「アド・アストラ」孤独に焦がれ、孤独を恐れる

本作はスペース・アクションと銘打たれているが、その本質は違う。

確かにオープニングの宇宙エレベーター（？）のシークエンスや、月面車でのチェイスシーンは今まで見たことがない、宇宙でのアクションシーンとは言えるし、舞台の多くは宇宙である。

しかし、本作はそのようなシーンをことさらに見せたかったわけではない。

どちらかと言えば、何が起こっても異常なほどに沈着冷静であるロイというキャラクターを描くためにあったと言ってよい。

私は本作のテーマは「孤独」であると考える。

その反対の「繋がり」であると言ってもいいだろう。

宇宙というシチュエーションはその「孤独」を描き出すには最適の舞台であるがゆえの選択であるように思う。

これが「深海」であっても成立するような気もするが、ただ後に描く理由により、やはり宇宙の方がベターであるだろう。

主人公ロイは孤独な男である。

普通に社会生活をおくれているようであっても、彼はその内面を他の者にされけだすことはない。

妻であった女性にもそれは同じであり、それ故に彼女は彼から離れていった。

ロイは劇中の多くのシーンで宇宙服を着ているが、まさに宇宙服が彼と他の人々との関係性を象徴している。

自分を守る厚い皮膜、直接触れることができない関係性だ。

彼は自身のそのような性向に気づいているものの、それをどのように解消していいかわからない。

またそのような状態でいる方が心地よいとも感じてしまう。

これは個人的にはわからない感覚ではない。

自分もどちらかというと内面をさらけ出す方ではないし、一人を好む性向がある。

直接的な感情表現をする人は付き合っていても苦手であるのだ。

一人になりたいということもしばしばある。

もう一人の主要な登場人物はロイの父親であるクリフォードだ。

彼は地球外生命体の探索のため、遠く海王星まで遠征し、そこで消息を絶った。

彼を探しに行くことが、ロイのミッションとなる。

クリフォードは地球外生命体の探索に異常なほどの熱意を燃やす。

結果、彼の方針についていけないプロジェクトのクルーを殺害してしまったほどだ。

そのプロジェクトは努力にも関わらず、成果をあげられなかったようだ。

すなわち人類以外の知的生命体の痕跡を見つけられなかったということだ。

それは人類がこの宇宙において唯一の知的生命体であったということ意味する。

それをクリフォードは認められない。

なぜか。

彼は人類が「孤独」であることを知るのを恐れたのであろう。

孤独であることは恐怖を伴う。

なぜならば自分が存在することに誰にも気づいてもらえないことを意味するからだ。

そうなると自分が存在する意味はあるのかという根源的な問いに至ってしまう。

一方、クリフォードは妻と子を捨て、宇宙へ旅立った男でもある。

彼は自分のやりたいことのため、しがらみを一切捨てたのだ。

この感覚もわからないではない。

家族は愛しているものの、一人になりたいと渇望することもあるものだ。

つまり人間には孤独になりたくないという気持ちと、孤独になりたいという気持ちは同時に存在しているのだ。

ロイは父親を見つけるために深太陽系を目指す旅の中で、地球から離れるほどに精神的に不安定になる。

より孤独になる環境に向かう中で、人々との繋がりが薄れることによるのだろう。

孤独になりたいという気持ちは遠心力だ。

また繋がりたいという気持ちは引力だ。

ロイは遠心力で深宇宙に旅をしていったが、より孤独が深まる中で、人と人とをつなぐ引力が切望するようになったのかもしれない。

遠心力と引力のバランスが取れた場所が軌道である。

人間は孤独になりたいという気持ちと、孤独になりたくないという気持ちのバランスが取れた軌道を見つけなくてはいけないのかもしれない。

そしてそれはパートナーと同じ軌道に入れることが望ましいのだ。

ロイは旅路の果てにそのバランスを見つけることができた。

クリフォードの場合は正反対になる。

彼が恋焦がれるのは、つまり引力の方向が外宇宙なのだ。

彼は他の生命体とのコネクトを求めている。

その方向性が引力で、地球に向かう方向性は彼からすると遠心力なのだ。

結局、彼は強い引力に引かれ一人宇宙に旅立った。

冒頭に書いた宇宙を舞台にしたことの意味はここにある。

