「ドラえもん のび太の新恐竜」

「ドラえもん」という漫画は、絵を描くことや映像への興味、歴史や科学への好奇心という今の私を形作る重要なファクターとなっていると思う。

発売されるコミックは何度も何度も読み返したし、毎日放映されたアニメはテレビの前にカセットレコーダーを構えて全て録音をしていた。

その「ドラえもん」が映画になった時、ワクワクしながら見に行ったのを覚えている。

同時に連載をしていたコロコロコミックも毎月発売日を心待ちにしていた。

「のび太の恐竜」は長編であるだけに舞台も壮大で、かつドラマチックであった。

短編の「ドラえもん」しか知らなかった私にとって、「ドラえもん」の可能性が広がったのを感じたのを覚えている。

しかし、３、４作を見たあとは劇場版の「ドラえもん」を見に行くことがなくなった。

その頃はもう中学生となっていたから、「卒業」をしていたのだ。

しかし「のび太の恐竜」から40年の時を経て、私は再び「ドラえもん」の映画を見に行くことになった。

今度は４歳の娘と一緒である。

今回の「ドラえもん」の映画のテーマを 奇しくも一作目と同様に恐竜。

本作は川村元気さんによるオリジナル脚本ということだが、冒頭からの展開は「のび太の恐竜」と類似している。

のび太が育てるのはフタバスズキリュウのピー助ではなく、始祖鳥のように羽毛を持つ双子の恐竜キューとミュー（ピー助はちらりと本作にも登場します）。

４歳児の娘と見に行ったのだが、本作の尺は2時間弱、最後まで耐えられないだろうと思っていた。

昨年見に行った「アンパンマン」ではふらふらと席を離れてしまっていたから（「アンパンマン」の場合は OKなのだが）。

しかし、今回は基本的にしっかりと席に座り、最後まで映画を観賞してくれていた。

物語をきちんと理解する力がついているのだなと、子供の成長を実感した。

「のび太の恐竜」でもあった描写だが、のび太が育てた恐竜を白亜紀の仲間の群れに戻そうとする描写がある。

現代で育てられた恐竜はすぐには群れに馴染みにくい。

「のび太の恐竜」ではそこはわりとあっさりと描かれるのだが、本作では違う。

飛ぶことができず体が小さいキューは同じ種である恐竜たちに攻撃されてしまうのだ。

同族ではないと思われたのか、それとも異なる者は排斥されるのかは分からない。

うちの娘はこの場面で泣いていた。

他にも恐竜が襲ってくる場面があって怖がってはいたが、泣いてはいなかった。

この場面は他者と異なる者が、仲間外れにされる場面である。

泣いた理由を聞いたら、かわいそうだからと言っていた。

登場人物に共感できる優しい気持ちを持っていていい子に育っていると私は感激した。

この場面は本作が「のび太の恐竜」とは異なるオリジナル作品としても重要である。

現代ではダイバーシティの価値観が重要視されているが、なかなかそれが実践できているとは言い難い。

見かけが違う者、能力が違う者、価値観が異なる者が排斥されるのは日本に限らず世界各国で見られている。

異なる他者を受け入れることが大切であるのに、それがなかなかできない。

その異なることがもしかすると次のイノベーションにつながる可能性もあるかもしれないのに。

無様な動きで滑空ができなかったキューが、羽ばたきを覚え鳥への進化の道筋を作ったように。

そう考えるとこの作品のテーマはダイバーシティだと思う。

多様性こそがディープインパクトという世界を滅ぼすような出来事があっても、生物種は生き延びた。

異なる者を排斥することは、結果的に我々自体の生き延びる選択肢を狭めることにつながっているかもしれない。

「ステップ」 共感、ただ共感

しばらく前に予告編を見た時から泣けてしまった作品です。

