペンスや怪奇ものといった趣があります。

このような古典的で非常に現実的な要素と、現代的で非現実的な要素が一緒くたになっているというのが不思議な感覚でした。

あくまで非現実的な設定は状況を作るものであって、犯行そのものは論理的に組み立てらているのが、難しいところを逃げていないように感じました。

観ていたとき、ちょっと雰囲気が既視感あるなと思っていたのですが、「TRICK」でした。

よくよく監督名を見てみたら木村ひさしさんで、脚本は蒔田光治さんでした。

まさに「TRICK」のコンビ。

浜辺美波さん演じる剣崎比留子のキャラも奇妙でしたが、これも「TRICK」風ですよね。

「スター・ウォーズ/スカイウォーカーの夜明け」 まさに夜明け

公開後より賛否両論が巻き起こっておりますが、皆さんは「スカイウォーカー・サーガ」の最終作をどう見られたでしょうか？

私個人としては「スター・ウォーズ」シリーズとしてとても楽しめる作品だと思いましたし、この長いサーガを完結させるにあたりこういう終わりか方しかなかっただろうと思いました。

本作をあまり評価しないという方の意見としては、旧来のファンに媚びすぎ旧来の作品の焼き直しのように見えるといったものが多いように思います。

このような意見はその通りだとも思いますが、反面この非難は昨今のハリウッド映画においては「スター・ウォーズ」以外のシリーズでも多く見られることです（最近で言えば「ターミネーター」等）。