人間の関係性における遠心力と引力を描くためのメタファーとして宇宙が適しているのだ。

人との関係性の遠心力と引力のバランスが取れた軌道を見つけられれば、人は心地よく安らかに生きていけるのだろう。

「ヘルボーイ（2019）」 原作の雰囲気に忠実ではあるが凡庸

原作者のマイク・ミニョーラが脚本にタッチしているからか、ギレルモ・デル・トロの「ヘルボーイ」よりも原作の雰囲気が出ているような気がします。

というよりも、今思うとデル・トロの「ヘルボーイ」はデル・トロ色が強いのかもしれません。

ヘルボーイとリズの恋などは、異形の者との愛を描く「シェイプ・オブ・ウォーター」に通じるものを感じたりします。

ヘルボーイ自身が人間と悪魔の間に生まれたという異形の者ですが、さらにリズなどの描き方は常人とは異なる能力を持つことによる疎外感を感じさせます。

異形の者への愛情というのが、デル・トロの作品には通底していることで、それが「ヘルボーイ」という題材と相性が良く、彼らしさが出ていたのだと思います。

本作はデル・トロ版よりも原作が持つオカルティックな雰囲気を素直に描ことしていたように感じました。

R指定の作品となっており、残酷めな描写も多々ありますが、それもまた原作に忠実な印象を受けました。

「ヘルボーイ」の原作コミックは何冊か持っているのですが、「ヘルボーイ 百鬼夜行」の中のエピソードをベースにしていると思います。

ストーリーは違うのですが、登場するキャラクターやシーンなどに共通な要素が見受けられます。

このエピソードは、他のものよりも更にオカルト色が強いように感じました。

そのような原作が持つ特色を大切にしたのだろうと思われます。

「ヘルボーイ」の映画化作品としては、誠実に作られているように思いますが、卓越したレベルに仕上がっているかと言われるとそこまではいきません。

デル・トロ版が、原作の持つ雰囲気を持ちつつも、彼の作家性を強く出し、個性的であったのに比べると、本作は凡庸であると言わざるをえません。

作中でいくつか次回作に向けた種まきをしていましたが、次に繋げることはできますでしょうか。

「記憶にございません」 生き方を変えるファンタジー

人生も半ば過ぎまで生きてきて、それが子供の頃想像していた将来の姿と同じかと言われると全然違うものですよね。

個人的にはそれはそれで悪くない人生であったと思ってるわけですが、こんなはずじゃなかったと思う人もいますよね。

それでは、人生を改めてやり直すことができるのかというと、既にいろんなしがらみがあって、そのようなことは無理なわけです。

本作は政治コメディの体裁ですが、政治の風刺というよりは、人生をやり直すことができたらということをテーマにしたファンタジーと言えるかもしれません。

ただし本当にファンタジーでない限りは失われた時を取り戻すわけにはいかないので、人生をやり直すというよりは、生き方をリセットするということを描いていると言えるでしょう。

過ぎ去った時間は取り戻すことはできなくても、生き方を変えれば、その後の人生は別のものに変えることができるかもしれません。

しかし、生き方を変えるというのもなかなかの至難の業。

それまで生きてきて積み重ねてきたものが自分の中にも、自分の周囲の人々のなかにもあり、それが自分というものを作り上げているからです。

自分の中はあるきっかけがあれば変えることができたとしても、しがらみがそうさせてくれない。

本作の主人公である黒田は政権の支持率がかつてないほど低い、多くの国民に嫌われている内閣総理大臣です。

国会や記者会見では暴言を吐く、強引な政権運営をする、汚職まがいなことを裏ではしている、そして不倫なども・・・。

好きになるのが土台無理そうな悪徳政治家です。

どこかの国にもいるような感じが致しますが。

さて、その首相が演説の最中に頭にくらってしまった石礫のおかげで、記憶喪失になってしまいます。

子供の頃は別にして、政治家になった頃からの記憶がまったくない。

それに伴ってか、何故か人格までがとってもいい人になってしまうのです。

そんな彼が自分が嫌われ者であったときのことを知るにつけ、このままで政治を放っておいていけない、しがらみがなくなってしまったからこそ自分には失うものがないと様々な改革を実行していきます。

