「TENET」 カーチェイスシーン解説

「Tenet」の2回目を見てきました。
２回目の鑑賞で全体の構造はよく分かったのですが、やっぱりわかりにくかったのはカーチェイスシーンの部分です。
このシークエンスは登場人物が順行の人、逆行の人が入り乱れるで、とてもわかりにくい・・・。
見てただけじゃわからなかったので、図式化して整理してみました。
それぞれの登場人物の矢印がその人にとっての時間の流れです。
図の上から下への流れが世界の時間の流れ（順行）ですね。
たぶん、これで合っているはず・・・。

＜図はクリックすると大きくなります＞

・「名もなき男」視点
 基本的に映画の中で語られている順の通りに進みます。

・セイター視点
こうやって図式化してみると、このシークエンスで登場するセイターはほぼ逆行しているんですよね。
逆行を知り尽くしている彼は、逆行している自分が順行者からどう見えるかが分かっています。
キャットを撃つときも弾丸が発射された後の拳銃を取り、負傷したキャットを逆行弾で打ちます。
高速道路で名もなき男を脅かす時も、名もなき男から見れば「３、２、１」とカウントダウンされているように見えますが、逆行セイターからすれば「１、２、３」と数えているわけですね。
逆行している途中でベンツからアウディに乗り換えるところがちょっとややこしい。

・キャット視点
キャットは逆行していないので、彼女自身の動きはシンプル。
しかし、劇中で描かれているときは逆行セイターと一緒なのでとても複雑に見えます。
劇中に描かれているのは「名もなき男」視点ですので。
彼女は順行セイターに蹴られた後、フリーポートから連れ出されますが、連れ出すのは逆行セイター。
つまりAudiに彼女が乗せられた時、セイターから見ればキャットを下ろしたということになります。
劇中でもチラッとそこが映りますが、ちょっと動きが不自然な感じがあるんですよね（順行主人公と逆行主人公の格闘シーンのような）。
同様にAudiから「名もなき男」と一緒に連れ去られるところは、セイター視点で言えば（逆行弾で回復した後の）キャットをAudiの乗せたというようになります。

ややこしい・・・。
一応整理できたような気がするので、もう一回見るか・・・。

「TENET テネット」考えるな、感じろ

クリストファー・ノーランの最新作です。

時間の逆行を題材にするという話は聞いていたので、「メメント」「インセプション」「インターステラー」的な複雑な構造の作品かと思い、伏線などを見逃さないようかなり集中して鑑賞しました。

にもかかわらず、中盤くらいまでは劇中で起こっていることが理解できずにいました。

というのも、世界の時間全体が逆行するわけではなく、時間が順行する中に、逆行する人や物があるという状況がなぜ起こっているかがわからなかったからです。

途中まで話が進んだ時に、これは考えながら見てはいけない、とふと思いました。

なぜこういう状況になっているかという謎解きの部分を考えながら見ていると、そこが気になってストーリーから振り落とされると気づいたのです。

この作品はノーランが語る物語に身を任せて、見ていった方がいい。

まさに「考えるな、感じろ」です。

語りに身を任せて見てみると、ストーリーはそれほど複雑でないことに気づきます。

主人公である「名もなき男」も最初は全容がわからないままに、絡まった紐を解くかのように任務を進めていきます。

彼と同じように、訳がわからないままに物語を見ていけばいいのです。

ストーリーテリングはノーランにしてはとても親切なので（設定が複雑なためそのようにしたのか？）、ついていく事は難しくないと思います。

＜ここからややネタバレ＞

原題の「TENET」とは信条という意味ですが、文字の並びが怪文となっています。

回文とは頭から読んでも、後ろから読んでも同じように読めるという文章のことを言います。

まさにこの物語は回文の構造となっています。

時間の通常の過去から未来へという通常の流れと、逆の未来から過去へという流れが混在している様を描きます。

本作の中で時間を逆行させることができる装置として「回転ドア」が出てきます。

その「回転ドア」を中心にして時間の流れが逆行する。

「回転ドア」を回した時が特異点のようになります。

このような時間の中での特異点がいくつか物語の中で登場しますが（オスロの空港のシークエンスなど）、物語全体で見た時の時間の中での折り返し地点と現在の中間にある特異点が、クライマックスでのシベリアでの爆発になるのでしょう。