そのような多くの作品よりも多く、激しくその点において非難されるのはこのシリーズへの期待の裏返しとも言えます。

私としては旧来のファンにちゃんと目配せしつつ、「スター・ウォーズ」らしさ、世界観はしっかりと守りながら、話をまとめ上げた手腕を評価したいです。

なんとか話をまとめあげることができただけ、という意見も見かけましたが、これだけの大河ストーリーを破綻させずにまとめあげるのがどんなに大変なことか。

新三部作に関してはルーカスの手を離れたため、予定されたゴールはなかったのだと思います。

そのため「フォースの覚醒」は初期三部作を擬えただけという非難を受けました。

個人的には手堅くファンの反応を見ながらリスタートさせることができたと思いました。

次のライアン・ジョンソンによる「最後のジェダイ」は「フォースの覚醒」への非難を受けてか、問題提起型の挑戦的な内容であったと思います。

新三部作の主人公であるレイがスカイウォーカーとは何の縁もゆかりもないと衝撃の事実を提示しました。

ある意味「最後のジェダイ」はそれだけであったとも言えます。

無茶振りともいえるこの課題を本作では非常に見事に回収し、さらには過去の全ての作品を締めくくることができる結末を用意したと言えるかと思います。

＜ここから先はネタバレ＞

予告編でパルパティーンの笑い声が聞こえたときは、ちょっと嫌な予感がしました。

それこそ過去三部作をなぞるような結末になるのではないかと。

確かに新三部作のファースト・オーダーは帝国軍の焼き直しに見え、迫力不足であることは確かです。

ただそれでパルパティーンによる帝国の復活が描かれたとしたら、私もこの作品を支持はしなかったでしょう。

前作においてレイはスカイウォーカーとゆかりがないことは明らかになりました。

けれども本作のサブタイトルは「スカイウォーカーの夜明け」です（英語ではTHE RISE OF SKYWALKER」）。

このタイトルが意味するものは・・・。

スカイウォーカー家の血筋ではないのにもかかわらず、なぜレイはジェダイに匹敵するほどのフォースを操ることができるのか。

前作で提示されたこの謎の答えはシンプルではありましたが、意表をついたものでもありました。

かつて多くのジェダイがいたことからわかるように、元々フォースを操れるのはスカイウォーカー家だけではありません。

中でもスカイウォーカー家の血筋の者は強力な力を持ってはいますが。

しかし、スカイウォーカー家と同じほど、いやそれ以上の力を持つもう一つの別の家系がありました。

それこそがパルパティーン。

かつてアナキンをダークサイドへ導き、ダースベイダーとした皇帝パルパティーンはスカイウォーカー家以上の力を持っているのは明らかです。

レイはその血筋であったのです。

今考えると予告のパルパティーンの笑い声は非常にフェアな仕掛けで、レイの出生の謎の答えのヒントでもあったのですね。

完全なるダークサイドであるパルパティーンと、あくまでもライトサイドに踏みとどまるレイの対決は見応えがありました。

カイロ・レンは新三部作においてとても微妙なキャラクターであったと思います。

善と悪の間で揺れ動き、それこそダースベイダーになりきれない子供のような印象がありました。

しかし本作において自分が立つべきポジションをしっかりと見定めることができたのは良かったと思いました。

子供が大人になった時と言えるかもしれません。

ラストの戦いのあたりでは、最後はカイロ・レンとレイが結びつき、新たなスカイウォーカー家が始まるという終わりかたになるかと思いきや、そうはなりませんでした。

結果、カイロ・レンは逝き、スカイウォーカー家は断絶してしまったのです。

全ての戦いが終わり、レイは物語の始まりの場所タトゥイーンのルークの生家を訪れます。

そこで通りかかった老女にレイは名前を尋ねられます。

彼女は「レイ・スカイウォーカー」と答えます。

レイだけがこのシリーズにおいてラストネームを持っていませんでした。

それは彼女が孤児であったからと説明をされていました。

元々そこには意味はなかったと思いますが、その設定を非常にうまく利用したラストシーンであったと思います。

血筋としてのスカイウォーカーは絶えました。

しかし、レイにとってルークは父、レイアは母、そしてカイロ・レンは兄のような存在であるのだと思います。

彼らの意思を彼女は継いでいくという決心をしたのでしょう。

スカイウォーカーはただのラストネームではなく、大いなる役割を持つ称号のようになったのかもしれません。

かつてのジェダイのように。

このシーンではタトゥイーンの二つの太陽の日の出が映し出されます。

まさにこれは夜明け（RISE）であり、新たなるスカイウォーカーの始まりでもあったのだと思います。

プロデューサーのキャスリーン・ケネディが再びスカイウォーカーが登場するかもしれないといった発言があったようですが、可能性としてはあり得ますよね。

私としては期待したいところです。

「ゾンビランド：ダブルタップ」 全員揃う奇跡

ホラー映画は苦手なのですが、前作は知り合いのお勧めもあって行ってきたのでした。

昨年の「カメラを止めるな！」もあってか、日本でも今となってはゾンビコメディ映画は市民権を得ている感もありますが、当時はまだまだマイナーな存在。

「ショーン・オブ・ザ・デッド」という知る人ぞ知る名作はありましたが。

公開していたのも渋谷の単館だったと思います。

出ている人も作っている人もマイナーな人ばかり。

しかし、蓋を開けてみれば非常に面白い。

コメディなので基本的に笑える映画なのですが、ロードムービーの体裁を取っていて、意外と情感もある。

当時のレビューを見てみると、名作「ミッドナイト・ラン」になぞらえていました。

先ほど出ている人はマイナーな人ばかりと書きましたが、主人公ら４人のメンバーと言えば、ジェシー・アイゼンバーグ、ウディ・ハレルソン、エマ・ストーン、アビゲイル・ブレスリンと錚々たるメンバーばかり。

公開当時は子役でブレイクしていたアビゲイル・ブレスリンが一番有名だったのではないでしょうか。

ジェシー・アイゼンバーグは前作の翌年の「ソーシャル・ネットワーク」のマーク・ザッカーバーグでブレイクし、ウディ・ハレルソンは「ハン・ソロ」や「ハンガー・ゲーム」などのメジャー映画や「スリービルボード」などの渋めの作品まで広く活躍中です。

エマ・ストーンに至っては「ラ・ラ・ランド」でアカデミー主演女優賞を獲得しているスターとなっています。

「ゾンビランド」の続編があると聞いたときは、今となってはスターとなった彼らがこんなB級映画（失礼！）に出演するのだろうかと思ったのですが、全員揃っていることにびっくりです。