＜ここからネタバレがあります＞

よくよく考えると記憶喪失になることにより、悪人から善人に性格までが変わってしまうのはそもそもおかしい。

ポイントは失った記憶が政治家になってから以降であったということです。

ということは、黒田はそもそもはいい人であったということなのですよね。

元々いい人であったはずですが、政治の世界で生きていくため、性格が変わってしまったのか、それともそのような政治家を演じてきたのかはわかりませんが、石飛礫によって性格がもとのいい人に戻ったということなのですよね。

実は彼は途中から記憶が戻っていましたが、記憶喪失のままでいようとそれを演じてきていたのです。

このあたりは百戦錬磨の政治家らしい。

もともとは夢を持って政治を志していたのにもかかわらず、いつしか生き抜くことが目的となり初志を忘れてしまっていたということに彼は気づいたのでしょう。

記憶喪失になったことによって、皮肉にも忘れていた志を思い出したとも言えます。

だからこそ記憶喪失という苦難を自分が変わり、そして周囲もそれに納得してもらえる一世一代のチャンスにかけたのでしょう。

この辺りも勝負師らしいです。

本当の人生、そんなに生き方を変えられれるかという話にはなるとは思いますが、それはこの物語はやはりファンタジーなのだと思います。

だからこそハッピーな気分になれる。

なかなか自分で自分の生き方を変えることは難しい。

けれど、ほんとのほんとにやる気になれば、できるかもしれない。

そんな希望を持たせてくれる映画のような気がしました。

「SHADOW／影武者」 陰陽変転

「HERO」「LOVERS」などの武侠アクションで有名なチャン・イーモウの最新作です。

いままでの作品は鮮烈な色彩を上手に使っているイメージがありましたが、今回の「SHADOW」は水墨画のようなタッチを感じさせる作品になっています。

彼の今までの作品はアクションも優美でありましたが、本作ではさらに一層東洋的な美しさ感じられるようになっています。

映像は水墨画のように白と黒で描かれてますが、それは作品のテーマにも通底します。

作品の中にしばしば太極図（陰陽魚）が登場しますが、これは道教のシンボルです。

陰と陽とはしばしば入れ替わり、また陰の中にも陽があり、陽の中にも隠があるということを表していると言われています。

まさにこれはこの作品のテーマです。

主人公の影武者は、都督が身の危険を感じたため、その代わりとなって表の舞台に出ていきます。

そこは敵国とのせめぎ合い、そしてまた自国の中での権力争いにより陰謀術中渦巻く世界でした。

影武者は都督として振る舞い、常に命の危険にさらされながらも彼自身の機転によって何度も危機を乗り越えます。

都督は命の危険にさらされているからか、また権力への妄執ゆえか、精神的に歪みはじめていました。

都督は影武者の母親の行方を知っているということを材料に影武者を操っていました。

国のものには彼は国王と違い清廉の士と思われていましたが、彼もまた権力の亡者であったのです。

影武者は都督の妻に心を奪われ、そして彼女も影武者である彼に惹かれ、二人は身を重ねてしまいます。

都督はその様子も覗き見をしていました。

彼の心に去来するものはなんだったのでしょうか。

もはや妻を抱けなくなったことを影武者が代理となることで埋め合わそうとしているのか、また影武者が自分が思うように行動することによって、自分が人を操ることの満足感を得ているのか。

彼は陽のように見えながらも陰でありである存在です。

彼らが仕える王もそのようなものの一人です。

愚王のように見えながらも、実は策士であることが終盤に明らかになります。

しかし彼の策により、彼の大事な者は命を落としました。

彼も陰陽併せ持つ男でありました。

そしてまた主人公である影武者も。

陰陽が激しく入れ替わる展開の中、彼もまた変転していきます。

しかしその変転した先には幸なのか不幸が待っているのか。

人の世は正義と悪を明確に定義できるものではありません。

清はその中に濁を持ち、濁はその中に清を持つ。

まさに太極図が表している考え方が、本作を貫いています。

だからこそ映像が水墨画のようなタッチで描かれることとなったのでしょう。

「ロケットマン」 本当の自分

クイーンの自伝的映画「ボヘミアン・ラプソディー」が昨年大ヒットしたという記憶は新しいですが、本作はエルトン・ジョンの半生を描く作品です。

監督はデクスター・フレッチャー。

「ボヘミアン・ラプソディー」はブライアン・シンガーが監督としてクレジットされていますが、最終盤で解雇されていて、最後の仕上げをしたのはデクスター・フレッチャーなのですよね。