ここが全ての出来事の終わりとも言えますが、全ての出来事も始まりとも言えます。

主人公は日本のパンフレットでは「名もなき男」と書かれていますが、タイトルの英語では「protagonist」とあります。

「protagonist」」とは「主役」という意味であり、「主唱者」という意味でもあります。

まさに本作の冒頭ではただの駒、パーツとして扱われていた男こそが、この壮大な作戦を作り上げた「主役」であることが明らかになるのです。

「主唱者」でもある彼は「TENET(信条）」を唱える者でもあったわけです。

基本的には主人公たちの時間の流れ（順行）で物語は進みますが、彼らが見たり体験したことは逆行してきた者たちが引き起こしたことであることがわかります。

そうなると、この物語はあらかじめ決められた出来事を追っているということなのかもしれません（運命論的な）。

とはいえ、この物語は全てがうまくいったというバージョンのものかもしれず、彼らの作戦が失敗したという幾つもの他のバージョンがある（いわゆるマルチユニバース的な）見方もあるかもしれません。

最初に見るときは、あまり考えずに感じるままに見るのが正解で、見終わった後に考察して、その後もう一回見るのがいいのかもしれません。

映像に関しては文句なし。

これはどうやって撮っているのだ？と考える場面が所々にあります。

順行の者と逆行の者の格闘シーンなどもどうやって撮ったのかさっぱりわかりません。

クライマックスの戦闘シーンも全くどうやっているだか・・・。

ノーランの頭の中はどうなっているか一度見てみたい。

「ドラえもん のび太の新恐竜」

「ドラえもん」という漫画は、絵を描くことや映像への興味、歴史や科学への好奇心という今の私を形作る重要なファクターとなっていると思う。

発売されるコミックは何度も何度も読み返したし、毎日放映されたアニメはテレビの前にカセットレコーダーを構えて全て録音をしていた。

その「ドラえもん」が映画になった時、ワクワクしながら見に行ったのを覚えている。

同時に連載をしていたコロコロコミックも毎月発売日を心待ちにしていた。

「のび太の恐竜」は長編であるだけに舞台も壮大で、かつドラマチックであった。

短編の「ドラえもん」しか知らなかった私にとって、「ドラえもん」の可能性が広がったのを感じたのを覚えている。

しかし、３、４作を見たあとは劇場版の「ドラえもん」を見に行くことがなくなった。

その頃はもう中学生となっていたから、「卒業」をしていたのだ。

しかし「のび太の恐竜」から40年の時を経て、私は再び「ドラえもん」の映画を見に行くことになった。

今度は４歳の娘と一緒である。

今回の「ドラえもん」の映画のテーマを 奇しくも一作目と同様に恐竜。

本作は川村元気さんによるオリジナル脚本ということだが、冒頭からの展開は「のび太の恐竜」と類似している。

のび太が育てるのはフタバスズキリュウのピー助ではなく、始祖鳥のように羽毛を持つ双子の恐竜キューとミュー（ピー助はちらりと本作にも登場します）。

４歳児の娘と見に行ったのだが、本作の尺は2時間弱、最後まで耐えられないだろうと思っていた。

昨年見に行った「アンパンマン」ではふらふらと席を離れてしまっていたから（「アンパンマン」の場合は OKなのだが）。

しかし、今回は基本的にしっかりと席に座り、最後まで映画を観賞してくれていた。

物語をきちんと理解する力がついているのだなと、子供の成長を実感した。

「のび太の恐竜」でもあった描写だが、のび太が育てた恐竜を白亜紀の仲間の群れに戻そうとする描写がある。

現代で育てられた恐竜はすぐには群れに馴染みにくい。

「のび太の恐竜」ではそこはわりとあっさりと描かれるのだが、本作では違う。

飛ぶことができず体が小さいキューは同じ種である恐竜たちに攻撃されてしまうのだ。

同族ではないと思われたのか、それとも異なる者は排斥されるのかは分からない。

うちの娘はこの場面で泣いていた。

他にも恐竜が襲ってくる場面があって怖がってはいたが、泣いてはいなかった。

この場面は他者と異なる者が、仲間外れにされる場面である。