出演者が10年前から変わって現在ではブレイクしたと書きましたが、制作者も同様です。

監督のルーベン・フィッシャーは昨年公開の「ヴェノム」を監督し大ヒットさせました。

そして脚本家のレット・リースとポール・ワーニックは「デッドプール」を書いています。

このように輝かしいキャリアを進んできた出演者も制作者もオリジナルメンバーがここまで揃うのは奇跡ですね。

じゃあ、作品が変わってしまったかというと、そういうわけではありません。

いや、もうバカバカしい役はやれないと出演者が言ったりしないかと他人事ながら心配していたわけです。

10年後の設定というのに、前回と変わらない（成長が感じられない）キャラクターにホッとしたりしました。

基本的には前作とトーンは大きく変わっていないので、前作を初めて観た時の衝撃はなかったのは正直なところではあります。

けれども期待していたことはしっかりやってくれているというところはあり、裏切られたということではありません。

変わらない４人が相変わらずいてくれてただ嬉しかったですね。

次回また10年後よろしくお願いします。

「ジョーカー」 共感できる異端者

ジョーカーとは、みなさんご存知の通り「バットマン」に登場する有名なヴィラン（悪役）。

本作はベルリン映画祭で金獅子賞を受賞し、アメコミ映画でありながら、映画通にも高い評価をされている。

過去の「バットマン」作品でも、ジョーカーは非常に印象的なキャラクターとなっていた。

今までそのキャラクターを演じてきたのはジャック・ニコルソン（「バットマン」）、ヒース・レジャー（「ダークナイト」）、ジャレッド・レト（「スーサイド・スクワッド」）。

それぞれが魅力的にエキセントリックなジョーカーというキャラクターを演じてきた。

彼らは同じジョーカーというキャラクターを演じてはいるのだが、監督や彼らの解釈により、違った味わいを持つキャラクターとなっていたと思う。

しかしながら、ジョーカーというキャラクターが持っている本質は共通しているように私は考えている。

私が考えるジョーカーとは、人間社会が持つ秩序・ルール・価値観を根本的に否定する者であるということ。

例えば、ジャック・ニコルソンが演じる「バットマン」のジョーカーはまさに「笑いとばしながら」社会の秩序を破壊していくし、ヒース・レジャーの演じる「ダークナイト」のジョーカーはバットマンの持つ正義・価値観を嬲るように否定する。

「スーサイド・スクワッド」のジョーカーは印象がやや薄いが、ストーリーに対して唐突に現れ、かき回す印象はルールを無視するジョーカーらしいところかもしれない。

ジョーカーは何ら既存の社会の秩序・ルールに対して、価値を感じていない。

守ろうとも思っていないし、壊そうとも思っていない。

どうでもいいものなのだ。

本作はある男がジョーカーになるまでを描いた物語である。

その男アーサーは、すでに強固に組み上げられた社会秩序の最下層に位置していた。

劇中ではずっとアーサーがその社会秩序に虐げられる様を描く。

それでも彼はその社会に適応しようとはするが、社会は彼を受け入れず、社会と彼のズレが次第に大きくなっていく。

そして唯一の拠り所となっていた母親が自分を虐待していたという事実を知り、そして夢であったテレビショーで笑い者にされるという体験を経て、彼は自分自身を否定しようとしたところまで行ったのだと思う。