2作連続でイギリスの大ミュージシャンを題材にしている作品を作っています。

エルトン・ジョンを演じるのは「キングスマン」シリーズで主演を務めているタロン・エガートン。

そう言えば、「キングスマン2」でエルトン・ジョンが本人役で出演していましたね。

タロン・エガートンがエルトンを演じるのは運命だったのかも。

エルトン・ジョンの本名はレジナルド・ドワイト。

レジナルドは音楽の才はありましたが、内気な少年でもありました。

そんな少年がド派手な衣装を着て、どうしてサービス精神あふれるステージを見せてくれるエルトン・ジョンになったのか。

少年時代のレジナルドは父親にも母親にも愛されませんでした。

ずっと自分の居場所を見つけることができなかった少年だったのです。

唯一彼が自分自身を解放できるのが、音楽でした。

音楽を通じて親友と呼べる人物と出会うことができ、そして才能を発揮することで多くの人に認められることができた。

内向的で癇癪持ちな男が、ステージに上がると別人のようなパフォーマンスを見せるという描写が本作ではいくつもありました。

才能を認められれば、なりたい自分になれると彼は言われます。

レジナルドは、自分の理想の姿であるエルトン・ジョンという人間を無意識に演じていたのかもしれません。

しかし、それが本当の自分であるのか。

彼は次第にエルトン・ジョンという人物を演じることに疲れていってしまったのかもしれません。

だから酒や薬に手を出し、その葛藤から逃れようとした。

「自分探し」という言葉が以前、流行りました。

しかし自分とは、探して見つかるものなのでしょうか。

そもそも本当の自分ってなんなのでしょうか。

理想の自分と現状の自分のギャップはあるかもしれません。

ただ理想の自分が、本当の自分なのかというとよくわかりません。

レジナルドは理想の自分こそが本当の自分だと思っていたのかもしれません。

普通の人は理想の自分になるというのはなかなか難しい。

才能も必要ですし、もちろんお金も必要でしょう。

でも彼はそれを得てしまった。

理想の自分になることができた。

けれどそれが本当の自分であったのか。

結局すべてを吐き出して、まっさらになって初めて彼は自分自身を見つめることができたのかもしれませんね。

「ダンスウィズミー」 自分の解放

「ウォーターボーイズ」「スウィングガールズ」の矢口史靖監督の最新作です。

今回の題材はミュージカルです。

ミュージカル映画好きなんですよね。

自分では歌ったり踊ったりするのは苦手なのですが、なぜかミュージカル映画は好きなのです。

でも昔はあまり好きではありませんでした。

主人公の静香が劇中で言っているように、それまで普通に会話していた人たちが歌い出すっていうのに違和感を感じていたのです。

しかし、映画「シカゴ」を観たあたりから好きになって、ミュージカル映画が公開されると劇場に足を運んでしまうのです。

でもなんでミュージカル映画が好きになったのかが本作を観てわかりました。

静香は東京の洒落たマンションに住んでいて、大手の企業に就職できた勝ち組OLです。

仕事もできるらしい。

彼女は幼い頃の大失敗のトラウマからミュージカルが大嫌い。

にも関わらず、ふとしたことから催眠術にかかってしまい、歌を聴くと歌って踊ってしまうミュージカル体質になってしまいます。

仕事中でもデート中でも音楽が流れると踊ってしまう。

それは大層困りもの。

そのため彼女は自分に催眠術を解いてもらおうと催眠術師を探し出すために旅をすることになってしまいます。

彼女は音楽が流れると踊ってしまうという困った体質になってしまいますが、旅を続け、いろいろな人に関わり、歌って踊っているうちに、彼女の表情が次第にイキイキとしていくことに気づきます。