泣いた理由を聞いたら、かわいそうだからと言っていた。

登場人物に共感できる優しい気持ちを持っていていい子に育っていると私は感激した。

この場面は本作が「のび太の恐竜」とは異なるオリジナル作品としても重要である。

現代ではダイバーシティの価値観が重要視されているが、なかなかそれが実践できているとは言い難い。

見かけが違う者、能力が違う者、価値観が異なる者が排斥されるのは日本に限らず世界各国で見られている。

異なる他者を受け入れることが大切であるのに、それがなかなかできない。

その異なることがもしかすると次のイノベーションにつながる可能性もあるかもしれないのに。

無様な動きで滑空ができなかったキューが、羽ばたきを覚え鳥への進化の道筋を作ったように。

そう考えるとこの作品のテーマはダイバーシティだと思う。

多様性こそがディープインパクトという世界を滅ぼすような出来事があっても、生物種は生き延びた。

異なる者を排斥することは、結果的に我々自体の生き延びる選択肢を狭めることにつながっているかもしれない。

「ドクター・ドリトル」 ぜひ親子で鑑賞を

ロバート・ダウニーJr.がMCUを卒業して、次に選んだのはドクター・ドリトルです。

原作は世界中で愛されている有名な「ドリトル先生」シリーズ。

古典を選んできたところは意外ですが、彼は「シャーロック・ホームズ」でもシャーロックをそれまでとは違った新しいイメージで演じているという実績があります。

私は原作は未読なのですが、映画のドリトル先生もかなり原作のイメージとは違うようですね。

原作のドリトル先生は英国紳士として描かれているようですが、ロバートのドリトルはそれとはかなり外れたイメージで、ユーモアのある人物として描かれています。

シャーロックもトニー・スタークもそうでしたが、このユーモア感というのはロバート・ダウニーJr.らしいところなのかもしれません。

原作は子供向けの物語のイメージがあったので、本作も子供向けの作品だと思って見に行きました。

しかし、これも意外だったのですが、大人が見ても結構楽しめます。

もちろん子供も十分楽しめると思います。

ストーリー自体は複雑ではなく、わかりやすいですし、喋る動物たちとドリトル先生のやりとりも面白い。

子供たちが自身を投影しやすい助手のスタビンズ少年というキャラクターもいます。

前半の方から見せ所のアクションもあり、割といいタイミングで飽きさせないように盛り上がりを作っています。

それほど長い作品でもないので、子供も飽きずに最後まで楽しめるのではないでしょうか。

とはいえ、大人だと楽しめないかというとそうでもないと思いました。

もちろんストーリーはとてもシンプルなので、複雑な物語を好む方は合わないかもしれません。

ただ本作のドリトルは妻を亡くしてしまったため、人との接触を断ち、ずっと一人で暮らしてきた人物です。

ユーモアを絡めて話す彼ですが、その心の奥底は悲しみで満たされています。

それがあるきっかけで冒険に旅立つことになり、その旅路で動物たちやスタビンズ少年との交流の中で次第にその悲しみが癒されていきます。

誰でも大切な人を失って悲しみに暮れることはあるかと思います。

そこから立ち直っていくときのきっかけは、やはり周囲の家族や友人たちとのだったりするのですよね。

ですので、このお話は大人でもキャラクターに共感を持てるものになっていると思います。

本作は元々春休み映画で公開される予定でした。

親子で見に行くには絶好の作品だと思います。

「チャーリーズ・エンジェル」(2020年) 女性の美しさとは

2000年、2003年とキャメロン・ディアス、ドリュー・バリモア、ルーシー・リュー主演、マックG監督で公開された「チャーリーズ・エンジェル」のリブート版です。

リブートと言っても、設定的にはそれらを受け継ぐ形となっており、写真でキャメロンたちの姿を見ることができます。

基本的にはスパイ美女たちが事件を解決していくというフォーマットはテレビシリーズ、マックG版と変わらないのですが、やはりディテールは現代的にアップデートされています。