というのも自分も３歳の娘の子育て真っ盛りで、やはり自分のことのように感じてしまうのですよね。

主人公の健一は娘が１歳半の時に病気で妻を亡くしてしまったシングルファーザー。

それから男手ひとつで娘を育てていく様子が、娘が小学校を卒業するまで描かれます。

うちは夫婦二人で育てているのにも関わらず、子育てには悪戦苦闘です。

それをたった一人で仕事をしながらと考えると、その苦労は想像できないくらいです。

私も自分の親の世代に比べてみれば、断然子育てに関与しているとは思います。

イクメンという言葉が普通になり、父親が子育てにちゃんと関わるというのが一般的になっていたので、そのことにはあまり抵抗はありませんでした。

とは言いつつも、妻との家事分担ではそれぞれ言い分があり、喧嘩もしますし、また子供のことでイレギュラーなことが発生するとやはり大変です。

本作でも健一が仕事と娘の世話の両立がうまくできない時に「ああ、もう無理かもしれない」と呟く場面がありますが、こういうのは分かりますね。

彼ほど大変ではないにせよ、仕事と家庭の負担が一気にくると泣き言の一つでも言いたくなるというのは、子育てしているお母さん、お父さんは一度ならずあるのではないでしょうか。

とは言いつつも、それでも子育てを続けていけるのは、やはり子供の成長を感じられるからだと思います。

うちは今３歳ですが、もう会話は大人並みで、基本的に体が小さいだけで基本的にはもう大人と中身はそうそう変わらないのではいかと思うくらいです。

お友達と喧嘩したらちょっとボヤいたりしていますし、泣いている子がいたら慰めたりもする。

赤ちゃんに対してはお姉さんぽく世話をしてみたりする。

私が玄関にくつを出しっぱなしにしたりすると片付けて、と注意してきますし。

いろいろな場面でそういう成長を感じられる時、日々の苦労は忘れてしまいます。

世の中の風潮的に男性の育児参加が普通になってきたということもあるのですが、娘が生まれた時になるべく子育てには関わろうと思っていました。

私は結構歳をとってからの子供でしたので、二人目はあまり考えられませんでした。

ですので、子供の成長を見られるのは一度きり。

子供の成長は早いので、そのたったひとつの機会を見逃したくないと思ったのです。

もしかすると娘が成人する時まで生きているのかしらとも思ったりも時々思うのですよね。

先日、初めて娘が補助輪なし自転車に乗りました。

他の子に比べて圧倒的に早いタイミングなのですが、ほとんど苦労することなくパッと乗れたんです。

その瞬間に立ち会っていたのですが、結構感動したのですね。

こういう瞬間があるからこそ、親は頑張れる。

本作でも健一が日々仕事と子育ての両立に苦労しながらも、やっていけるのは娘の成長を感じられたからだからこそだとも思います。

ずっと一緒にいるからこそ、他の父親は見過ごしてしまったことを彼は見ることができた。

それは彼にとって宝物だと思います。

本作は２歳頃の娘、６歳ごろの娘、１２歳頃の娘との日々が描かれます。

自分の子供の頃はあまりしっかりしていた記憶はないのですが、子供は子供ながらにしっかりと考えているというのは、自分の子供を見ていても思います。

６歳くらいになったら、こんな大人びたことを言うようになるのかなと思ったりしながら見ていました。

ありふれた言い方ですが、やはり優しい子になってもらいたいと思いますね。

本作の健一の娘も、親の愛情、そして周囲の人からの愛情を受けて育ったからこそ、優しい心根の女の子に育ちました。

自分が子供の親になるまでは全く実感は持っていなかったですが、子供が成長し、それを助けられることにこそ自分が存在する意味があるのだということを本気で思うようになりました。