自分でも気づかなかった本当の自分に彼女自身が気づいていくような。

思えば歌うこと、踊ることというのは自己表現なのですね。

自分の娘も３歳になると、日々歌って踊っている。

何か自分の気分を表現したいという衝動があるような感じがします。

大人になるにつれ、恥ずかしさとかを覚えてそういうことはしなくなると思うのですが、歌と踊りには自分を解放するという作用があるのかもしれません。

自分がミュージカル映画が好きなのも、映画を観ている時は、自分も歌って踊っているような気分になれるからかもしれません。

確かにミュージカル映画を観た後は、気分がスッキリしているような気がします。

主人公静香を演じているのは子供の頃より子役で活躍している三吉彩花さん。

最近は雑誌のモデルなどをしていたようです。

すらりと背が高く、そして手足が長いので、ダンスをしている時の様子はとても映えますね。

実は彼女は子役の頃をちょっと知っていて、随分と大きくなってそして綺麗になっていて驚きました。

これからの活躍に期待です。

「ライオン・キング」 映像は新しいが、物語は・・・

実写と見まごうばかりのCGによって制作された”実写版”「ライオン・キング」。

ここまでくると実写、アニメというのは垣根がなくなってきているなという感じがしますね。

実際は実写的に表現されたアニメーションであるとは思います。

動物の表情や動きは本物よりはデフォルメされて、人間的なエモーションが演出されていますから。

表現の技術的な進化を感じさせる作品であると思います。

それに対して物語については現代的な新しさはあまり感じられませんでした。

ディズニーはこのところ昔のアニメーションの実写化した作品をリリースしています。

最近では「美女と野獣」、「アラジン」などが挙げられると思います。

これらは昔のアニメーションをただ実写化したというだけでなく、より現代の多様な価値観に配慮したものとなっています。

特に女性の描写ですね。

昔のディズニー映画といえばプリンセスですが、彼女たちはどちらかといえばか弱く、男性を待ち、選ばれる者として描かれていました。

しかし最近のディズニー作品の女性たちは自らの意思をしっかりと持ち、そして行動をします。

「アナと雪の女王」のエルサとアナなどもそうでした。

ですので、「美女と野獣」のベルにしても、「アラジン」のジャスミンにしても、アニメよりもさらに強い意志を持ち、行動力のある女性として描かれています。

「アラジン」のレビューでも書きましたが、実写版で新たに書かれた曲である「Speechless」はその象徴でしょう。

ですので、本作もそのような様々な価値観が込められた現代的な作品になっているかと思いましたが、基本的に物語はアップデートはされていないように感じたので物足りなさを感じたのです。