元々テレビシリーズのエンジェルたちは、金髪グラマーというアメリカンな美女たちでしたが、マックG版で初めてアジア系がメンバーに入り、そして本作でもよりメンバーも多様性を広げています。

本作のエンジェルの一人サビーナを演じるのはクリスティン・スチュワートです。

私生活で彼女は女性と付き合っていることをオープンにしていますが、本作のサビーナも同性愛者であるという設定のようです。

本作の監督はエリザベス・バンクスで、本作では重要なキャラクターとしても出演もしています。

シリーズ初の女性監督ということですね。

「チャーリーズ・エンジェル」というシリーズは時代とともに変わっていく女性の立ち位置をキャッチアップして進化してきていると言えるでしょう。

テレビシリーズの頃は、女性に求められるものというのは表面的な美しさ、それもステレオタイプなパツキングラマーというものでした。

しかし2000年の映画では、個性が異なり、また見た目もかなり違う３人が主人公となり、それぞれの女性がそれぞれの美しさを持っているということをメッセージとして持ち始めたと思います。

それはプロデューサーでもあったドリュー・バリモアの考えであったのかもしれません。

それが本作ではその考えがさらに強まり、それぞれ女性の生き方は自分で決めていくことが、その人の生き方の美しさであるというメッセージになっていると思います。

サビーナは裕福な生まれであったようですが、その価値観故にドロップアウトしたようです。

またメンバーの一人ジェーンはMI６に属していましたが、その組織の冷徹さが受け入れられず、エンジェルになります。

そして事件の中心人物となるエレーナも属する組織の考え方に疑問を持ち、それと戦おうとします。

彼女たちは自分自身で考え、その考えに基づき自ら選び行動する。

表面的な美しさではない、生き方の美しさこそが女性の美しさだということなのかもしれません。

アクション映画としても見どころとしてはまずまず。

ストーリーも終盤で捻りも入りますので、退屈しません。

出演者はキャメロン・ディアスのような華やかさはちょっとないので、映画としてのゴージャスさはちょっと足りない感じはありますが、合格点だと思います。

「ターミーネーター/ニューフェイト」 正統な続編ではあるが、越えてはいない

「ターミーネーター２」の正統な続編として宣伝されている本作。

「２」以降のこれまでのシリーズはなかったことにされているわけですが、それは今回に限ったわけではありません。

逆に言えば「２」が革新的であったため、その後の作品がそれを越えることができなかった歴史と言うこともできます。

果たして「正統な続編」である本作は「２」を越えることができたのでしょうか？

興行的には人は入っているようですが、私見では本作は偉大な「２」を越えることはやはりできなかったと思います。

と言うよりは、本作については様々な点で既視感があり、「２」を焼き直したように感じたのです。

「ターミネーター２」が革新的であったのは、成功した一作目をそのまま発展させるのではなく、思い切って新たな切り口を用意して提示したことによります。

一番のポイントは敵役であったアーノルド・シュワルツェネッガー演じるターミーネーターを一転して主人公たちの守護者として描いたことです。

公開当時、私はその展開にとても驚いたことを覚えています。

あまつさえ、そのターミネーターが死ぬ（あえてこう書きますが）シーンでは、泣けてきさえしたのです。