マレーのショーに出演していたとき、彼は本当に自殺をしようとしていたのだろう。

マレーに関しても殺そうとして殺したのではないように思う。

もう彼にとって社会などはどうでもいい存在となったのではないか。

自分から適応しようとも思わないし、それを壊そうとも思わない。

マレー射殺後、彼は逮捕されるが、彼に影響を受けた市民の暴動のどさくさで解放される。

彼が暴動を煽動しているわけではない。

彼にとって社会はどうでもうよく、彼は道化のように踊っているだけだ。

ラストのシーンはどのように考えるか色々解釈はあるだろう。

私はこの物語はどこからか（おそらくマレーのショーに出たあたり）がアーサーの妄想であったという説をとりたい。

そもそもアーサーは妄想癖があった。

それはアパートの同じ階に住む女性とのエピソードが全て彼の妄想であったということからもわかる。

母親が自分のことを虐待していたという事実をあの時点で知るというのもおかしい。

もしかすると虐待されていた事実から自分自身が逃れる術として妄想に逃げ込んでいたのかもしれない。

またアーサーが一度マレーのショーで舞台に上がったというシーンも彼の妄想であったのだろうと思う。

本作が今までのジョーカーと異なる点は共感性であると思う。

アーサーの状況は同情するにあまりある。

誰もが彼の境遇を不憫だと思うし、彼が幸せになってほしいと思うだろう。

しかし彼は迫害され、その結果、社会を破壊する行動に走る。

これは正しくはないが、わからないわけではないと感じるところであると思う。

アメリカで公開した時、警察などが非常に警戒したという話を聞いた。

その時は大袈裟な、と思ったりもしたが、今はわからないわけでもない。

過去の作品におけるジョーカーは社会を嘲笑うものではあったが、通常の市民ではない異端者であった。

しかし本作では通常の市民が、社会を嘲笑い、秩序を否定する存在となったのだ。

危険は外ではなく、中にいる。

劇中で描かれているように、影響を受け極端な行動に走る者が出たらと警戒するのもうなづける。

本作のジョーカーは異端者ではなく、共感できる者であるがゆえに危険な存在なのだ。

「SHADOW／影武者」 陰陽変転

「HERO」「LOVERS」などの武侠アクションで有名なチャン・イーモウの最新作です。

いままでの作品は鮮烈な色彩を上手に使っているイメージがありましたが、今回の「SHADOW」は水墨画のようなタッチを感じさせる作品になっています。

彼の今までの作品はアクションも優美でありましたが、本作ではさらに一層東洋的な美しさ感じられるようになっています。

映像は水墨画のように白と黒で描かれてますが、それは作品のテーマにも通底します。

作品の中にしばしば太極図（陰陽魚）が登場しますが、これは道教のシンボルです。

陰と陽とはしばしば入れ替わり、また陰の中にも陽があり、陽の中にも隠があるということを表していると言われています。

まさにこれはこの作品のテーマです。

主人公の影武者は、都督が身の危険を感じたため、その代わりとなって表の舞台に出ていきます。

そこは敵国とのせめぎ合い、そしてまた自国の中での権力争いにより陰謀術中渦巻く世界でした。

影武者は都督として振る舞い、常に命の危険にさらされながらも彼自身の機転によって何度も危機を乗り越えます。

都督は命の危険にさらされているからか、また権力への妄執ゆえか、精神的に歪みはじめていました。

都督は影武者の母親の行方を知っているということを材料に影武者を操っていました。

国のものには彼は国王と違い清廉の士と思われていましたが、彼もまた権力の亡者であったのです。

影武者は都督の妻に心を奪われ、そして彼女も影武者である彼に惹かれ、二人は身を重ねてしまいます。

都督はその様子も覗き見をしていました。

彼の心に去来するものはなんだったのでしょうか。

もはや妻を抱けなくなったことを影武者が代理となることで埋め合わそうとしているのか、また影武者が自分が思うように行動することによって、自分が人を操ることの満足感を得ているのか。

彼は陽のように見えながらも陰でありである存在です。

彼らが仕える王もそのようなものの一人です。

愚王のように見えながらも、実は策士であることが終盤に明らかになります。

しかし彼の策により、彼の大事な者は命を落としました。

彼も陰陽併せ持つ男でありました。

そしてまた主人公である影武者も。

陰陽が激しく入れ替わる展開の中、彼もまた変転していきます。

しかしその変転した先には幸なのか不幸が待っているのか。

人の世は正義と悪を明確に定義できるものではありません。

清はその中に濁を持ち、濁はその中に清を持つ。

まさに太極図が表している考え方が、本作を貫いています。

だからこそ映像が水墨画のようなタッチで描かれることとなったのでしょう。

「それいけ!アンパンマン きらめけ!アイスの国のバニラ姫」さりげなく盛り込まれている教訓

昨年に引き続き、娘と「アンパンマン」の映画に行ってきました。

一年前は映画館そのものが初体験だったので、彼女も落ち着きなかったですが、今年は昨年よりはお行儀は良かったですね。

でも、小さい子がフラフラと歩き出すと釣られて歩き回ったり・・・。

「アンパンマン」の映画だから許されますが、まだ他の映画に一緒に連れて行くのは厳しいですかね・・・。

去年の映画はアンパンマンその人が物語の中心にいたのですが、今回の映画ではアンパンマンというよりはゲストキャラクターのバニラ姫とコキンちゃんが主人公とも言えるようなストーリーでした。