どうしても青年が王になっていく姿を描く物語ですので、男目線になってしまうのは致し方がないところではあるとは思うのですが。

ですので女性に関してはどうしても男性を支える立場という描かれ方になってしまいます。

その姿はやや昔の女性観のように見えました。

最近のディズニーの作品は多様な価値観を大事にしてきているように感じていたので、本作についてはその点があまり感じられなく、少々物足りなさを感じました。

「ドラゴンクエスト ユア・ストーリー」 ゲーム世界からの放出

人生で初めてプレイしたRPGが、大学浪人をしていた時に友人が持っていた「ドラゴンクエスト」の第1作でした。

今までにないゲーム体験でとても驚いたのを覚えています（それまではシューティングゲームばっかりでした）。

受験を控えていたため、自分でファミコンとソフトを買ってしまったらおしまいだという理性は働いたので、大学合格まではお預けにしましたが。

そして社会人になってすぐぐらいにリリースされたのが「ドラゴンクエスV 天空の花嫁」でした。

これもスーパーファミコンを買うきっかけになった作品で、このために何度も徹夜をしたのは言うまでもありません。

さてその「天空の花嫁」を３Dアニメとして映画化したのが、本作品です。

観る前から色々とネガティブな評価を耳にしました。

曰く「原作に対する冒涜だ」などといったようなものです。

コミックでもゲームでもオリジナルが人気作品であればあるほど、その映像化作品は細かいところが気になる人が多いものです。

自分もオリジナルゲームのファンでしたので、そういうところはわかります。

ですので本作を観る前の私のスタンスとしては、あまり期待しすぎないようにしようというものでした。

ということでしたので、見初めて終盤まで行くまでの私の感想としては「意外にも面白いじゃないか」というものでした。

もともとオリジナルのゲームはストーリーとしてもかなり長いものでしたので、それを2時間程度にまとめるというのには脚本でかなり力技が必要だと思います。

本作においてはオリジナルのストーリーの中で省くところは省き、見せるべきところは見せるという判断が的確であったと私は思います。

ゲームをやったのはかれこれ20年以上も前なので細かいところは覚えていないですが、原作のエッセンスは活かしていたと感じました。

お嫁さんを選ぶときのドキドキした気持ちなども思い出しました。

ですので、なんでこの映画が「原作の冒涜」と言われるほど酷評されているのか理由が終盤までわかりませんでした。

ただ終盤のある問題の箇所にきたときに、ひどい評価を得てしまっている理由がわかりました。

個人的にもあのメタな展開になぜわざわざいったのかは疑問です。

素直にあのままエンディングを迎えても十分に面白い作品であったと思いますし、原作ファンもそれほど文句は言わなかったでしょう。

それでは監督はなぜあのような展開にしたのでしょうか。

考えるに決して原作を冒涜するためではなく、ゲームに対するリスペクトであったのではないかと思います。

基本的に映画というメディアでは観客は制作者が決めたストーリーを追うことしかできません。

それを不自由であると考えることはできます。

それに対してゲームは自分の選択によって結末を変えることができます。

特に「天空の花嫁」は中盤の「お嫁さん選び」は自分の人生を左右するような感覚にプレイヤーがなり、ドキドキしたと思います。

プレーヤーの選択によってストーリーが変わる。

それは自由度が高いと言えると思います。

そういったそれぞれのストーリーがある（だからこその＜ユア・ストーリー＞というタイトル）ということがオリジナルゲームの画期的なところだったのだと思います。

ゲームが持っている映画とは異なる良さを、映画として表現したというのが、あのメタな展開であったのではないかと考えました。

ただ、それが観客が求めていたことと同じだったかどうかは別問題です。

映画よりは自由度が高いとは言いながらも、ゲームとてある一定幅のストーリーラインはあります。

そのストーリーラインに魅力を感じていたファンは、それに身を委ね、あの世界にいるかのような没入感こそが大事だったのではないでしょうか。

本作のメタな展開は、そこからいきなり放り出されるように感じさせるものだったような気がします。

冷や水を浴びせさせるような印象でしょうか。

監督としてはゲームを肯定的に捉えているからこその表現だったかと思いますが、その世界が好きなファンからすると強制的にあの世界から放出されるような感覚は冒涜的であると感じたのではないでしょうか。