ターミネーターが死ぬシーンで涙を誘われるとは！

もちろん液体金属でできた新型ターミネーターのCGの描写にも驚かされました。

激しい攻撃にも頑丈さで不死身の強さを見せていた旧型ターミネーターに対し、柔軟さと変幻自在さで対抗するというのも発想の転換で面白かったです。

この作品はコンピューターグラフィックスの使い方でその後の作品に計り知れない影響を与えました。

続編に前作とは全く異なるアプローチをするのは、ジェームズ・キャメロンが「エイリアン２」でも見せていたところです。

今まで見たことのないSFホラーとして仕上げられ大ヒットした一作目を、SFミリタリーとし、さらにはリプリーをタフな女性ヒロインとして描きました。

これも予想外の展開でしたが、それゆえに革新的でした。

ジェームズ・キャメロンは「アバター」でも3Dといった新しい表現方法に挑むなど、常に革新的なアプローチをするクリエーターです。

今回は彼がプロデューサーに名を連ねているということで期待もあったのですが、しかしそれは期待通りにはいかなかったと感じました。

本作においての敵である新しいターミネーターは二つに分裂することができるという新しい能力を持っているとは言え、「2」でT-1000が登場したときの衝撃度には全く及びませんでした。

それは本作においてだけではなく、歴代の「ターミネーター」シリーズが越えられなかった点でもあります。

それだけ「ターミネーター２」のアイデアが秀逸であったことの証左でしょう。

未来から刺客が送り込まれ、また未来から来た戦士がそれを守るという構造も今までのシリーズと同様です。

「２」は前作で刺客であったT-800の役割を守護者とし、全く逆にしたところがアイデアとして優れていました。

その後のシュワルツェネッガーが演じるT-800は守護者となり、それは本作でも変わっていません。

そのため細かいディテールは変わっていたとしても、基本的には「ターミネーター２」と同じような物語に見えたのです。

＜ここからネタバレ＞

見る前にエドワード・ファーロングが出ているといった噂を聞いていて、本作を観始めた冒頭で、なるほどこれか、と驚きました。

さらにはその後の展開ではさらに驚きました（悪い意味で）。

「エイリアン３」を観たときのざわざわした気持ちになったのですよね。

あの映画でも「エイリアン２」でリプリーが必死な思いをして救った少女ニュートがいきなり死んだことにされていました。

本作でもそうです。

「エイリアン２」も「ターミネーター２」にも思い入れが強くあり、登場するキャラクターにも深い愛着を感じていたので、このような展開をされるとぞんざいに作品を扱われた感じをしてしまいます。

その時点で私の本作に対しての心象は悪くなったことは否定しません。

「ターミネーター２」と同じような話が繰り返された意味を深く解釈してみましょう。

「２」でサラ・コナーはジョンを守り抜くことにより、「審判の日」を回避することができました。

しかし本作では「審判の日」を迎えなかった未来からの刺客が別の人間を殺すためにやってくるのです。

ターミネーターを作ったのはスカイネットではなく、別の覚醒したAIでした。

つまりいくらターミネーターを作ったコンピューター（AI）を破壊したとしても、いずれ別のAIが覚醒し人類を滅ぼうそうとするということになるのではないかということです。