バニラ姫はアイスの国の女王を引き継ぎましたが、魔法のスプーンでアイスを生み出すことができません。

なんどもなんども練習してもできるようにならないため、彼女はアイスの国を逃げ出してしまいます。

その途中でバニラ姫はコキンちゃんと出会い仲良くなります。

しかしその間、バニラ姫がいなくなったアイスの国はばいきんまんに乗っ取られてしまいました。

それを知ったバニラ姫とアンパンマンたちは取り戻そうとしますが、やっぱりバニラ姫は魔法のスプーンを使いこなすことができません。

それで苦しむバニラ姫を見て、コキンちゃんはなんと魔法のスプーンを捨ててしまうのです。

バニラ姫が辛いのだったら、無理して女王の役割などをやることはないということです。

自分のやりたいことに忠実に素直に生きるコキンちゃんならではですよね。

コキンちゃんが人気があるのは、一見わがままに見えつつも、自分がやりたいことに素直であるという点かもしれません。

一度、魔法のスプーンを失い、またアイスの国のために戦ってくれるアンパンマンたちの姿を見ているうちにバニラ姫の中で女王としての自覚が目覚めます。

そして魔法のスプーンを扱えるようになるのです。

彼女に足りなかったのは、女王としての自覚と他の誰かの喜ぶ顔が見たいという気持ちだったのですね。

毎度のことながら「アンパンマン」のお話にはそういった教訓がさりげなく入っているから子供に見せるのにも安心です。

まあ、そういう教訓に我が娘が何か学び取ったのかは不明ですが・・・。

彼女はなかなかアンパンマンが出てこないので、「アンパンマンはどこ？」とずっと言っておりました。

「スパイダーマン ファー・フロム・ホーム」 スパイダーマンのDNA

「アベンジャーズ：エンド・ゲーム」に引き続き公開されている「スパイダーマン」の最新作。

MCUのフェイズ３の最終作として位置づけられています。

「エンド・ゲーム」のレビューの時にMCUはマルチバース的な安易な解決法を取らなかったと書きました。

ですので本作の前半でミステリオが登場し、彼が別のユニバースである「アース833」からやってきたと言った時、ちょっと驚きました。

マーベルのコミックはマルチバースは公式の設定となっていて、幾つものユニバースがあり、そのそれぞれにナンバーが付いています。

しかしマーベル・シネマティック・ユニバースでは今までマルチバースの設定は頑なに避けていたので、どうしてフェイズ３の最後の最後で安易な方向に行ってしまったのかとややがっかりもしました。

マルチバースそしてタイムトラベルは様々な矛盾や厄介ごとを一気に解決してしまうことができる魔法の杖ではあるのですが、これを安易に使ってしまうと物語の緊張感が一気になくなってしまうのですよね。