「ワイルド・スピード/スーパーコンボ」 ファミリーというDNA

「ワイルド・スピード」シリーズ初のスピンオフ作品。

とは言っても、2作目も3作目もスピンオフ的ではあったのですよね。

だからもしこの作品をシリーズ9作目と言われても全く不思議な感じがしません。

初期3作を受けて4,5,6作目を監督したジャスティン・リンが、サイドストーリーも許容できる懐が深いシリーズ、サーガとして確立したのが大きな功績であると思います。

それでは「ワイルド・スピード」らしさというのは何なのでしょうか？

アクションムービーで長年続いているシリーズは世にいくつかあります。

例えば「007」シリーズであったり、「ミッション・インポッシブル」であったり。

これらのシリーズの「らしさ」を成立させているものの大きな一つとして主人公のキャラクターがあげられると思います。

それがジェームズ・ボンドであり、イーサン・ハントであるわけですが、これらのシリーズは主人公が変わってしまうと成立しないと考えられます。

物語のトーンを具現化しているのが、主人公キャラクターとなっているので、外すことができないのですよね。

それに対して「ワイルド・スピード」シリーズは主人公すら変わっている時があります。

主要キャラクターも出入りがある。

それでも一つのシリーズとして成立しているというのは、かなり珍しいと思います。

それでは主人公キャラクターに変わってシリーズのトーンを作っているのは何なのでしょうか。

それは今までのこのシリーズのレビューでも取り上げてきた「ファミリー」という概念でしょう。

本作の登場人物たちは世界を救うために悪人と戦うというわけではなく、自分にとっての大切な家族を守るために戦っています。

結果的にそれが世界を救うことにつながる。

ファミリーが最も重要な要素だからこそ、主人公が変わっても、あるキャラクターが登場できなくなっても作品のトーンは継続できるというわけです。

本作においてホブスにしてもショウにしても戦うための理由の第一は家族です。

そこは「ワイルド・シリーズ」サーガの一つの作品としては外せない。

外さないからこそ、シリーズの1作として成立しているのです。

ずっとシリーズを牽引していたポール・ウォーカーが不慮の死を迎えた時、その後のこのシリーズがどうなるかを心配した人は多かったと思います。

私もその一人でした。

しかし、このシリーズはますますスケールアップをして続いています。

ファミリーという要素が中心に据えられているからこそ、それができたと思います。

本作では今までのシリーズの中で脇であったキャラクターを主人公にしても成立することを証明しました。

逆に言えば、ファミリーという要素さえしっかりと守っていれば「ワイルド・スピード」シリーズは末永く続けていくことできるかもということなのかもしれません。

「アルキメデスの大戦」 鎮めるために沈められた戦艦

日本対アメリカ。

動員力、工業生産力、石油等の資源力、どれをとっても勝ち目のない戦いであった。

それらを冷静に数値を使って分析し、評価できる人であれば、そう考えたであろう。

しかしそうはならなかった。

データはそろっていたのにも関わらず。

人は見たいものだけを見たいように見る者なのだ。

本作の主人公、櫂は帝大で100年に一度の天才と呼ばれた男だった。

彼は、太平洋戦争へ邁進する海軍の象徴となるであろう巨大戦艦の建造を阻むべくその数学の才を駆使する。

折しも海軍では大艦巨砲主義と航空主兵主義の二つの主張がぶつかり合っていた。

大艦巨砲主義とは大口径の主砲と重装甲を持つ戦艦を艦隊の中心とする考え方であり、それに対して航空主兵主義はリーチのある航空機を主戦力とし、それらを搭載する空母を艦隊の中心とする考え方である。

現在のアメリカ海軍を見ればわかるように航空主兵主義の方が現代的な戦略である。

劇中で櫂が指摘しているように大艦巨砲主義は非常に効率が悪い。                

敵艦の速度・加速度・進行方向、自艦の速度・加速度・進行方向、風力・風向などの環境の数値を分析し、着弾する時の敵艦の位置を正確に予想できるかどうかがポイントなのだ。

砲弾は発射した後は、何もできないためだからだ。

太平洋戦争当時、それらの数値を瞬時に計測し、弾道計算をできるようなコンピューターなどは存在しなかったため、砲撃は非常に効率が悪いものだったのである。

航空機は砲弾よりもリーチがあり、その時の状況に合わせて対応可能であるため有利であることは論理的に考えれば明白であるが、当時の海軍ではそちらは主流とはならなかった。

大艦巨砲主義とは武者と武者との戦いのようであり、それに対し航空戦は鉄砲を持ち込んだようなものだったと思う。

圧倒的に国力の差があるアメリカに戦いを挑んだこと、また航空主兵主義が主流とならなかったことは論理的な考え方からすると受け入れがたいものではあるが、そういう道理が通らず、精神論的なものの見方がまかり通っていたのが当時の日本なのである。

櫂らは巨大戦艦建造計画を見積もりの不正確性をつく事により、頓挫させようとする。

櫂はそれに成功し、さらには巨大戦艦の構造上の欠陥をも指摘する。

しかしそれでも巨大戦艦建造計画は止まらなかった。

論理を精神論が越えてしまったのである。

この物語で興味深いのは櫂の試みが失敗してからである。

彼は巨大戦艦の建造責任者である平山中将に呼び出される。

櫂は彼から本当の巨大戦艦建造の目的を聞かされるのである。

平山は巨大戦艦を沈めるために作っていたのだ。

日本が戦争に邁進していくのは軍部だけが望んでいるからではなく、国民全体が望んでいるからである。

その流れは止まらない。

戦いになれば日本人はとことんまで戦い、国は焦土と化して滅んでしまうかもしれない。

それならば国の象徴とも言える巨大戦艦を建造し、それが敵国に無残に沈めらることを持って戦争の無謀さ、己の考えのおかしさに国民が気づくことのきっかけにできるのではないかというのが平山の考えであったのだ。

だからこそこの巨大戦艦に古の日本の名前、大和と名付けるのだと。

戦艦大和は日本の国の依り代であると。

沈めるために作られた戦艦。

まさに国民を鎮めるために。

数字、論理は何事にも揺るがされない事実である。

しかし人間は事実だけで判断するわけではない。

愚かしいがそれが人間なのである。

そのことに櫂は最初は気づかなかった。

それは彼が理想に燃える若者であったからであろう。

平山は彼に比べ人間の本質を知っていたのだ。

このところ隣の国が騒がしい。

こちらから見ると感情的で非論理的に見えるのだが、よく考えてみるとこの映画で描かれている時代では、日本がそのように見えていたかもしれない。

非論理的な思考で無謀な戦いに挑んだのだから。

まだ日本は冷静に振舞えている。

ちょっとは大人になったということであろうか。