つまりニューフェイトとは、人類が進むであろう運命、それも悲劇の運命を表しているとも読めるかもしれません。

昨今AIの開発が進み、近い未来にシンギュラリティが訪れるとも言われています。

その時にコンピューターは人類をどう見るのか。

そういうことを考えると、「今」を掴んだテーマであるかもしれません。

「ダンスウィズミー」 自分の解放

「ウォーターボーイズ」「スウィングガールズ」の矢口史靖監督の最新作です。

今回の題材はミュージカルです。

ミュージカル映画好きなんですよね。

自分では歌ったり踊ったりするのは苦手なのですが、なぜかミュージカル映画は好きなのです。

でも昔はあまり好きではありませんでした。

主人公の静香が劇中で言っているように、それまで普通に会話していた人たちが歌い出すっていうのに違和感を感じていたのです。

しかし、映画「シカゴ」を観たあたりから好きになって、ミュージカル映画が公開されると劇場に足を運んでしまうのです。

でもなんでミュージカル映画が好きになったのかが本作を観てわかりました。

静香は東京の洒落たマンションに住んでいて、大手の企業に就職できた勝ち組OLです。

仕事もできるらしい。

彼女は幼い頃の大失敗のトラウマからミュージカルが大嫌い。

にも関わらず、ふとしたことから催眠術にかかってしまい、歌を聴くと歌って踊ってしまうミュージカル体質になってしまいます。

仕事中でもデート中でも音楽が流れると踊ってしまう。

それは大層困りもの。

そのため彼女は自分に催眠術を解いてもらおうと催眠術師を探し出すために旅をすることになってしまいます。

彼女は音楽が流れると踊ってしまうという困った体質になってしまいますが、旅を続け、いろいろな人に関わり、歌って踊っているうちに、彼女の表情が次第にイキイキとしていくことに気づきます。