そのようなことは映画や本などで見たり聞いたりして、表面的にはそうだなと思っていたのですが、リアルに自分の気持ちとしてそう思っているのです、今は。

本作も子供がいない時に見ていたら、違う感想になっていたかもしれません。

この作品は親の感じる気持ちを本当にストレートに素直に描いてくれて、そのため直球で心に響いた作品でした。

死んだ奥さんが残した壁のマジックの跡。

これの使い方が非常に印象的でした。

こういうセンスがある監督さん、いいですね。

「水曜日が消えた」 巧みな脚本

事故により奇妙な多重人格となってしまった青年の物語。

彼は7つの異なる人格を持っている。

そしてその人格は曜日ごとに切り替わっていく。

すなわち、月曜日の人格は月曜日だけ、火曜日の人格は火曜日しか生きていない。

彼らは同時には存在できないので、日毎の申し送りを付箋で行っている。

この物語は7人の人格の中の一人「火曜日」の視点で語られる。

彼らは夜中に人格が入れ替わるため、12時前には必ず就寝する。

朝起きた時には翌日の人格に切り替わっているのだ。

しかし、ある日「火曜日」が目覚めた時、それが水曜日であることに気づく。

今までなかった出来事に「火曜日」は驚くが、火曜日には会うことができなかった図書館の女性に初めて出会い、心惹かれる。

そしてその翌週も「火曜日」に水曜日は訪れた。

「水曜日」が消えたのだ。

そしてとうとう「木曜日」も消えた。

7つあった人格が次々に消えていっているのだ。

そして最後に二つの人格が残った。

「火曜日」はどうなるのか、消滅するのか、生き残るのか。

非常にアイデアに満ちた脚本だと思いました。

原作ものかと思いきやオリジナルの脚本とのこと。

そしてそれを書いているのは本作の監督も務める吉野耕平さん。

し、知らない・・・。

短編映画は何作か監督されているようなのですが、実写の長編は本作が初めてらしいです。

予告を見た時から、面白そうだなという期待がありましたが、どちらかというとサスペンス的な作品かと思っていました。

多重人格というとそういう展開になる作品が多かったので。

本作はどちらかというと、ロマンチックでもあり、ハートウォームでもある作品でした。

脚本・監督の両方を務めているので、いくつかのカットにその後の展開で意味が出てくるように工夫されていて、ハッとするところがいくつもあります。

新人監督とは思えない巧みさだと思いました。

上記であらすじを書きましたが、その後の展開はネタバレになるので、なかなか書きにくいですね。

何度か象徴的に出てくる同じようなカットがあるのですが、同じように見えて実はちょっとづつ変わっています。

そのこと自体にとても意味があるので、注意して見ていてくださいね。

最近の邦画はわかりやすいストーリーのものが多いので、この作品のように凝った脚本のものがなかなか出てこない。

見ていて展開に唸る、といったものが少ないのですよね。

「カメラを止めるな」などもその部類かと思うのですが、出来が良ければ当たるのですから、こういう作品をもうちょっと作ってくれると嬉しいと思ったりします。

「ランボー ラスト・ブラッド」 原点への回帰

「ランボー」シリーズの最新作「ランボー ラスト・ブラッド」です。

最終作とは言いません。

今までも何度となく最終作っぽかったことがありますからね（笑）。

とは言いながら、本作はサブタイトルに「LAST BLOOD」あるように第一作「ランボー（RAMBO FIRST BLOOD）」と対になるところがあるかと思います。