まさになんでもありになってしまうので。

MCUは非常に注意深く組み立てられてきているサーガであるからこその魅力もあったわけで、それが台無しになってしまうようにも感じたのです。

「エンド・ゲーム」が見事に作り上げられていたので、なおさら。

しかし！

そういうこちらの気持ちがわかっていたかのような、まさかの後半の展開には驚きました。

やはりMCUは安易な解決策に飛びつきはしなかった！

そこを書いてしまうとネタバレになってしまうので、そこには触れません。

ぜひ皆さんの目で確かめてください。

今回登場するミステリオというキャラクターをジェイク・ギレンホールが演じているというのがポイントです。

彼は一癖も二癖もあるキャラクターを演じるのが非常に上手い人です。

まさにミステリオは彼にぴったりのキャラクターであると言えるとだけ言っておきましょう。

またスパイダーマンそのものの物語としても見応えがあります。

「エンド・ゲーム」で師匠とも父とも言えるアイアンマンことトニー・スタークを失ってしまい、失意を覚えるピーター・パーカー。

アイアンマンは幾人もいるスーパーヒーローの中でも特別な人でありました。

人々もそう思っています。

そのスーパーヒーローの中でも最高のスーパーヒーローを失ってしまった人々はポストアイアンマンを求めます。

フューリーもその一人。

しかしピーターはその重荷を背負うことができないと、彼を避けます。

スパイダーマンは「親愛なる隣人」と呼ばれますが、ピーター自身も背負うことができるのは自分の身の回りの手がとどく範囲で精一杯と思っています。

世界を救うなどということは到底できないと。

サム・ライミ版、マーク・ウェブ版の「スパイダーマン」はピーターがスパイダーマンになるところを1作目で描きました。

どちらも彼は叔父さんの「大いなる力には大いなる責任が伴う」という有名な言葉でスーパーヒーローとして自覚します。

MCU版の「スパイダーマン」はこの有名なベン叔父さんのエピソードを採用していません。

本作を見て思ったのは、MCU版の「スパイダーマン」は2作目にして、スパイダーマンがヒーローとしての自覚を持つということを描こうとしているのだということです。

つまりはトニー・スタークは、ある意味ベン叔父さんと同じ位置付けであるのではないかということです。

トニー・スタークはあからさまに自覚を持てと言ったわけではないのですが、彼が残したメッセージから感じるのは、自分がいなくなった後の世界を任せたいという気持ちです。

ピーターはその重荷から逃げ回っていました。

しかしその結果、世界を危険な目に合わせてしまいました。

自分の弱さを自覚し、それだからこそ自らが持っている力とその責任を自覚することができたのです。

過去の「スパイダーマン」のピーターと同じように、ヒーローとして成長します。

その成長こそが「スパイダーマン」らしさ、「スパイダーマン」のDNAなのかもしれません。

＜ここから先はネタバレ＞

最後の最後でスパイダーマンの正体がバレるというのには驚きました。

ただこの衝撃はMCUの記念すべき第1作「アイアンマン」のラストでトニー・スタークが自分こそがアイアンマンであると宣言することにも通じる気がしました。

正体がバレたピーター・パーカーはより一層その力と責任を自覚しなくてはいけない立場となったのです。

まさにポストアイアンマンとしてピーターはその責を担うことができるのか、そこが第3作のポイントになるのではないでしょうか。

「ザ・ファブル」 二人の関係

これは面白かった。

事前に大きな期待をもって見たわけではなかったので、余計に得した気分になりました。

オープニングシークエンスからしてかっこいい。

今回岡田准一さんが演じるのは「ファブル」と呼ばれる殺し屋。

彼はどんな相手でも6秒以内に殺すと言われているほどの伝説の殺し屋です。

冒頭のシークエンスでは、彼が依頼を受け、ヤクザとロシアンマフィアの会合を襲うというシーンが描かれますが、これが見応えがあります。

今までも数々の作品で見せてきた岡田さんの身体能力もさることながら、「ボーン・アイデンティティ」などにも関わったファイトコレオグラファーが担当しているということで、本作のアクションはスピーディで洗練されています。