自分でも気づかなかった本当の自分に彼女自身が気づいていくような。

思えば歌うこと、踊ることというのは自己表現なのですね。

自分の娘も３歳になると、日々歌って踊っている。

何か自分の気分を表現したいという衝動があるような感じがします。

大人になるにつれ、恥ずかしさとかを覚えてそういうことはしなくなると思うのですが、歌と踊りには自分を解放するという作用があるのかもしれません。

自分がミュージカル映画が好きなのも、映画を観ている時は、自分も歌って踊っているような気分になれるからかもしれません。

確かにミュージカル映画を観た後は、気分がスッキリしているような気がします。

主人公静香を演じているのは子供の頃より子役で活躍している三吉彩花さん。

最近は雑誌のモデルなどをしていたようです。

すらりと背が高く、そして手足が長いので、ダンスをしている時の様子はとても映えますね。

実は彼女は子役の頃をちょっと知っていて、随分と大きくなってそして綺麗になっていて驚きました。

これからの活躍に期待です。

「ドラゴンクエスト ユア・ストーリー」 ゲーム世界からの放出

人生で初めてプレイしたRPGが、大学浪人をしていた時に友人が持っていた「ドラゴンクエスト」の第1作でした。

今までにないゲーム体験でとても驚いたのを覚えています（それまではシューティングゲームばっかりでした）。

受験を控えていたため、自分でファミコンとソフトを買ってしまったらおしまいだという理性は働いたので、大学合格まではお預けにしましたが。

そして社会人になってすぐぐらいにリリースされたのが「ドラゴンクエスV 天空の花嫁」でした。

これもスーパーファミコンを買うきっかけになった作品で、このために何度も徹夜をしたのは言うまでもありません。

さてその「天空の花嫁」を３Dアニメとして映画化したのが、本作品です。

観る前から色々とネガティブな評価を耳にしました。

曰く「原作に対する冒涜だ」などといったようなものです。

コミックでもゲームでもオリジナルが人気作品であればあるほど、その映像化作品は細かいところが気になる人が多いものです。

自分もオリジナルゲームのファンでしたので、そういうところはわかります。

ですので本作を観る前の私のスタンスとしては、あまり期待しすぎないようにしようというものでした。

ということでしたので、見初めて終盤まで行くまでの私の感想としては「意外にも面白いじゃないか」というものでした。

もともとオリジナルのゲームはストーリーとしてもかなり長いものでしたので、それを2時間程度にまとめるというのには脚本でかなり力技が必要だと思います。

本作においてはオリジナルのストーリーの中で省くところは省き、見せるべきところは見せるという判断が的確であったと私は思います。

ゲームをやったのはかれこれ20年以上も前なので細かいところは覚えていないですが、原作のエッセンスは活かしていたと感じました。

お嫁さんを選ぶときのドキドキした気持ちなども思い出しました。

ですので、なんでこの映画が「原作の冒涜」と言われるほど酷評されているのか理由が終盤までわかりませんでした。

ただ終盤のある問題の箇所にきたときに、ひどい評価を得てしまっている理由がわかりました。

個人的にもあのメタな展開になぜわざわざいったのかは疑問です。

素直にあのままエンディングを迎えても十分に面白い作品であったと思いますし、原作ファンもそれほど文句は言わなかったでしょう。

それでは監督はなぜあのような展開にしたのでしょうか。

考えるに決して原作を冒涜するためではなく、ゲームに対するリスペクトであったのではないかと思います。

基本的に映画というメディアでは観客は制作者が決めたストーリーを追うことしかできません。

それを不自由であると考えることはできます。

それに対してゲームは自分の選択によって結末を変えることができます。

特に「天空の花嫁」は中盤の「お嫁さん選び」は自分の人生を左右するような感覚にプレイヤーがなり、ドキドキしたと思います。

プレーヤーの選択によってストーリーが変わる。

それは自由度が高いと言えると思います。

そういったそれぞれのストーリーがある（だからこその＜ユア・ストーリー＞というタイトル）ということがオリジナルゲームの画期的なところだったのだと思います。

ゲームが持っている映画とは異なる良さを、映画として表現したというのが、あのメタな展開であったのではないかと考えました。

ただ、それが観客が求めていたことと同じだったかどうかは別問題です。

映画よりは自由度が高いとは言いながらも、ゲームとてある一定幅のストーリーラインはあります。

そのストーリーラインに魅力を感じていたファンは、それに身を委ね、あの世界にいるかのような没入感こそが大事だったのではないでしょうか。

本作のメタな展開は、そこからいきなり放り出されるように感じさせるものだったような気がします。

冷や水を浴びせさせるような印象でしょうか。

監督としてはゲームを肯定的に捉えているからこその表現だったかと思いますが、その世界が好きなファンからすると強制的にあの世界から放出されるような感覚は冒涜的であると感じたのではないでしょうか。