第一作ではランボーはベトナムから帰還したばかりの兵士でしたが、国のために戦ってきたにも関わらず保安官たちに迫害され、結果的に一人だけで軍隊と戦うことになります。

彼が戦うのは、自分と仲間が命をかけて国を守ってきたという想いを、全て否定されたと感じたからでしょう。

つまりは彼は存在してきた意義、生きてきた理由を奪われたわけです。

その後の「ランボー」シリーズでは彼はヒーローとして、その当時の「アメリカの敵」と戦います。

彼が戦う理由は用意はされていますが、初回作のように自分の生きる意味を問うような戦いではなかったと言えます。

しかし、本作においては再び彼が生きてきた意味を賭けた戦いをします。

前作後、ランボーは故郷に帰り、そこで知人とその孫娘と暮らしていました。

その娘をランボーは実の娘のように愛しみ、育てます。

しかし、彼女はメキシコの人身売買組織に拐われ、薬漬けにされた上に、最後は殺されてしまいます。

ランボーは老年において生きる意味を見つけていたその娘を奪われたのです。

彼は再び自分が存在していた意義を失ったのです。

本作において人身売買組織を迎え撃つランボーには容赦はありません。

それだけに彼の内面の怒りを感じます。

見ている私の方も前作を観た後から今までの間に娘を授かりました。

それこそ目の中に入れても痛くない、ということを実感していますが、自分の娘がこのような目にあったらと考える、血が凍るような思いです。

怒りで何も見えなくなるかもしれない、とも思います。

それだけに子供の存在は自分が生きる意味を与えてくれるものだとも思います。

彼の戦いは、本作において第一作と通じるような自己の存在を賭けたものに回帰しました。

そういう意味においては本作は上手にシリーズを締め括ったと言えるかもしれません。

「ドクター・ドリトル」 ぜひ親子で鑑賞を

ロバート・ダウニーJr.がMCUを卒業して、次に選んだのはドクター・ドリトルです。

原作は世界中で愛されている有名な「ドリトル先生」シリーズ。

古典を選んできたところは意外ですが、彼は「シャーロック・ホームズ」でもシャーロックをそれまでとは違った新しいイメージで演じているという実績があります。

私は原作は未読なのですが、映画のドリトル先生もかなり原作のイメージとは違うようですね。

原作のドリトル先生は英国紳士として描かれているようですが、ロバートのドリトルはそれとはかなり外れたイメージで、ユーモアのある人物として描かれています。

シャーロックもトニー・スタークもそうでしたが、このユーモア感というのはロバート・ダウニーJr.らしいところなのかもしれません。

原作は子供向けの物語のイメージがあったので、本作も子供向けの作品だと思って見に行きました。

しかし、これも意外だったのですが、大人が見ても結構楽しめます。

もちろん子供も十分楽しめると思います。

ストーリー自体は複雑ではなく、わかりやすいですし、喋る動物たちとドリトル先生のやりとりも面白い。

子供たちが自身を投影しやすい助手のスタビンズ少年というキャラクターもいます。

前半の方から見せ所のアクションもあり、割といいタイミングで飽きさせないように盛り上がりを作っています。

それほど長い作品でもないので、子供も飽きずに最後まで楽しめるのではないでしょうか。

とはいえ、大人だと楽しめないかというとそうでもないと思いました。

もちろんストーリーはとてもシンプルなので、複雑な物語を好む方は合わないかもしれません。

ただ本作のドリトルは妻を亡くしてしまったため、人との接触を断ち、ずっと一人で暮らしてきた人物です。

ユーモアを絡めて話す彼ですが、その心の奥底は悲しみで満たされています。

それがあるきっかけで冒険に旅立つことになり、その旅路で動物たちやスタビンズ少年との交流の中で次第にその悲しみが癒されていきます。

誰でも大切な人を失って悲しみに暮れることはあるかと思います。

そこから立ち直っていくときのきっかけは、やはり周囲の家族や友人たちとのだったりするのですよね。