一瞬で状況を判断し、相手の急所を狙っていく様をスタイリッシュなグラフィックで描いているのにも監督のセンスを感じました。

このオープニングで一気に魅了されました。

後半のアクションシーンもなかなかに見応えがありました。

人を殺してはいけないと言われた佐藤は、大勢のやくざ者や殺し屋が襲いかかってくる中でも頑なにその命令を守ります。

いくら6秒で人を殺すことができる男であっても多勢に無勢。

そして守らなければならない人間を背負っての戦いです。

息もつけないほどの緊張感がありながら、センスが感じられるアイデアを盛り込んでいる切れ味の良いアクションでした。

このまま岡田さんのアクションをみせていく作品かと思いきや、ちと違う。

岡田さん演じる佐藤の育ての親とも言うべき、ボスから彼は一年間殺しを封じ、ただの一般人として生活せよという命令を受けます。

とはいえ、彼は子供のころより殺し屋として育てられた身。

いわゆる一般人の生活にはいまひとつ馴染みがないのです。

そんな彼のチグハグな行動が笑いを誘います。

佐藤の思考は、ある目的に最適で確実な方法をとるということと、状況変化に対応して臨機応変に対処するということが基本にあると思います。

ある意味、非常に無駄がない。

とはいえ人間というものは普通はとても無駄があったり、矛盾があったりする行動をとるものなので、だからこそ佐藤の行動が何かおかしさを伴うのではないかと思います。

本人はいたって真面目なのに笑いを誘うという佐藤を演じる岡田さんの芝居のニュアンスも絶妙だと思いました。

佐藤にとってボスの命令は絶対。

人を殺せという命令も。

こう書くと、彼とボスは冷たい関係のように聞こえます。

佐藤はボスに洗脳されたのではないのではないかと。

しかし本作を見ているとこの二人の関係はそのようなものではないと思えます。

佐藤がボスに寄せる気持ちは絶対的な信頼だと感じられます。

洗脳され、刷り込まれてしまったというわけではないようです。

まさに親を子が信頼するような気持ちに近い。

またボスにしても、陰ながら佐藤を守り、支えています。

おそらくずっと自分も殺し屋として生きてきたと思われるボス。

彼がある日、出会った子供の佐藤は一人では生きていけない状態であった。

彼が自分一人で生きていく術を彼は教えたいと思ったのでしょう。

しかし、ボスが教えられるのは殺すということだけ。

彼はそれを佐藤に教えた。

一人で生きていけるようにするために。

そして佐藤もそれを感じ、だからこそ絶対的な信頼を持つようになったのでしょう。

しかし、ある時ボスは佐藤を普通の人間として生きていけるようにしたいと考えたのです。

何がきっかけであったのかはわかりません。

自分のように殺し屋として一生を終えるようにはしたくなかったということなのでしょうか。

もしかしたらボス自身の寿命が尽きようとしているのかもしれないのかなとかも考えました。

自分がいなくなる前に、佐藤が普通の人間として生きていけるようにしたいと思ったのかもしれません。

もうちょっとこの二人の関係性を見てみたいと思いました。

「スノー・ロワイヤル」 オヤジ、暴走する

明らかに配給会社は意識していたと思いますが、予告編から受ける印象は同じくリーアム・ニーソン主演の「96時間」。

あの作品は面白かった。

中年というよりは熟年と言ってもいい年頃の男が主人公ながら、キレキレのアクション映画となっていたのが、新鮮でした。

リーアム・ニーソンは「シンドラーのリスト」で名前が知れ渡るようになっていましたので、それまでアクションというイメージはあまりなかったと思います。

しかし、「96時間」以降はアクション映画に数多く出演し、このジャンルのイメージが強くなりました。

ですので、本作も予告を観た時は「96時間」的なアクション映画という印象を受けました。

確かに本作はアクション映画なのですが、観ていると途中から何か座りが悪いようなシュールな印象を受けます。

アクション映画の構造というのは実は単純で、基本的には主人公にとって許しがたい敵を、どうにかして最後はやっつけるという展開なのですね。

しかし、本作はその構造がこれがややずれています。

基本的にはこの作品は主人公は殺された息子の復讐劇となっています。

通常のアクション映画であれば、息子を殺した犯人側が主人公に対抗していくことにより物語は展開していくと思います。

しかし、本作は違う。

主人公は真犯人を追っていくのですが、その過程での殺しを、舞台となる街で対抗するマフィア同士が互いの仕業であると勘違いをし、大きな抗争へ発展してしまいます。

つまり主人公の行動が起点とはなっているのですが、どんどん展開があらぬ方向に転がっていってしまうのです。

主人公の思惑とは関係がないところで、築かれる累々とした死体の山。

不条理と言うべきか、シュール言うべきか。

アメリカの評論では「『96時間』をタランティーノが撮ったらこうなる」というものがあったようですが、言わんとしている事はわかります。

個人的にはタランティーノはそれほど得意な方ではないので、本作についても後味すっきりな感じが少なく、苦手な感じはしました。

上でも書いたアクション映画の定石からややずれるというところが座りの悪いと感じたところなのですが、それこそがこの作品の特徴であるとも言えます。

この展開を、この感覚を楽しめるかどうかで、この作品の評価が分かれると思います。