「天気の子」 一筋の陽の光

今年の東京はずっと梅雨が続き晴れ間がありません。

まるで「天気の子」で描かれる東京のように。

物語の中で言われているように天気は人の気持ちを変える力があります。

晴れ上がった朝は人を元気に、雨ばかり続くときはちょっと陰鬱に。

このところちょっとばかり悶々とすることがありましたが、本作を見て少し陽の光が心に差してきたような気がします。

「世界は元々狂っている。」

そうかもしれません。

世界を変えてしまったというのは、彼らの思い込みなのかもしれない。

けれど人を好きになり、そして世界と引き換えにしてもいいと思えるほどに人を愛せるということは何て素晴らしいことなのだろう。

前作の「君の名は。」もそうでしたが、描かれる物語の中心にあるのは若い男女が惹かれ合う気持ちです。

そんなものは世界に比べればとても小さいものです。

だって地球上には何億もの人間がいて、それぞれが恋して、愛して生きている。

その中のたった一つの恋だから。

けれどそのちっぽけな恋は世界と引き換えるほどに大切なものでもある。

愛しているという気持ちは、他の何よりもその人のことを大事だと思うことだから。

誰かを愛している人にとっては、それは自分自身よりも、そして世界よりも大切なことなのです。

帆高にとっては自分よりも世界よりも陽菜のことが大事になったのです。

そこまで人を愛せるのはすばらしい。

眩しい。

ずっと雨が続く東京に、まるで光の回廊のように降りてきた陽の光。

まっすぐでキラキラとしている陽の光は、恋をしている少年のピュアな気持ちを表しているよう。

ちょっと眩しくなるくらいに。

新海誠監督の作品はアニメーションであるのに光の描写が独特で美しい。

まさに本作は彼の特徴的な光の描写の真骨頂です。

雨ばかりの東京にさす一筋の太陽の光。

ベールが剥がされるかのように一気に腫れ上がる空。

ずっと重苦しい天気が描かれる本作の中で、その光の演出はさらに際立ちます。

冒頭に書いたように映画の中で陽が差すだけなのに、自分の心にも暖かい光で満ちてくるような気になります。

映画の中のラストシーンはやはり雨が降っているのですが、心の中は晴れ渡って終われました。

「トイ・ストーリー４」 幸せの多様性

「トイ・ストーリー３」が非常に綺麗な形で収まっていただけに、その続編はどのようになるのか、興味深さと心配とが入り混じった気持ちで見に行ってきました。

見終わった後の気持ちとしては、ちょっとした困惑でしょうか。

おそらく今までの３作とはちょっと違った視点を入れてこの作品を見てみないと、整理できないかもしれません。

今までの３作は「おもちゃにとって子供に愛されることこそが幸せ」というのが、一貫したテーマであったと思います。

初期の2作はその「子供」がアンディであったわけですが、「3」でアンディが大人になり、おもちゃたちがボニーにもらわれて行くことによって、その「子供」の定義の範囲が拡大し、子供は変わっても愛され続ければおもちゃは幸せになれる、と締めくくられたわけです。

子供たちが「卒業」しても、おもちゃたちが幸せであり続けられることを示したことにより、彼らの未来が暗くはないということが感じられ、ハッピーな気持ちで見終えられたのだと思います。

フォーキーという新キャラクターがポイントになります。

このフォーキーは、ボニーが使い捨てのスプーンやモールなど捨ててしまうようなもので作られた手作りおもちゃです。

このフォーキーがボニーにとっては一番のお気に入りのおもちゃとなりました。

もともといらないものから作られた彼はおもちゃとしての自覚はなく、自分をゴミだと思い、隙あらば自らゴミ箱に飛び込もうとするのです。

それをウッディを中心におもちゃたちが止めようとします。

彼らからすればあんなにボニーから愛されているのに、なぜ自分をゴミだと思い込むのかがわからないのです。

この「おもちゃとしての自覚」がポイントなのです。

おもちゃの幸せは子供に愛されること。

それを当たり前の常識として受け入れているのがおもちゃなのです。

フォーキーの存在が、ウッディの価値観（おもちゃとしての自覚）を少し揺るがします。

そしてもう一人。

それは以前に一緒にアンディの家にいたボー・ピープというアンティーク人形です。

彼女はアンディの家からもらわれていき、それから幾人もの手を経て、アンティークショップにたどり着きました。

彼女は自ら誰かのものとなるという道から外れ、幾人かの仲間と共にノラのおもちゃとなることを選びます。

子供に愛されるのがおもちゃとしての幸せという価値観を捨て去っているのが彼女なのですね。

ウッディの価値観を揺るがしたのがフォーキーであり、そして決定的にパラダイムシフトをかけたのが、ボーなのです。

おもちゃの幸せは一つしかない、それは子供たちに愛されること。

しかし愛されないおもちゃは幸せではないのか。

この作品はそういうわけではない、ということを言っているような気がしました。

これは結婚して子を産むことが幸せで、そうでない人は不幸せであるといった固定化したものの見方に物申しているというようにも思えたのです。

（ウッディの考え方にパラダイムシフトをかけたボーが大人の自立した女性のイメージで描かれていることはそのためかもしれません）

本作は何を幸せと思うかというのはそれぞれ個人によるのであり、決して誰かに決められるものではないということを言っているような気がします。

子供に愛されることを幸せと思うこともよし、自分で行く道を決めていくことを幸せと感じることもよし。

どちらがいいということはない。

幸せの多様性ということでしょうか。

フォーキーが次第におもちゃとしての自覚を持っていくことも、決してウッディが以前持っていた価値観を否定するのではないということを表しているのだと思います。

本作を見て感じた最初の戸惑いは、当たり前だと思っていた価値観を少し揺さぶられたからだと色々考えて思いました。

子供から愛されるのがおもちゃの幸せという範疇であるならば、全3作でしっかりと完結していると思います。

この4作目はその枠組みすらを飛び越えた視点で物語られているのだと考えます。

私と同じように困惑した方は、ちょっと視点を変えて見てみると、また別の評価になってくるかもしれません。