ですので、このお話は大人でもキャラクターに共感を持てるものになっていると思います。

本作は元々春休み映画で公開される予定でした。

親子で見に行くには絶好の作品だと思います。

「エジソンズ・ゲーム」 ジョブズの姿を見た

原題は「The Current War」で、直訳すると「電流戦争」になりますね。

ここでいう電流とは直流/交流のことです。

乾電池などは直流、家庭に電力会社から送られてきてくるのは交流というのは、学校で習ったことがありますよね。

本作ではエジソンが電球を発明し、その後急速にアメリカに電気が普及している時代における、直流式と交流式の覇権争いを描いています。

まさに電流のデファクト・スタンダードをどちらが取るかという争いです。

皆さんもよく知るトーマス・エジソンが直流派。

そして交流を主張するのが、ジョージ・ウェスティングハウスです。

意外だったのが、本作で描かれるエジソン像です。

エジソンといえば「天才とは、1%のひらめきと99%の努力である」という名言で有名ですよね。

私も子供の頃、偉人伝でエジソンの話を読んで、努力家で高潔なイメージがあったのですが、本作のエジソンは全く違います。

天才であることは間違いありませんが、どちらかと言えば自己中心的で、部下に厳しく、また敵となる相手には非常に攻撃的に当たります。

そして名誉欲・自己顕示欲も高いパフォーマーで、仕事を優先して家庭を顧みない人物。

正直言って一緒にお仕事したくないタイプです。

相手となるウェスティングハウスは終始紳士的で、名誉よりは社会へどれだけ貢献できるかということを考えている人物のように見えました。

電力の普及により、社会が大きく変わろうとしている時代、二つのシステムが大きく覇権を争う様が描かれるのが、この作品です。

鑑賞しながら、本作におけるエジソンをどこかで見たことがあるという既視感を持ち始めました。

よくよく考えて見ると、本作のエジソンは、アップルを創業したスティーブ・ジョブズに非常に似ているなと思いました。

彼もまた自己中心的で、周囲に対して非常に厳しい人物でありました。

そして自己顕示欲も高いパフォーマーでもあったのは、皆さんもよく知っているところです。

彼はパーソナルコンピューターやスマートフォンを発明し、その後の社会のありようを大きく変えたというところが、まさに本作のエジソンのようです。

しかし、パーソナルコンピューターにしてもスマートフォンにしても、彼が作ったMacやiPhoneがデファクト・スタンダードになったわけではありません。

主流になったのは、Windowsであり、Androidであったのです。

交流に負けてしまったエジソンと通じるところがありますよね。

そういえば、ジョブズもアイデアを盗まれたと言ってWindowsを訴えたことがありました。

本作で描かれたのは「電流戦争」ですが、スティーブ・ジョブズのMacとビル・ゲイツのWindowsの覇権争いは「OS戦争」とも言われました。

パーソナルコンピューターの登場、そしてスマートフォンが登場も、社会を変容させる圧倒的なインパクトがありました。

その衝撃度は今を生きる我々は知っているわけですが、電力が普及し始めた時の衝撃はさらに凄いものだったのでしょうね。

時代を作る人物には、それを生み出すだけのエネルギーを生み出すことができるエジソンのようなエキセントリックさが必要なのかもしれません。

そしてまたそれを広く遍く普及させるには、ウェスティングハウスのような粘り強さが必要なのかもしれません。

「ハーレイ・クインの華麗なる覚醒 BIRDS OF PREY」 自立した女

「スーサイド・スクワッド」のヒロイン（？）ハーレイ・クインを主人公としたスピンオフ作品で、DCエクステンデッド・ユニバースの一つ。

とはいえ、最近のDCはマーベルのような各作品が緊密に結びついているユニバース作品群とは異なり、キャラクターの個性を重視した単品主義に方針変更しているように見えます。

ですので、本作は「スーサイド・スクワッド」の続編的なストーリーとなっていますが、その他の作品との結びつきは薄いです。

「ワンダーウーマン」「アクアマン」「シャザム！」など個性豊かな作品が生まれてきているので、単品主義は悪い選択ではないと思います。

ただそれぞれの個性が強い分、好き好きが分かれるがあるのは致し方ないところかもしれません。

本作の前日譚である「スーサイド・スクワッド」自体が個人的にはあまり好みではありませんでした。

登場するキャラクターが多すぎているからか、作品のトーンの問題なのか、全体的にごちゃごちゃとしていて慌ただしい印象を持ったのです。

ノイジーで不条理な感触は制作者の狙いだったと思うのですが、個人的には性に合いませんでした。

その不条理さを体現していたキャラクターがジョーカーであり、その恋人であるハーレイ・クインであったと思います。

確かにハーレイ・クインは他にはない個性を持つキャラクターです。

彼女は既存の価値観には縛られない。

常識は通用しない。

前作では唯一彼女が縛られていたのがジョーカーへの愛であったのですが、本作では別れたことになっているため、もはや彼女を束縛するものはありません。

ハーレイ自身が言っているように、彼女は自立した女になったのです。

彼女が支持されたのは、誰からも何からも自由であるということだったのでしょう。

誰しも何かしらに縛られて生きています。

社会的な価値観であったり、人間関係やしがらみなど。

家族もある意味では縛りであったりします。

そういうものを全て放り出して、自由に生きたいと思う瞬間は誰しもあるものでしょう。

ですが、現実的にはそんなことはなかなかできません。

だからこそ映画の中だけでも、自分自身に正直で、奔放に生きる彼女に共感する人も多いのでしょう。

そういうことは頭で考えると分かるのですけれどね・・・。

個人的にはどちらかというと無秩序よりは秩序を大事にする方なので、どうも勝手気ままに自由すぎる生き様を見せるキャラクターにはなかなか思い入れができません。

最近のDC作品と同じように、本作はハーレイ・クインのキャラクターを重視した作風となっています。

ですので作品のトーンは無秩序であり、ノイジーです。

まさに彼女のキャラクターそのものの雰囲気です。

この作品を受け入れられるかどうかは、ハーレイ・クインのキャラクターに感情移入できるかどうかによるのでしょう。

私の場合はちょっと難しかった。

冒頭に書いたように好き好きが分かれる作品だと思います。

「仮面病棟」 ややご都合主義

＜ネタバレ含みます＞

ある病院を舞台にしたサスペンスです。

主人公速水がある病院の当直医として1日限りのバイトをしていた晩、突然ピエロの面を被った強盗が病院に押し込み立てこもります。

一緒に彼に撃たれた女子大生、瞳もやってきました。

他に病院内にいるのは認知症の患者たちと、院長と二人の看護師。

ピエロが病院に来たのは偶然ではなく、何か目的があるらしい。

そして院長や看護師たちの動きにも不審な点が。

この病院には何か秘密があると速水は感じ始めた・・・。

最後のどんでん返し自体は意外性もあり楽しむことができますが、いくつか気になる点もあり、謎解きの部分は全て納得できたわけではありません（私が見逃しているところがあるかもしれませんが）。

そもそも普通の市民である犯人らが物騒な拳銃を持っている理由が示されていません。

そして大きなトリックの一つである瞳の腹部の銃槍について、元々あった傷を素人が致命的にならず隠蔽するようにつけるなんてことができるのかという点。

瞳は患者の一人であったというわけですが、化粧や髪型を変えただけでいつも世話をしている看護師たちが気づかないというのも不自然です（一人は気付きましたが）。

彼女と姉が病院に担ぎ込まれた時は、身元不明であったということです。

一時的に記憶を失っていたということでしょうか。

それとも怪我によって意識不明であったということでしょうか？

もし意識不明な状況であったのに臓器摘出手術をしたとすると、意識が戻ってしまったら院長らはどうする気だったのでしょう？

絶対に記憶が戻らない自信があった？

また記憶が戻った瞳はなぜ自分の身元を告げないまま、身元不明のまま病院で過ごしたのか？

姉の復讐をするため？

そうすると目覚めた時から、大体の計画は彼女の頭に浮かんだということなのでしょうか？

というようにいくつも気になる点があり、ミステリーとしては納得性がありませんでした。

何人かいる身元不明者のネームプレートを写したり、全ベットが埋まっているはずなのに開いていたベットがあったということをさりげなく見せるなど、フェアでありたいという姿勢はいくつも感じるのですが、全体的にはご都合主義な感じは否めません。

もうちょっと丁寧さがあればもっと良い仕上がりになったように思います。

「Fukushima 50」 あの時の経験を活かす

東日本大震災から今年で9年。

未曾有の規模の地震や津波に国民は恐れ慄きましたが、さらに皆が不安に感じたのは放射能でした。

震源地に近い海岸線にあった福島第一原発は、想定以上の津波に襲われ電源がシャットダウンされました。

そのため、原子炉の冷却ができなくなった結果メルトダウンし、放射能が炉外に漏れ出します。

さらには燃料棒を覆うジルコニウム合金が水と反応して発生した水素に着火し、水素爆発が発生。

原子炉建屋の屋根が吹っ飛んだ映像に驚いた方も多かったでしょう。

なぜ皆があれだけ放射能に恐ろしさを感じたかというと、誰も日本で原子炉事故といったケースを経験したことがなかったこと、そして放射能が見ることができず、何がどのように自分に影響を与えるのかがわからないことだったからだと思います。

経験もなく、見ることができない脅威だからこそ、根拠のない憶測が横行します。

皆さんも覚えているように、多くのデマや流言などもありました。

風評被害という言葉が多く使われるようになったのも、この頃だったと思います。

一般市民に対しいち早く正確な情報を伝えなければいけない政府と東電もまた憶測に基づき動いていたというのは、本作でも描かれている通りです。

未経験で不明瞭な状況だからこそ、確実に状況を見極めながら、できることを着実にやっていくということが大切になります。

それを行なっていたのが、まさに現場にいた「Fukushima 50」と呼ばれるようになったスタッフたちであったのですね。

彼らとて人間ですから、怖かったでしょう。

けれども一般人よりは放射能の怖さを知っているからこそ、高い職務意識で未曾有の災害に挑んだのだと思います。

想定外の津波であったという言い訳を言っている東電という会社は信用ならないですが、そこで働く人々は真摯でした。

スタッフの人命を守りながら、引かずに見えない恐怖と戦い続けた彼らには感服します。

その後の日本の社会に大きな影響を与えた事故でしたが、彼らが最前線で戦ったからこそ、今の復興もあるのかもしれません。

この作品を観ながらこのような事態は今まさに、日本で、世界で形を変えて起こっていると感じました。

そう、コロナウイルス です。

このようなパンデミックを現在生きている人々は経験したことがありません。

そしてまたウイルスは放射能と同様に見ることができません。

だからこそ皆不安を感じます。

あの時と同じように多くデマが流れ、トイレットペーパー騒ぎのように人々は右往左往しています。

しかし、あの時よりも日本社会全体としては冷静さは保っているような印象も受けます。

政府や地方自治体の動きもしっかりとして事態を把握し、冷静に対応していると感じます。

少なくとも東日本大震災時の首相のオタオタしたようなその場限りの対応の拙さはないように見えます。

また国民一人ひとりも欧米などに比べ比較的冷静に対処しているように感じます。

まだ状況は予断を許さないとは思いますが、「持ち堪えている」のは、あの時の経験が政府にも企業にも国民にもあるということが、他の国とは違うということかもしれません。

Fukushima 50と同じように、恐ろしさを感じながらも高い職務意識で患者に対応している多くの医療関係者の方もいらっしゃいます。

我々国民がしていかなければならないのは、あの時の経験を活かし、常に冷静に情報を見極め行動していくということだと感じました。

「映画 賭けグルイ」 ハイテンション！ハイリアクション！

公開時に気になっていた作品だったのですが、見ていなかったTVシリーズを受けての作品だったようで、鑑賞を断念。

改めてNetflixでテレビシリーズを全て見てからの鑑賞となりました。

本作の舞台となる私立百花王学園は生徒会を頂点としたギャンブルによる階級制度があります。

そこに主人公蛇喰夢子が転向してきます。

彼女は一見古風なお嬢様のようにも見えますが、真性のギャンブル狂で、賭事に挑むときは性格が一変します。

まさに「賭けグルイ」です。

この蛇喰夢子を演じるのが現在売り出し中の浜辺美波さん。

普通の少女から、深窓のお嬢様、そしてちょっとズレたような変わり者まで幅広く演じることができる女優さんですが、本作での振れ幅はかつて無いほどのレベルですね。

ギャンブルをテーマとした作品としては「カイジ」シリーズが思い浮かびます。

そこで主人公カイジを演じる藤原竜也さんの演技も、非常にハイテンションでしたが、その藤原さんにも負けるとも劣らないほどのテンションで浜辺さんは夢子を演じます。

彼女の演技の振れ幅は最近の若手女優の中でNo.1と呼べるものだと思います。

夢子以外のキャラクターに関しても、全てがハイテンション・ハイリアクションの演出で通されています。

漫画にもある表現なのだと思いますが、ショックを受けたときの文字通り「目が点」になる時の表現はまさにその究極。

全編的にコミック的な大仰な演出になっていますが、それがギャンブルという究極の心理戦においてははまっています。

全体のトーンはかなり独特でこれは英勉監督のセンスの賜物でしょう。

映画版で描かれる賭け事は大掛かりなものではなく、カードゲームが主体となり、大掛かりな装置によるギャンブルがメインの「カイジ」と好対照ですが、とは言っても地味ということではありません。

シンプルなカードゲームであるということで、より心理戦にフォーカスされ余計にドキドキさせられます。

浜辺さんに負けず劣らずの振れ幅を見せるのが、テレビではあまり姿を表さなかったキャラクター歩火を演じる福原遥さん。

彼女の演技も見ものでした。

前半と後半は全く異なるキャラクターのよう。

浜辺さんと福原さん、この二人の演技だけでも見る価値はあります。

最後は夢子と生徒会長のバトルになるのかと思いきや、そこまでは至らず。

またテレビシリーズなり、映画があるということでしょうか。

夢子が何者であるかも明らかにされておりません。

今後また彼女たちに会えることを期待したいと思います。